En el SWU 2011 de Brasil, el músico y productor chileno compartió escenario con Chris Cornell para interpretar canciones de Temple of the Dog y “Endless Eyes”, en uno de los encuentros más especiales de su extensa historia musical.
En noviembre de 2011, Alain Johannes protagonizó junto a Chris Cornell uno de esos momentos que quedan registrados para siempre en la memoria del rock. En el escenario del festival SWU, realizado en Paulínia, Brasil, Cornell invitó al músico chileno a acompañarlo durante su presentación, transformando su show acústico en un encuentro que conectaba varias etapas de sus respectivas carreras.
La colaboración comenzó con “Wooden Jesus”, canción de Temple of the Dog. Luego, en un gesto particularmente significativo, Cornell invitó a Johannes a interpretar “Endless Eyes”, canción perteneciente al repertorio solista del músico chileno. Johannes tomó el escenario para interpretar el tema, y seguir con Cornell para cerrar el segmento con “Hunger Strike”, otro clásico de Temple of the Dog. El registro del concierto confirma las tres intervenciones de Johannes dentro del set de Cornell.
Pero aquel encuentro no era fruto de una colaboración circunstancial. La historia entre ambos músicos se remontaba a comienzos de los años 90 y se había profundizado especialmente a través del trabajo de Johannes junto a Natasha Shneider, su compañera musical en Eleven. Ambos fueron piezas fundamentales en el desarrollo del primer álbum solista de Cornell, Euphoria Morning, publicado en 1999.
Años después, esa relación profesional y personal volvió a hacerse visible sobre un escenario sudamericano. Tras el SWU, Cornell y Johannes también compartieron presentación en Maquinaria 2011, en Santiago de Chile, donde interpretaron juntos “Wooden Jesus” y “Hunger Strike”.
Aquel día, frente a la multitud del SWU, Alain Johannes no fue solamente el músico que acompañó a una de las voces más importantes del rock de Seattle. Fue, por unos minutos, el compañero de escenario de Chris Cornell y el protagonista de una historia musical que ambos habían construido durante veinte años.
Trinidad & Tabaco se ha consolidado como una de las propuestas más inquietas del rock nacional. Su música transita con naturalidad entre el rock progresivo, el jazz, el post hardcore, el metal, la psicodelia y diversas influencias latinas, construyendo composiciones que cambian constantemente de forma sin perder cohesión. Lejos de seguir tendencias, la banda apuesta por la exploración sonora y conceptual, retomando el espíritu del progresivo desde una sensibilidad contemporánea y profundamente colectiva.
Como primer adelanto de esta nueva etapa, Trinidad & Tabaco presentó «Aka Manah», un sencillo que contó con la participación del guitarrista Andrés Garib y que expandió el universo narrativo del proyecto. Inspirada en la figura zoroástrica asociada a la «Mente Malvada», la canción reflexiona sobre los pensamientos oscuros, la corrupción de la voluntad y las fuerzas que desvían a las personas de la verdad, reafirmando el interés de la banda por desarrollar obras donde la música y el concepto avanzan en paralelo.
Ahora, este mes de julio, la agrupación presenta «Carmesí», una nueva entrega de su serie de live sessions, un formato que pone en primer plano la intensidad y libertad de su ejecución en vivo. Más que reinterpretar una grabación de estudio, la sesión revela la esencia de una banda que encuentra en el escenario el espacio ideal para llevar sus composiciones a otro nivel.
En «Carmesí», Trinidad & Tabaco continúa ampliando su imaginario creativo al establecer un diálogo entre referencias tan diversas como el reggaetón —entendido como símbolo de la modernidad y el baile colectivo—, la música tradicional judía y La consagración de la primavera de Igor Stravinsky. El resultado es una pieza donde el ritual, el movimiento y la transformación se convierten en el eje de una experiencia sonora que desdibuja los límites entre géneros y desafía los formatos convencionales.
Con esta nueva live session, Trinidad & Tabaco reafirma su compromiso con la experimentación y consolida una propuesta artística donde el rock progresivo, la psicodelia, el metal y las raíces latinas convergen en un lenguaje propio, demostrando que su música está en constante evolución.
Santiago de Chile, 2026 — La banda chilena Reina Luisa regresa con “El futuro NO”, un nuevo single que marca el inicio de una etapa sonora más cercana al indie pop latinoamericano, sin abandonar la sensibilidad melódica y la nostalgia que han caracterizado su propuesta desde sus inicios.
La canción retrata el monólogo de una persona joven hacia un ser querido de mayor edad. A través de una letra íntima y honesta, “El futuro NO” habla sobre la incertidumbre frente al futuro de ambos y la aceptación de aquello que inevitablemente escapa de nuestro control. Más que ofrecer respuestas, la canción encuentra belleza en compartir las preguntas.
Reina Luisa apuesta por un sonido más directo y enérgico, construido sobre una potente batería acústica, guitarras de gran identidad y una producción que acerca a la banda a una nueva etapa creativa. El resultado es una canción que equilibra intensidad y emoción, reafirmando la evolución del grupo sin perder su esencia.
Con este lanzamiento, la banda de Osorno continúa consolidando un camino que la ha llevado a compartir escenario con artistas nacionales e internacionales, mientras proyecta una nueva etapa enfocada en expandir su propuesta dentro del circuito del indie latinoamericano. “El futuro NO”representa un nuevo comienzo para Reina Luisa: una canción que mira hacia adelante con honestidad, entendiendo que, muchas veces, el mayor acto de valentía es aprender a abrazar la incertidumbre.
La primera edición de Rap Patán congregó a distintas voces y estilos del rap independiente en una fecha marcada por el compañerismo, la autogestión y el cruce generacional.
El pasado domingo se realizó la primera edición de Rap Patán, una jornada que reunió bajo un mismo techo a distintas generaciones y formas de entender el rap chileno. La instancia, impulsada por el productor Enzo Patan junto a Akai Noroi, Rapeopordeporte y Zowe, integrantes de Patán Records, contó además con la participación de El Nadie, Flakodiablo y Bandalizaron a Chopenz, configurando un cartel diverso dentro de la escena independiente.
Rap Patán propuso un espacio de encuentro entre artistas, públicos y distintas vertientes de la cultura rap. La jornada estuvo atravesada por el compañerismo y la autogestión, elementos fundamentales para sostener una escena que continúa generando sus propios espacios y circuitos.
El punto culminante de la noche estuvo a cargo de Bandalizaron a Chopenz, proyecto que llevó al escenario una propuesta que desborda las fronteras del rap al incorporar elementos de rock, jazz, funk y trova. Su presentación cerró una jornada que puso en evidencia la diversidad de lenguajes que conviven actualmente en el rap chileno.
Con esta primera edición, Rap Patán se instala como una iniciativa que busca conectar generaciones, estilos y experiencias, reivindicando el encuentro presencial y la autogestión como motores de una escena que sigue creciendo desde sus propios territorios.
Luego de presentar «WHY?» y conectar con su audiencia tanto en plataformas digitales como en sus recientes shows en vivo, SOF abre un nuevo capítulo creativo con el lanzamiento de «ALONE», un single que expande su identidad artística.
Autoproducida por la propia artista, «ALONE» fusiona el dark pop con el soft drum & bass donde muestra la sensación de sentirse perseguida por una presencia que nunca termina de revelarse. La canción versa sobre la paranoia y el aislamiento, donde los pensamientos se vuelven insoportable volviéndose un amenaza para uno mismo
Aunque musicalmente se relaciona con su anterior single «WHY?» —compartiendo parte de su lenguaje armónico y la influencia del drum & bass—, el nuevo sencillo representa una evolución significativa en el imaginario de SOF, donde expone una faceta mucho más introspectiva, poniendo en el centro la fragilidad emocional y la sensación de enfrentarse a uno mismo.
«ALONE» no solo representa un nuevo sencillo, sino también una declaración de intenciones sobre el rumbo creativo de SOF. La artista ya trabaja en nuevas canciones y colaboraciones junto a exponentes de la escena independiente, dando forma a una era donde la sensibilidad pop se encuentra con una identidad visual y sonora cada vez más oscura y personal.
Con este lanzamiento, SOF reafirma una propuesta que continúa evolucionando sin perder coherencia, apostando por una narrativa musical que explora las contradicciones y la vulnerabilidad desde una perspectiva contemporánea.
Lanzado el 17 de agosto de 1999, el quinto álbum de Los Tres fue el último registro de estudio de la formación clásica antes de su quiebre. Más de dos décadas después, el regreso del cuarteto en 2024 y un nuevo álbum en 2026 abrieron un nuevo capítulo en la historia de la banda.
El 17 de agosto de 1999, Los Tres presentó «La Sangre en el Cuerpo», su quinto álbum de estudio y una obra que terminaría adquiriendo un significado especial dentro de la historia del rock chileno. Grabado por Álvaro Henríquez, Roberto “Titae” Lindl, Ángel Parra y Pancho Molina, el disco sería el último registro de aquella formación antes de su quiebre.
A 27 años de su lanzamiento, «La Sangre en el Cuerpo» no solo permanece como una pieza fundamental de la discografía de Los Tres, sino también como el cierre de la primera gran etapa de una de las bandas más influyentes de la música popular chilena.
El recorrido comienza con «Lo que Quieres», canción que instala desde sus primeros acordes la intensidad y personalidad que atraviesan el álbum. La voz de Álvaro Henríquez conduce un repertorio donde el rock convive nuevamente con las raíces folclóricas y la tradición popular que Los Tres habían convertido en parte esencial de su identidad.
En sus canciones aparecen la intensidad emocional, la ironía, la melancolía y la particular mirada lírica que caracterizaron al grupo durante los años 90. La interacción entre Henríquez, Lindl, Parra y Molina termina de configurar el sonido de un cuarteto que, para entonces, ya había dejado una huella profunda en el rock chileno.
Sin embargo, el contexto también forma parte de la historia de este álbum. «La Sangre en el Cuerpo» sería la última producción que los cuatro integrantes originales grabarían juntos antes de la separación de Los Tres. Durante los años siguientes, el disco quedó como el último testimonio de aquella formación clásica y como el cierre discográfico de una etapa fundamental para la banda.
La historia, sin embargo, no terminaría allí.
En 2024, Los Tres sorprendió con el regreso de Álvaro Henríquez, “Titae” Lindl, Ángel Parra y Pancho Molina, reuniendo nuevamente a la formación clásica después de más de dos décadas. El reencuentro devolvió al escenario una de las alineaciones más importantes de la música chilena y permitió que nuevas generaciones se acercaran al legado construido durante los años 90.
Y en 2026, la historia sumó un nuevo capítulo discográfico con el lanzamiento de «XCLNT» , poniendo fin a un prolongado período sin nuevo material de esta formación reunida.
Deshielo es una de las canciones más líricas y melódicas de La vida en la tierra, el nuevo disco de La Portuaria. Escrita por Diego Frenkel junto a Sebastián Schachtel, despliega un entramado de climas, texturas y paisajes internos y tangibles, donde sonido y palabra dialogan para crear imágenes que recorren la intimidad, la naturaleza, las geografías del mundo y todo lo vivo.
Como nuevo corte de difusión de La vida en la tierra, la canción llega acompañada por un videoclip dirigido por Daniel Bohm, amigo y colaborador histórico de la banda, responsable también de los recordados videos A través de tus ojos, Selva, Devorador de corazones, Hoy no le temo a la muerte y Amanece en la ciudad.
Con una apuesta estética contemporánea, Bohm eligió filmar íntegramente en formato vertical, no sólo por su circulación natural en redes sociales, sino porque entiende ese lenguaje como una forma más cercana e íntima de mirar. La propuesta visual, de carácter monocromático, dialoga con el clima introspectivo de la canción.
La dinámica del arte en el mundo virtual encuentra su equilibrio con el anuncio de la llegada de La vida en la tierra en formato vinilo. El LP estará disponible a partir del 24 de Agosto, enalteciendo el valor del objeto tangible, del arte de tapa y la textura única del sonido analógico.
Además, el próximo 3 de septiembre, la banda regresará a La Trastienda para presentar en vivo las canciones que conforman este nuevo material, junto a un recorrido por los clásicos que marcaron su historia. El repertorio recorrerá nuevas composiciones como Deshielo, El Animal Humano y Amor Artificial, junto a clásicos como El bar de la calle Rodney, 10.000 kilómetros, Selva, Hoy no le temo a la muerte, A través de tus ojos y Perfidia.
Jueves 3 de Septiembre La Portuaria en La Trastienda: show para celebrar la actualidad de una de las bandas fundamentales del rock argentino.
A más de una década del lanzamiento de su primer álbum ‘Chaleco’, la compositora chilena presenta una canción coproducida junto a Merci (Martín Pérez Roa), donde tambores, sintetizadores, piano y cuerdas construyen un pop bailable que nos invita a un paisaje luminoso en tiempos de oscuridad. El sencillo es la puerta de entrada a un nuevo LP de inspiración cinematográfica y ciencia ficción que recorre cronológicamente una historia de amor.
Como quien descubre que puede correr por el aire, AirelavaleriAvuelve con una canción que transforma el enamoramiento en una experiencia física y luminosa. «Fulgor» es el primer adelanto de ‘Astronautas’, nuevo álbum de larga duración que llegará después de 15 años del estreno de su aplaudido debut discográfico, ‘Chaleco’ (2011), y donde la ciencia ficción y el pop experimental convergen para contar, de principio a fin, una buena historia de amor.
Ubicada justo en el centro de ‘Astronautas’, «Fulgor» representa el punto de mayor intensidad energética dentro del relato cronológico que construye el disco. Con guiños a «Pasajera en trance», de Charly García, la canción retrata el tránsito desde el vértigo del enamoramiento hacia un amor más real, proponiendo ese viaje como una metáfora de la energía vital y del enamoramiento por la vida misma.
«Con el tiempo me di cuenta que, si tuviera que reducir ‘Fulgor’ a su esencia, diría que se trata de la energía vital, de lo que nos aterriza y nos eleva; que nos hace querer estar acá, en la vida y en nuestro cuerpo con goce. El amor de pareja es una de las formas en que esa energía se manifiesta, pero hay muchas otras. Para mí, ‘Fulgor’ terminó convirtiéndose en el enamoramiento con la vida misma siendo habitantes de este planeta», profundiza AirelavaleriA.
La imagen de «correr por el aire», que aparece en el coro de «Fulgor», sintetiza una de las ideas centrales de la canción: esa sensación de que el amor altera la gravedad, vuelve el cuerpo más liviano y transforma la forma de habitar y ver el mundo. Inspirada, entre otras cosas, en algunas escenas de la película ‘El Tigre y el Dragón’,AirelavaleriAconvierte esa experiencia en uno de los principales ejes estéticos del nuevo sencillo, trasladando esa tensión entre peso y elevación a cada una de las decisiones musicales.
«Musicalmente era importante para mí que los tambores dieran una sensación de gravedad, con un poco de reverb para que pareciera un espacio grande, casi exterior, donde está pasando algo medio épico. Pero, al mismo tiempo, quería que todo se sintiera íntimo, y creo que los sintetizadores del comienzo, que están hechos a partir de la voz, le dan una dulzura como íntima. Las cuerdas, en cambio, me dan la sensación de volar, y así se genera esa tensión entre aire y tierra, elevación y peso, romanticismo y sensualidad. Incluso la melodía de la voz se mueve como dice la letra: se prepara, salta, corre y cae liviana«, explica la compositora.
La puerta de entrada a ‘Astronautas’ es también el umbral a un universo de ciencia ficción construido más allá de la música. Pensado como una película sonora, el disco será acompañado por una serie de reels audiovisuales dirigidos por Luz Andrea Sierra que funcionan como pequeños teasers de ese relato que se cuenta de principio a fin en el LP. Las piezas serán publicadas a través de las redes sociales de AirelavaleriA, invitando al público a recorrer una historia imaginaria completa.
Pero ‘Astronautas’ no llegará solo. Lejos de las estrategias de lanzamiento que hoy dominan el quehacer musical, AirelavaleriA apuesta por desarrollar un proyecto guiado por sus propias necesidades y búsquedas creativas. Por su propio impulso. Así, el mismo día del estreno de ‘Astronautas’, también verá la luz ‘Casita de Arena’, un disco definido por la artista como «brutal en su crudeza».
«Astronautas y Casita de Arena son como dos realidades paralelas. Uno cuenta la historia de un buen amor y el otro, la de una tragedia. Me gusta imaginar que el personaje de Casita de Arena sueña con el mundo de Astronautas, mientras que el de Astronautas está leyendo un libro donde ocurre la historia de Casita de Arena. Creo que Casita de Arena comienza entendiéndose como una historia amorosa que terminó mal y se va revelando que es algo más fuerte y difícil de nombrar«, relata la artista, cuyo nombre también contiene una dualidad de opuestos, al ser una palabra palíndromo.
Tanto con «Fulgor»como con sus próximos estrenos, AirelavaleriA reivindica los tiempos de cada canción y los pone por sobre los tiempos de la industria, como una declaración de principios de una artista que pocas veces ha dejado de crear y que construye su camino a su propio ritmo, muchas veces alejada de los focos. Un regreso que devuelve a la música chilena una de sus voces más singulares y sensibles, y que tendrá su punto más alto a principios de octubre, con el estreno simultáneo de los dos álbumes de larga duración.
Con influencias del rock británico, el proyecto nacional nos adelanta su álbum debut a través de una nueva entrega que apuesta por la reflexión y por un mensaje de crecimiento personal.
Niel Raion es el nombre artístico de Paolo Daniel Navarrete Albornoz, músico y compositor chileno que se inició en la música a los 14 años, cantando y componiendo en una iglesia. Tras varios años alejado de la composición, retomó esta actividad en 2014, motivado por el nacimiento de su primera hija. Desde entonces, ha creado canciones inspiradas en sus experiencias personales y su entorno, con influencias del hip-hop, pop y rock clásico y alternativo. Todo esto converge en su disco debut, cuyo sexto adelanto es su reciente sencillo “Sanar”.
Con melancólicos acordes de piano inicia “Sanar”, una balada folk íntima y reflexiva que aborda la reconstrucción emocional y el proceso de encontrar luz en momentos de pausa e incertidumbre. “Sanar para confiar”, canta Niel en el coro de este sencillo, cuyos arreglos y carácter evocan el tono nostálgico de Coldplay, particularmente de su canción “What If”.
En palabras del propio artista, “Sanar” busca “encontrar respuestas para el presente, cambiar formas de pensar y actuar, soltar y alejarse de personas que no aportan al nuevo espíritu que quiero construir”. Un mensaje que conecta con la audiencia a través de una atmósfera sonora donde destaca una fusión impecable y sólida de piano y guitarra. “Sanar es vencer miedos y atreverse a hacer lo que amas con todas tus fuerzas. Es confiar en la vida para amar más y de otra forma a quienes están cerca de nosotros”, agrega el músico.
Junto con su estreno en plataformas, también se liberó el video oficial de “Sanar”, grabado en El Canelo, Algarrobo, por Humana Alquimia Audiovisual, productora de Paolo Navarrete y Lidia Dapueto. El clip recorre bosques y paisajes del balneario costero, destacando imágenes del océano y sus playas. “Tengo una conexión profunda con el mar. Frente a su inmensidad me siento libre, parte de algo mucho más grande que yo, pero también desafiado a permanecer atento a lo que sucede segundo a segundo”, comenta Niel.
La realización del videoclip estuvo marcada por una búsqueda de mayor libertad creativa. A diferencia de sus trabajos anteriores, Niel Raion asumió directamente el registro audiovisual, lo que le permitió explorar el entorno de manera espontánea y construir nuevas imágenes frente al mar. “En esta producción decidí confiar más que nunca en mi instinto. Tener la libertad y el tiempo para observar, esperar y dejar que la cámara siguiera aquello que quería contar fue parte del proceso de aprender a escucharme, soltar el control y dejarme guiar por lo que nace desde dentro”, explica el artista.
«Sanar» fue grabada por Niel Raion y por el productor musical Gerson Linco, quien también estuvo a cargo de la mezcla y masterización. En la canción además colabora Tomás Olguín en guitarras acústicas y eléctricas.
El single, ya disponible en plataformas digitales, corresponde al sexto adelanto del disco debut de Niel, el cual llevará por nombre «Destellos de Libertad». Cabe destacar que este es un trabajo que el artista está llevando a cabo a sus 47 años de edad, momento de su vida en que ha decidido ir detrás de sus sueños que anteriormente fueron postergados por diferentes circunstancias. Esto además es una invitación para todos aquellos que están en una situación similar, aún con sueños por cumplir. Nunca es tarde para lanzarse a la aventura musical.
La cantante y compositora mexicana presenta el primer adelanto de su próximo EP, una canción que transforma tristeza y rabia en movimiento desde su concepto de Folclor Revolucionario.
Andrea Bayardo estrena “Explota”, una cumbia contemporánea nacida de una experiencia profundamente personal y construida alrededor de aquellas emociones que, cuando no encuentran espacio para ser reconocidas, pueden terminar desbordándose.
El sencillo parte de un periodo marcado por la tristeza, la pérdida de sentido y una rabia que comenzó a afectar tanto el estado de ánimo de Andrea como sus relaciones personales. Frente a esas emociones, la composición apareció como una forma de canalizarlas, comprenderlas y darles un lugar.
En “Explota” surge la figura de una “fiera interior”, representación de los pensamientos intrusivos y de esa voz interna que insiste en hacernos creer que no somos capaces o suficientes. En lugar de combatirla, Andrea propone reconocerla e integrarla.
“No hay que rechazarla, no hay que luchar contra ella; hay que integrarla, hacerle cariñitos y dejarla tener su espacio, para que no nos invada ni se apropie de nuestras vidas”.
La canción convierte esa conversación interna en movimiento. La energía de la cumbia contrasta con una letra que aborda emociones complejas, llevando una experiencia difícil hacia un terreno rítmico, expresivo y liberador.
“Explota” continúa desarrollando el concepto que Andrea define como Folclor Revolucionario, una propuesta de raíz mexicana que dialoga libremente con sonidos de distintas partes del mundo. Su identidad musical se nutre de géneros como la cumbia, el huapango y el mariachi, al mismo tiempo que incorpora influencias de América del Sur, África y el mundo árabe, acercamientos que se fortalecieron durante los años que vivió en España.
El sencillo es además el primer adelanto de un próximo EP, en el que Andrea Bayardo continuará explorando el encuentro entre distintos géneros, elementos de teatralidad y letras construidas a partir de experiencias y emociones personales.
“Explota” está disponible en plataformas digitales.
