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  • Nuevas rutas para canciones necesarias: Soy Irracional estrena «SOYI»,su tercer álbum de estudio

    Nuevas rutas para canciones necesarias: Soy Irracional estrena «SOYI»,su tercer álbum de estudio

    Compuesto entre ciudades, mudanzas, pérdidas y nuevos comienzos, y producido entre Santiago, Buenos Aires y los estudios Abbey Road y Studio 13 de Londres, el nuevo LP de la agrupación chilena es también su trabajo más autobiográfico. En siete canciones de pop rock alternativo maduro y emocional, «SOYI» retrata el desafío de seguir avanzando cuando el camino conocido deja de tener sentido.

    En un mundo como este, continuar haciendo lo que amamos es un acto de valentía. Cuando los integrantes de Soy Irracional –Felipe, Cuco, Jimmy y Clemente– comenzaron a vivir en ciudades distintas, formar familias y enfrentar los desafíos propios de la adultez, la continuidad de la banda tal como la habían experimentado desde los 15 años dejó de ser una certeza. Lejos de dar un paso al costado, el cuarteto decidió convertir esa experiencia en el motor creativo de un disco que encuentra su corazón en la persistencia, la honestidad y la transformación. 

    «SOYI» llega como el tercer álbum de estudio de Soy Irracional, y también «como el más homónimo», aseguran, poniendo sobre la mesa el cambio de enfoque que hay entre este trabajo y sus antecesores, «Climas» (2017) y «Modérnica» (2021). «A diferencia de los discos anteriores, que buscaban algo más conceptual, este es muy testimonial. Hay poca fantasía en estas canciones. Aquí abrazamos sin complejos lo que somos, y eso se refleja también en una búsqueda mucho más explícita y genuina por el pop«, detallan sobre la placa compuesta, grabada y producida entre Santiago, Buenos Aires y los míticos estudios Abbey Road y Studio13, en Londres.

    El camino recorrido durante dos décadas de amistad y música compartida se siente en las siete canciones que integran el LP. La sensibilidad y el carácter introspectivo del rock alternativo se respira en las letras, la producción analógica y el giro hacia las guitarras, esta vez junto a melodías luminosas y arreglos de vocación pop que profundizan en la nueva dirección sonora del proyecto; una idea que también atraviesa la portada del álbum, donde un automóvil en medio del campo representa la decisión de insistir en el viaje aun cuando el paisaje y la ruta han cambiado tanto.

    «Hicimos este disco a pesar de la distancia y de todos los cambios que estamos viviendo, cada uno y como banda. Lo más fácil habría sido decir ‘hasta acá llegamos, fue lindo’, pero creemos que es mucho más valiente seguir. Nos gusta demasiado hacer música, y con ‘SOYI’ entendimos que podemos integrarla a nuestra vida adulta, y que la crónica de estas transiciones y movimientos también es valiosa. Surfear la adultez tiene una poética tan válida como la épica del proyecto que quiere pegar», explican.

    La voz testimonial de «SOYI» es sensible, honesta y rebelde. Elegir la vida que queremos, mezclar caminos que parecían imposibles y hacer las cosas a nuestro propio ritmo es el aire fresco que la banda nos regala en una obra que, yendo a contracorriente de las tendencias actuales, renuncia a las fantasías de la fama para abrazar la vulnerabilidad y las pequeñas victorias de la vida cotidiana.

    En esa búsqueda por encontrar una poesía directa para nombrar aquello que ocurre por dentro fue clave el trabajo junto a Franco Saglietti, líder del proyecto argentino Francisca y Los Exploradores, a quien conocieron durante las sesiones de grabación en Buenos Aires junto al productor Nicolás Btesh. 

    «En Argentina hay una tradición de canciones mucho más directas y veníamos sintiendo que este disco necesitaba ese espíritu, mucho más despojado a la hora de decir las cosas, sin tantos tapujos. Franco y Nico nos ayudaron mucho con esa parte», cuentan sobre el vínculo creativo que terminó materializándose en «La Gracia», el focus track y la única colaboración de «SOYI»

    Con un equipo de primera categoría comandado por Cuco Errázuriz en la producción, junto a Nicolás Btesh, la mezcla de Ezequiel Kronenberg y la masterización de Francisco Holzmann, la tercera entrega de Soy Irracional se alza como un manifiesto sonoro maduro y sincero; un retrato de un momento bisagra que confirma que la ruta para hacer lo que amamos puede cambiar, pero no las ganas de seguir recorriéndola con nuestros amigos.

  • Delisse estrena su nuevo sencillo «Sin Renunciar»

    Delisse estrena su nuevo sencillo «Sin Renunciar»

    Como parte de la antesala de un próximo álbum o EP de estudio y en el marco de las celebraciones por las dos décadas de historia de su obra cumbre, «El Peso del Dolor», el dúo chileno, formado por Magdalena Atria («Maida») y Cristián Moya («Pit»), estrena este 10 de Junio de 2026 su nuevo single titulado «Sin Renunciar». El tema corresponde al rescate de una composición inédita, nacida originalmente como un demo en 2010, un track que captura su sonido más crudo y orgánico. Esta obra inédita fue grabada en una sola toma simultánea en el estudio y la canción rescata la magia y el espíritu de un demo perfecto. 

    Maida & Pit deciden lanzarla en 2026 en formato Demo, como una forma de honrar ese proceso de creación y de hacer la resistencia a una industria cada vez más dominada por la IA, en que ya no se sabe qué es real y qué no y se ha ido perdiendo el valor de lo orgánico. La canción fue producida por Delisse y Andrés Silva, connotado baterista chileno, radicado actualmente en Nashville, USA.

    En “Sin Renunciar”, la factura del sonido, el carácter musical, la fuerza y la intensidad en la interpretación vocal, están tan bien plasmados, que una re-grabación habría sido “engolosinarse”, entendiendo que muchas veces “lo perfecto, es enemigo de lo bueno”. 

    Su letra es una declaración de principios, su propio “statement”, que 16 años después de haberla compuesto y escrito, hoy cobra más fuerza que nunca para la propia dupla, con un poderoso mensaje de resiliencia y permanencia, que habla sobre perseguir los ideales y sueños que mueven la existencia humana, sin dejarse llevar por la corriente, luchando por ser consecuentes con un ideal y no renunciando aunque todo esté en contra, con mil puertas cerradas y aunque sólo escuches “ya no lo intentes, no vas a poder”.

    Por su lírica y potencia, la canción puede fácilmente convertirse en un himno para muchos. Es energía pura, que busca mantener vivo el carácter y espíritu del rock orgánico y real, con una letra que impulsa fuertemente a seguir luchando por ese sueño, por esa causa y por ese ideal, sin renunciar.

  • Conii estrena «Desarmarnos», un álbum que transforma los diarios de la adolescencia en Pop Cinematográfico

    Conii estrena «Desarmarnos», un álbum que transforma los diarios de la adolescencia en Pop Cinematográfico

    La artista chilena presentará en vivo su primer disco el próximo 17 de julio en un concierto gratuito en la Sala Aldo Francia del Palacio Rioja, en Viña del Mar.

    ¿Qué ocurre cuando las canciones que escribiste entre los 16 y 19 años sobreviven al paso del tiempo? Para la artista de Quilpué Conii, la respuesta es Desarmarnos: un álbum debut que convierte la confusión, el desamor, la ansiedad y la búsqueda de identidad propias del fin de la adolescencia en un relato sonoro íntimo, honesto y profundamente generacional.

    El disco será presentado en vivo el próximo 17 de julio en la Sala Aldo Francia del Palacio Rioja de Viña del Mar, en un concierto gratuito que marcará el inicio oficial de esta nueva etapa artística.

    Con influencias que transitan entre el pop alternativo británico de London GrammarArthur Beatrice, junto con referentes latinoamericanos como Gustavo Cerati, Conii construye una propuesta que combina texturas ambientales, guitarras, sintetizadores y una sensibilidad cinematográfica que ya ha comenzado a visibilizarse a través de los singles previamente estrenados.

    «Desarmarnos» no es un álbum conceptual tradicional. Es una colección de canciones escritas en tiempo real durante uno de los períodos más decisivos de la vida: el tránsito entre la adolescencia y la adultez. Cada composición captura emociones sin filtro, desde el primer amor hasta la traición, desde la ansiedad hasta el descubrimiento de la propia voz.

    La canción que da nombre al disco, «Desarmarnos», emerge como uno de los momentos más intensos del álbum. A través del electropop y múltiples capas vocales, Conii retrata la experiencia de sentirse observada, juzgada y fuera de lugar. La canción aborda la desadaptación adolescente, una primera relación tóxica y el peso de una sociedad que muchas veces se organiza para señalar a quien considera diferente. «¿Quién será dicen todos?», pregunta el coro, como un eco de quienes han sentido alguna vez que todos miran hacia ellos.

    El recorrido continúa con «Luz y Sombras», una pieza pop rock influenciada por Cerati y Camila Moreno, donde persiste la duda sobre si aferrarse o dejar ir un amor que sigue habitando la memoria. En «Si pudiera», el electropop ambiental y minimalista acompaña un diálogo interno marcado por la culpa y la pregunta insistente sobre si las cosas podrían haber sido distintas.

    La amistad también encuentra espacio en el disco a través de «Culpable», canción que aborda la decepción y la invisibilidad que puede surgir en vínculos donde el afecto y la entrega no son recíprocos.

    Uno de los puntos de inflexión aparece con «Quemar», tema donde la artista toca fondo para luego reconstruirse. «Ya no me voy a quemar», canta Conii, marcando el comienzo de una esperanza renovada y el surgimiento de una identidad más fuerte y consciente.

    La salud mental atraviesa el álbum de manera explícita en «Hombre de Negro», composición que transforma la ansiedad, las parálisis del sueño y la sensación de vacío emocional en una figura simbólica que concentra los miedos y conflictos propios del final de la adolescencia.

    El cierre del viaje abre paso a nuevas posibilidades. «Sin rumbo» explora la independencia, el amor propio y la claridad que llega después de atravesar la incertidumbre, mientras que «Salidas» cuestiona los caminos tradicionales que la sociedad propone como únicas formas de construir un proyecto de vida, invitando a imaginar futuros más auténticos y libres.

    A lo largo de ocho canciones, Conii propone una experiencia donde lo personal dialoga con lo universal, instalando una voz sensible y lúcida dentro del pop alternativo chileno actual para recordar que crecer también implica romperse, cuestionarse y volver a construir la propia identidad.

  • Infinitos Monos estrena «Pienso en Ti», un nuevo adelanto de su álbum debut

    Infinitos Monos estrena «Pienso en Ti», un nuevo adelanto de su álbum debut

    La banda chilena sigue trabajando en su álbum  debut estrenando su tercer single, “Pienso En Ti” una canción que  mezcla la melancolía del post-punk y la energía del indie rock.

    «Pienso en ti», tiene un sabor a pena y melancolía, pero con el impulso de bailar incluso en los momentos más tristes, algo reconocible en la arquitectura del desamor.

    Mientras continúa consolidándose en los escenarios de Santiago y distintas ciudades del país, Infinitos Monos se avoca a «Pienso en Ti», un sencillo que profundiza en su lado más sensible, pero sin dejar de ser una pieza bailable y pop, cargada de guitarras llenas de efectos; quizás una de sus canciones más íntimas hasta el momento.

    El cuarteto formado por Laura (voz), Carlos (guitarra), Nico (bajo) y Diego (batería) explica que esta entrega muestra su faceta más experimental, sin abandonar ese sello que funde el rock y el post-punk revival con hooks que se quedan en la cabeza, todo bajo un alto nivel de producción. La canción actúa como una amalgama sonora donde los ecos de los 90 y el rock de los 2000 conversan con sintetizadores de estirpe setentera y ochentera, trazando una línea directa hacia influencias como Royel Otis, The Strokes, Turnstile y Wet Leg. 

    «Buscamos transmitir esa sensación de soledad, de dudas, de no estar contento con la vida que se tiene… ese vacío que uno intenta llenar con alguien más cuando se siente perdido», explican sobre el trasfondo de un tema que aborda la complejidad de «dar vuelta la página».

    El sencillo fue registrado entre Estudio El Gran Pez y Estudios del Sur, con la producción y mezcla de Claudio Quiñones, mientras que el mastering estuvo a cargo del reconocido ingeniero Chalo González, responsable del sonido de algunos de los discos más importantes de la música chilena.

    «Pienso en Ti» funciona además como una nueva pieza del rompecabezas que dará vida al primer álbum de Infinitos Monos, trabajo que mostrará la amplitud de una propuesta que transita con naturalidad entre la nostalgia noventera, la contundencia del rock de los 2000 y una sensibilidad pop profundamente contemporánea, un camino que se consolida bajo el manejo artístico de Caro Pro Booking & Management, quien ya delinea la proyección internacional de la banda.

    Con este lanzamiento, Infinitos Monos, reafirma una  búsqueda clara: crear canciones capaces de hacer bailar, cantar y sentir una  atmósfera especial, incluso cuando hablan de las emociones más difíciles.

  • QUINTOBAR estrena el videoclip de “MMGVO (Mamaguevo)”: funk, rock y karma

    QUINTOBAR estrena el videoclip de “MMGVO (Mamaguevo)”: funk, rock y karma

    La banda chileno-venezolana presenta una canción directa, bailable y cargada de humor sobre quienes manipulan, mienten y creen que nunca enfrentarán las consecuencias.

    QUINTOBAR presenta el videoclip de MMGVO (Mamaguevo), una canción que apunta sin rodeos a ese personaje que todos hemos conocido: alguien que manipula, juega con los demás, se ríe del sufrimiento ajeno y se siente intocable.

    Con energía, ironía y una mirada frontal, “MMGVO (Mamaguevo)” funciona como un recordatorio de que las máscaras eventualmente caen y que cada acción tiene consecuencias. Entre grooves de funk, ritmos caribeños, guitarras y una pulsación dance, QUINTOBAR convierte una experiencia cotidiana en una canción intensa, provocadora y hecha para moverse. El tema fue coescrito junto a Enghel, compositor y artista reconocido internacionalmente, ganador y nominado en múltiples ocasiones a los Latin Grammy, además de otros importantes reconocimientos de la industria musical. 

    El videoclip acompaña esa descarga sonora con una propuesta visual producida por 5to Film Productora Audiovisual, bajo la dirección de Charly Barcero y la dirección de fotografía de Ricardo Yanez.

    Con presentaciones en distintos escenarios de Santiago y una propuesta visual y musical en evolución constante, la banda sigue desarrollando un sonido auténtico, cercano y bailable, donde cada lanzamiento se transforma en una invitación a sentir, cantar y dejarse llevar.

    Descubre ya lo nuevo de QUINTOBAR disponible en todas las plataformas.

  • Mikel Ramone y Esteban Hurtado estrenan el videoclip de “Sin Conexión”, una apuesta audiovisual pionera desde el norte de Chile

    Mikel Ramone y Esteban Hurtado estrenan el videoclip de “Sin Conexión”, una apuesta audiovisual pionera desde el norte de Chile

    El nuevo sencillo conjunto de los cantautores independientes profundiza en el aislamiento emocional que se vive en estos tiempos de hiperconectividad digital, y viene acompañado de una producción audiovisual pionera grabada a inicios de año,en el nuevo Museo Regional de Atacama.

    Mikel Ramone, de Copiapó, y Esteban Hurtado, de La Serena, presentaron oficialmente el videoclip de «Sin Conexión«, una colaboración de autoría compartida que explora la fragilidad de los vínculos afectivos en una época dominada por la comunicación digital.

    A través de un diálogo lírico cruzado que transita desde la observación del otro hasta una cruda revelación íntima (“Pienso que el silencio habla por mí / Vacío en la presencia”), “Sin Conexión” retrata la distancia emocional en tiempos de hiperconectividad, reflejando cómo, cuando la complicidad cambia de estación, el silencio se vuelve el lenguaje más elocuente.

    Un hito tecnológico para la música independiente del norte

    El lanzamiento marca un hito tecnológico para la escena musical del norte del país, al ser mezclado y masterizado en formato inmersivo Dolby Atmos por @estudio_serena. Esta apuesta por el audio tridimensional de última generación posiciona el catálogo de ambos artistas en un estándar internacional de alta fidelidad, siendo un logro de vanguardia inédito y muy poco común entre los proyectos independientes de las regiones de Atacama y Coquimbo.

    Por su parte, el apartado visual llega acompañado de un videoclip cinematográfico registrado durante el mes de marzo del presente año, en el nuevo Museo Regional de Atacama, convirtiéndose en la primera producción audiovisual de carácter musical filmada en este imponente espacio arquitectónico. La elección del recinto dialoga directamente con la identidad territorial y el espíritu de ambos creadores, cuyas obras nacen de vivencias personales y reflexiones críticas sobre los entornos que habitan.

    Sin Conexiónya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, destacando su experiencia sonora en Apple Music gracias al trabajo desarrollado junto a Estudio Serena.

  • Alexideral estrena “Queriéndote desde lejos”: un íntimo manifiesto Pop producido por Taffy Dönicke

    Alexideral estrena “Queriéndote desde lejos”: un íntimo manifiesto Pop producido por Taffy Dönicke

    El artista magallánico adelanta el cierre de su álbum debut con una balada pop de tintes ochenteros que aborda con madurez los amores secretos dentro de la comunidad LGBTQ+.

    El cantautor de Pop originario de Punta Arenas, Alexideral, acaba de liberar  su single “Queriéndote desde lejos”, el último adelanto antes del lanzamiento oficial de su esperado álbum debut, programado para julio de este año. El track llega en medio de otra gran noticia: la confirmación al Festival Ruido Austral de la Región de Magallanes que forma parte de la Red Nacional de Festivales Rockódromo 2026.

    A diferencia de la rítmica enérgica que caracteriza su catálogo previo, esta entrega baja las revoluciones para adentrarse en una profunda balada Pop, impulsada por sintetizadores y texturas analógicas que evocan la grandilocuencia nostálgica de canciones románticas contemporáneas como “Die With A Smile” de Lady Gaga y Bruno Mars.

    La producción musical estuvo a cargo de ICON LAB, estudio de grabación dirigido por Taffy Dönicke, reconocida en la escena chilena por su trabajo como baterista y colaboradora de íconos del Pop local como Javiera Mena y Princesa Alba.

    «Trabajar con Taffy le dio a la canción el peso pop y la atmósfera de sintetizadores exactos que buscaba. Aunque la sonoridad es coherente con mis singles pasados, el formato de balada me permitió explorar un rincón vocal y emocional completamente distinto y estoy feliz con el resultado«, comenta Alexideral.

    Un secreto guardado por 10 años

    La narrativa de “Queriéndote desde lejos” aborda con honestidad y madurez el dolor silencioso de los amores adolescentes platónicos e imposibles dentro de la comunidad LGBTQ+. Lejos del resentimiento, el relato propone una mirada resiliente: entender que, a veces, aprender a amar a alguien desde la distancia es un acto necesario de amor propio cuando la cercanía genera daño.

    El estreno audiovisual, hecho en colaboración con el realizador de Puerto NatalesJavier Castro y con el colectivo artìstico r.a.r.a. Plataforma, prescinde de una narrativa lineal con personajes para transformarse en una obra de arte abstracto. La obra se apoya en el uso de símbolos —como un cofre blanco que se va llenando de hojas de otoño, representando el desapego y el acto de soltar un secreto— y se desarrolla a través de la corporalidad. El mismo Alexideral protagoniza el clip ejecutando una coreografía al viento.

    El videoclip de “Queriéndote desde lejos” está disponible en el canal de YouTube del artista; mientras que el single se encuentra en el resto de las plataformas de streaming musical, junto a sus trabajos anteriores: “Sombras”, “Atrapado” (2024) y “Paisaje Imaginario” (2025).

  • Catalein YonGüein se envuelve en el desamor con “Duele”, single adelanto de su próximo EP

    Catalein YonGüein se envuelve en el desamor con “Duele”, single adelanto de su próximo EP

    Olviden las despedidas silenciosas y el duelo discreto. Catalein YonGüein, la drag queen del R&B chileno, está de regreso para inaugurar su temporada de lanzamientos con «Duele». Esta primera colaboración del año cuenta con la participación y la producción musical de la destacada artista y compositora copiapina Francine Francine.

    Lejos de abordar la melancolía desde un rincón oscuro y plano, «Duele» es un retrato maximalista de una sensación asfixiante: el dolor de quedarse con mucho amor adentro cuando el receptor de ese afecto ya se ha ido. La canción no busca dar respuestas rápidas, sino lanzar una pregunta punzante al aire: ¿Qué hago ahora con todo este amor que tengo para darte si tú no estás conmigo para recibirlo? 

    Para la autodenominada «ex de Chile», esta densidad emocional no la llama a empequeñecerse. Fiel a su poética del exceso, el sencillo se presenta con una propuesta visual tan literal como estrambótica: la portada muestra a Catalein tirada en el suelo tras un escandaloso atropello. Este es el dolor transformado en una puesta en escena teatral y exagerada; una metáfora de cómo el desamor te arrolla y te deja tirada, pero siempre impecable, enjoyada y con el labial intacto.

    Este lanzamiento funciona como el anzuelo perfecto para abrir las puertas de su universo sonoro a nuevos oyentes que disfrutan de las texturas pop y R&B nostálgicas, sirviendo como la antesala oficial de su esperado EP Tabaquismo.

    «Duele» llega a insertarse en la rica corriente de cantautoras melancólicas que hoy suenan en Chile, pero desmarcándose a través de la excentricidad y la performatividad como vehículos de expresión.

    Mientras la escena actual explora la intimidad desde el minimalismo, Catalein YonGüein decide inyectarle drama y juego vocal. En su interpretación se perciben esos melismas ágiles y emotivos heredados del soul y el gospel, conversando en sintonía con la sensibilidad R&B de referentes contemporáneas como Soulfia o el pop refinado de Shirel, pero añadiendo esa capa de sarcasmo y teatralidad que caracteriza su identidad artística.

    En el plano estético, el sencillo se acopla orgánicamente a la ola de maximalismo performático que ha conquistado el panorama nacional actual —visible en los estilismos y maquillajes vibrantes de figuras del circuito urbano como Kuina—. Catalein toma esa herencia visual, la pasa por su propio filtro satírico y demuestra que la música, el vestuario y la emoción desbordada son parte de una misma experiencia artística indisoluble.

  • Rayova publica su primer EP  “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor”

    Rayova publica su primer EP  “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor”

    La banda chilena Rayova presenta su primer EP “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor”, un trabajo que reúne tres canciones que exploran distintas dimensiones de la experiencia humana: el desamor, la autocrítica y la necesidad de aceptar aquello que no podemos controlar. A través de una propuesta sonora en constante movimiento, el grupo construye un universo donde la energía musical convive con la reflexión emocional.

    Rayova apuesta por una creación auténtica, honesta y en constante evolución, alejándose de lo estrictamente mainstream. Y en su nuevo EP, en cuya grabación participaron Nicolás Barruetos (guitarra), Javier Loezar (batería), Matías Guzmán (bajo) y Juan Pablo Arancibia (voz y guitarra rítmica), eso queda claro. “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor” reúne tres composiciones que funcionan como distintos capítulos de una misma búsqueda personal.

    «Lunas Llenas» abre el recorrido abordando la tristeza, la confusión y la vulnerabilidad que deja un amor no correspondido. Inspirada en el quiebre emocional y la búsqueda de respuestas, la canción propone transformar el dolor en aprendizaje. Musicalmente, combina ritmos percusivos cargados de energía con melodías vocales decididas y momentos de psicodelia inspirados en referentes como Stereolab, construyendo una atmósfera nostálgica y cinematográfica.

    Por su parte, «Control» explora la tensión entre la necesidad de planificarlo todo y la realidad impredecible de la vida. A partir de experiencias ligadas al movimiento, los viajes y la incertidumbre, la canción reflexiona sobre la lealtad, la aceptación, la madurez emocional y la importancia de disfrutar el presente. En lo musical, destaca por incorporar elementos del ska y el roots reggae, sumando grooves contagiosos, guitarras en contratiempo y pasajes psicodélicos que amplían el espectro sonoro de la banda.

    En «Una Reflexión», la banda se sumerge en un proceso de autoanálisis marcado por la nostalgia, la curiosidad y la rabia. La canción retrata una conversación interna que transcurre en escenarios íntimos y bohemios, donde el personaje revisa su pasado, cuestiona sus pensamientos y busca nuevas formas de relacionarse con el presente. Todo bajo el sonido de guitarras suaves y dinámicas que alternan momentos de calma con explosiones de intensidad emocional.

     Con “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor” Rayova inicia una nueva etapa creativa marcada por la exploración sonora, la apertura estilística y la consolidación de una identidad más definida. 

    El EP ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

  • Tomás González aterriza en la Sala Master con el lanzamiento en vivo del disco “No hay lugar”

    Tomás González aterriza en la Sala Master con el lanzamiento en vivo del disco “No hay lugar”

    El artista chileno llevará por primera vez al escenario las canciones de su recién estrenado tercer álbum de estudio. El próximo 7 de julio Tomás González se presentará en Sala Master de Radio Universidad de Chile, con un concierto que reunirá a parte de los músicos que participaron en la grabación de la obra.

    Tras el lanzamiento de su nuevo disco “No hay lugar”, el músico, compositor y multinstrumentista chileno Tomás González se prepara para presentar en vivo esta nueva producción.

    El concierto marcará el estreno escénico de las diez canciones que componen este tercer trabajo discográfico, una obra que transita entre el pop, la electrónica, la world music y la canción de autor, consolidando una propuesta artística que combina profundidad lírica, sofisticación sonora y una mirada sensible sobre la vida contemporánea.

    Disponible desde hace algunas semanas en todas las plataformas digitales, “No hay lugar” aborda la soledad urbana y la pérdida a través de un universo sonoro que cruza ritmos tradicionales, instrumentos acústicos y electrónica. Un disco atravesado por la reflexión sobre las complejas relaciones humanas y por una experiencia íntima de duelo, que logra transformar la melancolía en movimiento.

    “Es un trabajo que indaga en la soledad de un habitante de la gran ciudad y en las complejas relaciones humanas de nuestro tiempo. En un plano más íntimo, el álbum también está atravesado por el duelo tras la muerte de mis padres, convirtiéndose en una reflexión sobre la pérdida, la ausencia y la búsqueda de sentido”, explica Tomás González.

    Coproducido junto a Vicente Cuadros, el álbum encuentra un equilibrio entre la electrónica, los ritmos tradicionales y los instrumentos acústicos. Coros, bronces, cuerdas, percusiones y texturas electrónicas se entrelazan para construir una experiencia sonora profunda y vibrante, que en el escenario adquirirá una nueva dimensión.

    El lanzamiento en vivo de “No hay lugar” permitirá al público recorrer por primera vez el universo completo del disco, incluyendo canciones como “Arder”, “Este es el país”, “En esta casa”, “Hey vous!” y “Bailar”, uno de los temas centrales del álbum, que cuenta con la participación de Mariel Mariel y propone el baile como una forma de resistencia frente al desarraigo y la soledad.

    Será un concierto de gran envergadura. Una presentación única en gran formato, con un total de 15 músicos en escena, que busca reflejar fielmente las versiones originales del disco. Entre ellos se encuentran Alfredo Tauber, Javiera Anselmi e Ítalo Viveros en bronces; Ángela Acuña y Daniella Rivera en cuerdas frotadas; Marcela Millie, Mariel Villagra, Trinidad González, Felipe Lagos y Matteo Citarella en coros; Juan Pablo Villanueva en guitarra eléctrica; Jhoamy Lins en percusiones; Víctor León en batería electrónica; además de Vicente Cuadros en los sintetizadores y samplers, y el propio Tomás en guitarras y percusiones.