Antes del esperado regreso de Papanegro, la misión de encender La Cúpula quedó en manos de Bandalizaron a Chopenz.
Con una mezcla de rap, funk, improvisación y teatralidad, la agrupación presentó un espectáculo que fue mucho más que un show de apertura: fue una experiencia escénica completa, donde música y narrativa avanzaron de la mano desde el primer minuto.
Las canciones de Diez Manos para Hilar Fino, su álbum debut, guiaron un recorrido por distintos matices sonoros, dejando en evidencia una identidad construida sobre la exploración, la improvisación y un lenguaje propio que escapa de las fórmulas tradicionales.
Pero uno de los elementos más llamativos fue su puesta en escena. Inspirados en el imaginario de una mafia latinoamericana de los años ochenta, los músicos aparecieron encapuchados sobre el escenario mientras el relato de la banda comenzaba a tomar forma. A medida que avanzaba el show, el público fue testigo del particular “secuestro” de Chopenz, quien finalmente se integraba a la agrupación, dando vida al concepto que inspira el nombre y la estética del proyecto.
Entre humor, misterio, elegancia y una sólida ejecución musical, Bandalizaron a Chopenz dejó una impresión inmediata en los asistentes, demostrando que su propuesta trasciende las canciones para transformarse en una historia que también se vive sobre el escenario.
Hay discos que impresionan por lo técnico y otros que terminan quedándose contigo por la atmósfera que construyen. Lo nuevo de Port Noir logra ambas cosas.
Hace tiempo no escuchaba un disco tan elegante dentro de algo pesado. Porque sí, «The Dark We Keep» tiene riffs enormes, momentos súper potentes y una producción gigantesca, pero nunca cae en esa pesadez genérica o excesivamente cruda que muchas bandas modernas terminan repitiendo. Acá todo tiene espacio. Todo respira.
La mezcla entre guitarras, bajos, sintetizadores y voces está súper bien trabajada. Hay capas sonoras constantemente, pero jamás se siente saturado. Y eso para mí es una de las grandes virtudes del disco: logra sonar moderno sin perder humanidad.
También siento que la identidad sueca se nota muchísimo en cómo entienden la melodía y las atmósferas. Hay algo en las bandas escandinavas —y especialmente suecas— que tiene una sensibilidad distinta a la escuela más británica o estadounidense. Mientras muchas bandas de USA tienden a ir más hacia el impacto directo o la agresividad, y las británicas muchas veces se apoyan en lo experimental o lo más clásico del rock alternativo, Port Noir encuentra un equilibrio súper propio entre melancolía, sofisticación y peso emocional. Todo se siente frío en la superficie, pero emocionalmente muy vivo por dentro.
Hay canciones que se sienten literalmente como paisajes.
“Complicated” abre el disco con una tensión súper contenida. Tiene groove, peso y melodía, pero nunca explota de forma obvia. La canción avanza con una sensación constante de movimiento, como si algo estuviera creciendo lentamente debajo de todo.
“Redshift” probablemente es de las que más me atrapó. Tiene algo casi espacial. Los sintetizadores envuelven todo mientras las guitarras mantienen una base pesada pero elegante. La voz flota arriba de la instrumental de una manera súper emocional, y ahí aparece esa melancolía que Port Noir maneja tan bien sin caer en lo dramático.
Y “Noir”… probablemente uno de los mejores ejemplos de la personalidad sonora de la banda. Oscura, moderna y sofisticada. Tiene esa sensación nocturna que pocas bandas logran transmitir sin sonar pretenciosas. El riff principal pesa muchísimo, pero nunca pierde claridad ni dinámica. Todo está medido.
“Burst” tiene algo mucho más interno. Parte contenida, casi reprimida emocionalmente, y poco a poco empieza a abrirse. Me gusta mucho cómo la banda construye las dinámicas; nunca sentí que estuvieran buscando el típico momento fácil de explosión para impresionar. Todo parece responder más a emoción que a fórmula.
Y “Reverie” baja un poco las revoluciones para transformarse en uno de los momentos más atmosféricos del disco. Ahí los sintetizadores toman todavía más protagonismo y aparece esta sensación de nostalgia elegante que atraviesa gran parte del álbum.
La producción también merece mención aparte. Lo pesado suena limpio y enorme, pero jamás plástico. Hay muchísima atención en los detalles: reverbs, texturas, capas vocales, espacios. Se nota una búsqueda sonora súper consciente.
Lo que más me terminó gustando es que el disco tiene identidad. Hoy muchas bandas dentro del metal alternativo o progresivo moderno suenan técnicamente impecables, pero emocionalmente vacías. Port Noir no. Acá cada sonido parece tener intención.
Es de esos discos para escuchar completos, con audífonos, idealmente de noche. Más que una colección de canciones, se siente como un estado emocional constante.
La destacada banda chilena de metal progresivo Crisálida realizará un nuevo show el próximo 19 de junio en Mibar, en una presentación concebida como un encuentro directo con su comunidad y una instancia especialmente pensada para compartir con los asistentes, quienes han acompañado el recorrido del grupo durante los últimos años.
Más que un concierto convencional, la fecha será presentada como una verdadera junta de amigos entre la banda y su público, apostando por una experiencia cercana, relajada y distinta al formato habitual de show en vivo con un setlist variado que busca rememorar su catálogo musical.
La jornada incluirá espacios de interacción, venta de merchandising oficial, concursos, regalos y distintas dinámicas preparadas especialmente para la ocasión. La idea central de esta fecha apunta precisamente a fortalecer el vínculo directo entre Crisálida y su gran comunidad en una jornada enfocada en la conversación, la música y la cercanía.
Con una trayectoria de más de dos décadas, Crisálida se ha consolidado como una de las agrupaciones más reconocidas del progresivo chileno, destacando por una propuesta que combina metal contemporáneo, elementos latinoamericanos y una fuerte identidad conceptual. A lo largo de su carrera, la banda ha participado en importantes escenarios nacionales e internacionales, posicionándose como un referente dentro del circuito progresivo latinoamericano.
La presentación en MiBar también funcionará como antesala para los próximos anuncios y movimientos de la agrupación, en un momento especialmente activo para la banda y su entorno.
Las entradas estarán disponibles a través dePortaltickets.
El músico chileno presenta su nuevo sencillo en colaboración con su hermana menor Rcast fusionando hip hop, soul y jazz desde un lugar honesto y vulnerable.
Jota Sax acaba de lanzar Mañana será mejor, canción explora el miedo al futuro, la ansiedad y la incertidumbre que paralizan, pero también la decisión de seguir adelante aun cuando no existen respuestas claras. Musicalmente, el single fusiona hip hop, soul y jazz, combinando canto melódico con una sección de rap reflexivo. La producción, grabación y mezcla estuvo a cargo de David Vidal, y la masterización fue realizada por el reconocido ingeniero Chalo González.
La canción es especialmente significativa dentro de su carrera: fue escrita junto a su hermana menor, convirtiéndola en una pieza cargada de vivencias familiares y reflexiones compartidas. «Es una canción más íntima, que busca representar a quienes viven con la ansiedad del mañana», señala Jota Sax. Mañana será mejor llega acompañado de un visualizer producido por Fran Diazari.
Un nacimiento improvisado
El origen de la canción es tan orgánico como su mensaje. Jota Sax y cuatro amigos convirtieron una pieza de su casa en estudio de grabación durante tres días de encierro creativo, de donde nacieron ocho canciones. Mañana será mejor, fue una improvisación espontánea, registrada en una sesión de más de 30 minutos de flujo libre. Su sonido envolvente e íntimo lo convierte en compañero ideal para madrugadas, viajes nocturnos y momentos de introspección profunda.
El lanzamiento del single anticipa una agenda cargada de actividades en vivo. El próximo 13 de junio, Jota Sax realizará un listening party en una locación oculta de Santiago, con entradas limitadas disponibles a través de un link en su perfil de Instagram. Luego, el 19 de junio, ofrecerá un show privado con banda completa en otro spot secreto, seguido de una jam session.
La Fundación Cultural Rita Roux, bajo el nombre de Rita Cultura, realizará su primera muestra abierta y gratuita para la comunidad con “La erosión de lo quieto”, residencia creativa de danza contemporánea dirigida por la reconocida coreógrafa chilena Elizabeth Rodríguez, Premio Altazor y responsable de las coreografías de películas como Neruda de Pablo Larraín y Una mujer fantástica de Sebastián Lelio.
La presentación se realizará el próximo sábado 6 de junio a las 18:30 horas en los jardines de Rita Roux Café, en Vitacura, y será la primera muestra abierta al público de la programación cultural que Rita Cultura comenzó a desarrollar este 2026, consolidando el espacio como un punto de encuentro entre artes escénicas, pensamiento, bienestar, naturaleza y comunidad a través de actividades artísticas gratuitas e interdisciplinarias.
La obra es el resultado de un proceso de residencia y creación colectiva desarrollado durante las últimas semanas junto a cinco bailarines y artistas escénicos seleccionados mediante convocatoria y audiciones abiertas. El proyecto explora la relación entre permanencia e impermanencia, inspirándose en los ciclos de la naturaleza, la memoria y el movimiento de los cuerpos en el espacio.
“Existe toda una escena de creación contemporánea en danza que hoy está desarrollando propuestas profundamente interesantes, experimentales y sensibles, pero que muchas veces ocurre en circuitos de menor visibilidad. Para nosotros era importante abrir este espacio y acercar ese lenguaje a nuevos públicos desde una experiencia cercana, inmersiva y accesible”, comenta María Teresa Díaz, Directora Ejecutiva de la fundación.
“La obra propone una experiencia escénica site-specific concebida especialmente para el entorno de casa jardín de Rita Roux, transformando el espacio cotidiano en un territorio de encuentro, contemplación y diálogo entre danza, paisaje y comunidad”, agrega la coreógrafa Elizabeth Rodríguez.
La puesta en escena contará además con diseño lumínico de la destacada artista y diseñadora de iluminación Antonia Peón-Veiga, arquitecta UC y Master en Lighting Design de Parsons School of Design de Nueva York, reconocida por su trabajo en proyectos de iluminación arquitectónica, instalaciones y artes escénicas contemporáneas, además de haber sido finalista de premios internacionales como Targetti Light Art Award y LAMP Awards.
La propuesta sonora estará a cargo de Guillermo Ugalde, compositor y diseñador sonoro con trayectoria en teatro, performance y artes vivas.
Posterior a la presentación se realizará un conversatorio abierto que reunirá a los artistas, el equipo creativo y contará con la participación especial de Nuri Gutés, destacada coreógrafa y artista escénica para generar un espacio de encuentro y reflexión en torno al proceso de creación de la obra.
La actividad corresponde a la primera muestra abierta al público de la programación cultural 2026 de Rita Cultura, plataforma impulsada por la Fundación Cultural Rita Roux que durante el año lanzó residencias artísticas, talleres, conversaciones y encuentros liderados por destacadas figuras del ámbito cultural chileno. Entre ellas la actriz y ex ministra de las Culturas Paulina Urrutia, el escritor Rafael Gumucio, la psicóloga y escritora Constanza Michelson y el poeta Cristóbal Joannon, quien realizó un taller de filosofía en torno al pensamiento de Nietzsche.
COORDENADAS
Muestra: “La erosión de lo quieto” Fecha: Sábado 6 de junio Hora: 18:00 hrs Lugar: Rita Roux Café, Vitacura Entrada liberada Estacionamiento: Mall Casa Costanera
El nuevo sencillo de la banda santiaguina profundiza en la soledad, la amistad y el paso del tiempo, adelantando el espíritu reflexivo de su próximo álbum.
La Residencia Orientalpresenta “La Rima en un Dibujo”, el segundo single de su próximo trabajo discográfico. Con una sonoridad rock suave y una atmósfera íntima, la canción propone una experiencia introspectiva donde la melodía funciona como puente entre la sensibilidad de la letra y las emociones del oyente.
“La Rima en un Dibujo” nace como una reflexión nocturna sobre distintos aspectos de la experiencia humana: la soledad, las relaciones personales, la amistad y la fugacidad de la vida. La canción retrata a un narrador que escribe en soledad, iluminado únicamente por la luz de una vela que simboliza el tiempo que inevitablemente se consume. En ese escenario, las ideas se transforman en una carta sin destinatario definido, abierta a la interpretación y apropiación emocional de quien escucha.
El sencillo apuesta por una instrumentación delicada y envolvente, construida sobre la armonía entre guitarras y piano, acompañada de un tono melancólico que busca transmitir calma y contemplación. Inspirada en las facetas más relajadas de bandas y artistas fundamentales del rock latino como Divididos, Luis Alberto Spinetta y la etapa solista de Gustavo Cerati, la canción reafirma la búsqueda sonora y emocional de la banda.
Escucha “La Rima en un Dibujo” en tu plataforma preferida y sigue a la banda en sus redes sociales.
Tras su última visita en 2017, la artista argentina regresa a Santiago en formato dúo para presentar las canciones de su más reciente trabajo “Atalaya Avalancha».
Marina Fages es una artista visual, compositora, multiintrumentista y cantante nacida en Buenos Aires, Argentina que vivió su infancia en Tierra del Fuego, un paisaje que sin duda la influenció en sus creaciones tanto plásticas como sonoras. Su debut se dio en 2013 con el álbum «Madera Metal», luego vinieron otras entregas destacadas como «Dibujo de Rayo» (2015) , «Epica & Fantástica» (2019) y varios discos más que fueron agregando matices a su propuesta musical. En marzo pasado, la artista lanzó su más reciente LP «Atalaya Avalancha», trabajo que la traerá de regreso a Chile.
En «Atalaya Avalancha», Marina Fages se sumerge en una mixtura sonora que abarca en partes iguales la explosividad del hardcore y el punk, matizando con perspectivas sonoras y líricas propias del indie. Consigue en esta etapa una identidad musical distintiva, sin dejar de lado los vínculos con el camino recorrido en trabajos anteriores como “El Mundo Pequeño” (2023) y “Mi Corazón en Llamas” (2025).
La compositora argentina llegará a Santiago con un formato especial, y luego de una extensa gira promocional de su último disco, que la llevó a visitar más de 20 ciudades europeas durante las últimas semanas. El regreso de Marina Fages a tierras chilenas se llevará a cabo el próximo sábado 04 de julio en Sala Plectrum, ubicada a pasos de Metro Irarrázaval. Las entradas se encuentran en fase de preventa a través de Portaltickets.
Marina Fages en Santiago de Chile Lugar: Sala Plectrum, Padre Orellana #1265, Metro Irarrázaval Fecha: Sábado 04 de julio Hora: 19:00 hrs. Prev: $6000 / Gral: $8000 https://portaldisc.com/evento/marinafagesstgo2026
A las 21:05 hrs apareció Papanegro. Sin intro, sin preámbulos, sin avisos. Solo ellos.
La banda subió completa al escenario y, en cuestión de segundos, comenzó la fiesta con “Wokman”, uno de los himnos más grandes de su catálogo. La respuesta fue inmediata: una Cúpula repleta saltando, bailando y gritando “¡Papanegro!” como si esos nueve años de ausencia nunca hubiesen existido.
Y eso era apenas el comienzo.
Tras el primer golpe de energía apareció el inconfundible Lalo Ibeas, desatando la euforia total y dando inicio a una noche marcada por una impresionante seguidilla de invitados que celebraron la historia y legado de la banda. Sobre el escenario desfilaron nombres fundamentales de la escena chilena, entre ellos Masquemusica, los Hermanos Ilabaca y uno de los momentos más emotivos de la jornada: la aparición de Gabriel Noé, guitarrista fundador de Papanegro, recibido con una ovación que estremeció el recinto.
Entre funk, groove, amistad y canciones que definieron buena parte de los años 2000, el regreso de Papanegro fue mucho más que un concierto. Fue un reencuentro cargado de emoción, nostalgia y energía colectiva.
El dúo chileno continúa la promoción de su más reciente EP con una pieza audiovisual que profundiza en el concepto de transformación irreversible.
Tras el lanzamiento de su EP Kintsugi Vol. 1, Magnánima presenta el videoclip de “Henko”, una de las piezas más conceptuales del proyecto, reafirmando la identidad artística que han venido consolidando en la escena del rap.
“Henko”, cuyo significado remite a un cambio profundo e irreversible, se posiciona como uno de los ejes emocionales del EP. A través de este nuevo videoclip, el dúo busca expandir el mensaje de la canción, invitando a la reflexión sobre los procesos de transformación interna y la inevitabilidad del cambio, destacando la importancia de enfrentarlos con valentía y apertura.
Magnánima, conformado por Magnánima y DJ Ne-on, inició su recorrido a finales de 2023 y dio su primer paso en la escena profesional con Ritmos Urbanos (2024). Desde entonces, han desarrollado una propuesta que combina lírica introspectiva y una estética coherente con sus discursos.
