La banda chilena presenta su álbum debut con un sonido Old School, Callejero y visceral, inspirado en el espíritu del metal y el hard rock de los años 80.
Formada en 2024, Astrofire nace con una premisa clara: recuperar las raíces más crudas, directas y viscerales del metal y el rock pesado. Tras años de composición, trabajo y búsqueda de una identidad propia, la banda presenta Time for Thrill, su primer larga duración.
Astrofire define su propuesta como Hard Metal, una combinación de Groove Metal y Thrash Metal con elementos del Hard Rock metalizado de la vieja escuela, tomando como referencia la energía y actitud del sonido de los años 80. Con letras en inglés, guitarras cargadas de distorsión, con bellos pasajes de armonías y riffs, una voz ronca, sólida y con testosterona, y una marcada actitud rockera, el grupo construye una propuesta que mira hacia el pasado desde una identidad propia.
Uno de los principales sellos de Time for Thrill es su sonido Old School y orgánico. La banda se distancia deliberadamente de las producciones excesivamente procesadas y de las tendencias sonoras contemporáneas para apostar por una estética honesta, cruda y real, donde la fuerza de las interpretaciones tenga un rol central. El mixing y mastering estuvo a cargo de Leo Gollerino, quien contribuyó a consolidar la personalidad sonora del álbum.
El debut tendrá su presentación oficial en vivo el 3 de septiembre en Crearock, en un show donde Astrofire llevará por primera vez Time for Thrill al escenario, además de compartir escenario junto a Clavijeros, ImaginaryFriends y Sicoide.
Mermelada de Pepino presenta “Nube Mental”, un nuevo sencillo de post punk que transforma la ausencia, la nostalgia y la dependencia en una atmósfera tan envolvente como incómoda.
Lejos de romantizar el dolor o las adicciones, “Nube Mental” busca expresar cómo la ausencia puede alterar la percepción de la realidad y convertirse en un espacio donde conviven el recuerdo, la ansiedad y el deseo de volver a sentir aquello que alguna vez pareció indispensable.
Entre guitarras gruncheras yuna interpretación vocal cargada de melancolía, Mermelada de Pepino construye una canción que se mueve entre la oscuridad y la introspección.
Más que hablar directamente de la pérdida, “Nube Mental” explora lo que sucede cuando la ausencia comienza a modificar nuestra percepción de la realidad. Puede tratarse de una persona, una sensación o incluso de aquello que utilizábamos para escapar por un momento de nosotros mismos. El vacío termina convirtiéndose en un lugar conocido: incómodo, pero difícil de abandonar.
Sin romantizar el dolor ni la dependencia, el sencillo encuentra belleza en ese caos emocional y lo convierte en sonido. Mermelada de Pepino se apoya en el lenguaje del post punk contemporáneo y el rock alternativo para construir una identidad donde la oscuridad también puede ser bailable, hipnótica y profundamente humana.
“Nube Mental” ya está disponible en todo el mundo.
Santiago de Chile, 2026 — La banda chilena Reina Luisa regresa con “El futuro NO”, un nuevo single que marca el inicio de una etapa sonora más cercana al indie pop latinoamericano, sin abandonar la sensibilidad melódica y la nostalgia que han caracterizado su propuesta desde sus inicios.
La canción retrata el monólogo de una persona joven hacia un ser querido de mayor edad. A través de una letra íntima y honesta, “El futuro NO” habla sobre la incertidumbre frente al futuro de ambos y la aceptación de aquello que inevitablemente escapa de nuestro control. Más que ofrecer respuestas, la canción encuentra belleza en compartir las preguntas.
Reina Luisa apuesta por un sonido más directo y enérgico, construido sobre una potente batería acústica, guitarras de gran identidad y una producción que acerca a la banda a una nueva etapa creativa. El resultado es una canción que equilibra intensidad y emoción, reafirmando la evolución del grupo sin perder su esencia.
Con este lanzamiento, la banda de Osorno continúa consolidando un camino que la ha llevado a compartir escenario con artistas nacionales e internacionales, mientras proyecta una nueva etapa enfocada en expandir su propuesta dentro del circuito del indie latinoamericano. “El futuro NO”representa un nuevo comienzo para Reina Luisa: una canción que mira hacia adelante con honestidad, entendiendo que, muchas veces, el mayor acto de valentía es aprender a abrazar la incertidumbre.
La primera edición de Rap Patán congregó a distintas voces y estilos del rap independiente en una fecha marcada por el compañerismo, la autogestión y el cruce generacional.
El pasado domingo se realizó la primera edición de Rap Patán, una jornada que reunió bajo un mismo techo a distintas generaciones y formas de entender el rap chileno. La instancia, impulsada por el productor Enzo Patan junto a Akai Noroi, Rapeopordeporte y Zowe, integrantes de Patán Records, contó además con la participación de El Nadie, Flakodiablo y Bandalizaron a Chopenz, configurando un cartel diverso dentro de la escena independiente.
Rap Patán propuso un espacio de encuentro entre artistas, públicos y distintas vertientes de la cultura rap. La jornada estuvo atravesada por el compañerismo y la autogestión, elementos fundamentales para sostener una escena que continúa generando sus propios espacios y circuitos.
El punto culminante de la noche estuvo a cargo de Bandalizaron a Chopenz, proyecto que llevó al escenario una propuesta que desborda las fronteras del rap al incorporar elementos de rock, jazz, funk y trova. Su presentación cerró una jornada que puso en evidencia la diversidad de lenguajes que conviven actualmente en el rap chileno.
Con esta primera edición, Rap Patán se instala como una iniciativa que busca conectar generaciones, estilos y experiencias, reivindicando el encuentro presencial y la autogestión como motores de una escena que sigue creciendo desde sus propios territorios.
Luego de presentar «WHY?» y conectar con su audiencia tanto en plataformas digitales como en sus recientes shows en vivo, SOF abre un nuevo capítulo creativo con el lanzamiento de «ALONE», un single que expande su identidad artística.
Autoproducida por la propia artista, «ALONE» fusiona el dark pop con el soft drum & bass donde muestra la sensación de sentirse perseguida por una presencia que nunca termina de revelarse. La canción versa sobre la paranoia y el aislamiento, donde los pensamientos se vuelven insoportable volviéndose un amenaza para uno mismo
Aunque musicalmente se relaciona con su anterior single «WHY?» —compartiendo parte de su lenguaje armónico y la influencia del drum & bass—, el nuevo sencillo representa una evolución significativa en el imaginario de SOF, donde expone una faceta mucho más introspectiva, poniendo en el centro la fragilidad emocional y la sensación de enfrentarse a uno mismo.
«ALONE» no solo representa un nuevo sencillo, sino también una declaración de intenciones sobre el rumbo creativo de SOF. La artista ya trabaja en nuevas canciones y colaboraciones junto a exponentes de la escena independiente, dando forma a una era donde la sensibilidad pop se encuentra con una identidad visual y sonora cada vez más oscura y personal.
Con este lanzamiento, SOF reafirma una propuesta que continúa evolucionando sin perder coherencia, apostando por una narrativa musical que explora las contradicciones y la vulnerabilidad desde una perspectiva contemporánea.
A más de una década del lanzamiento de su primer álbum ‘Chaleco’, la compositora chilena presenta una canción coproducida junto a Merci (Martín Pérez Roa), donde tambores, sintetizadores, piano y cuerdas construyen un pop bailable que nos invita a un paisaje luminoso en tiempos de oscuridad. El sencillo es la puerta de entrada a un nuevo LP de inspiración cinematográfica y ciencia ficción que recorre cronológicamente una historia de amor.
Como quien descubre que puede correr por el aire, AirelavaleriAvuelve con una canción que transforma el enamoramiento en una experiencia física y luminosa. «Fulgor» es el primer adelanto de ‘Astronautas’, nuevo álbum de larga duración que llegará después de 15 años del estreno de su aplaudido debut discográfico, ‘Chaleco’ (2011), y donde la ciencia ficción y el pop experimental convergen para contar, de principio a fin, una buena historia de amor.
Ubicada justo en el centro de ‘Astronautas’, «Fulgor» representa el punto de mayor intensidad energética dentro del relato cronológico que construye el disco. Con guiños a «Pasajera en trance», de Charly García, la canción retrata el tránsito desde el vértigo del enamoramiento hacia un amor más real, proponiendo ese viaje como una metáfora de la energía vital y del enamoramiento por la vida misma.
«Con el tiempo me di cuenta que, si tuviera que reducir ‘Fulgor’ a su esencia, diría que se trata de la energía vital, de lo que nos aterriza y nos eleva; que nos hace querer estar acá, en la vida y en nuestro cuerpo con goce. El amor de pareja es una de las formas en que esa energía se manifiesta, pero hay muchas otras. Para mí, ‘Fulgor’ terminó convirtiéndose en el enamoramiento con la vida misma siendo habitantes de este planeta», profundiza AirelavaleriA.
La imagen de «correr por el aire», que aparece en el coro de «Fulgor», sintetiza una de las ideas centrales de la canción: esa sensación de que el amor altera la gravedad, vuelve el cuerpo más liviano y transforma la forma de habitar y ver el mundo. Inspirada, entre otras cosas, en algunas escenas de la película ‘El Tigre y el Dragón’,AirelavaleriAconvierte esa experiencia en uno de los principales ejes estéticos del nuevo sencillo, trasladando esa tensión entre peso y elevación a cada una de las decisiones musicales.
«Musicalmente era importante para mí que los tambores dieran una sensación de gravedad, con un poco de reverb para que pareciera un espacio grande, casi exterior, donde está pasando algo medio épico. Pero, al mismo tiempo, quería que todo se sintiera íntimo, y creo que los sintetizadores del comienzo, que están hechos a partir de la voz, le dan una dulzura como íntima. Las cuerdas, en cambio, me dan la sensación de volar, y así se genera esa tensión entre aire y tierra, elevación y peso, romanticismo y sensualidad. Incluso la melodía de la voz se mueve como dice la letra: se prepara, salta, corre y cae liviana«, explica la compositora.
La puerta de entrada a ‘Astronautas’ es también el umbral a un universo de ciencia ficción construido más allá de la música. Pensado como una película sonora, el disco será acompañado por una serie de reels audiovisuales dirigidos por Luz Andrea Sierra que funcionan como pequeños teasers de ese relato que se cuenta de principio a fin en el LP. Las piezas serán publicadas a través de las redes sociales de AirelavaleriA, invitando al público a recorrer una historia imaginaria completa.
Pero ‘Astronautas’ no llegará solo. Lejos de las estrategias de lanzamiento que hoy dominan el quehacer musical, AirelavaleriA apuesta por desarrollar un proyecto guiado por sus propias necesidades y búsquedas creativas. Por su propio impulso. Así, el mismo día del estreno de ‘Astronautas’, también verá la luz ‘Casita de Arena’, un disco definido por la artista como «brutal en su crudeza».
«Astronautas y Casita de Arena son como dos realidades paralelas. Uno cuenta la historia de un buen amor y el otro, la de una tragedia. Me gusta imaginar que el personaje de Casita de Arena sueña con el mundo de Astronautas, mientras que el de Astronautas está leyendo un libro donde ocurre la historia de Casita de Arena. Creo que Casita de Arena comienza entendiéndose como una historia amorosa que terminó mal y se va revelando que es algo más fuerte y difícil de nombrar«, relata la artista, cuyo nombre también contiene una dualidad de opuestos, al ser una palabra palíndromo.
Tanto con «Fulgor»como con sus próximos estrenos, AirelavaleriA reivindica los tiempos de cada canción y los pone por sobre los tiempos de la industria, como una declaración de principios de una artista que pocas veces ha dejado de crear y que construye su camino a su propio ritmo, muchas veces alejada de los focos. Un regreso que devuelve a la música chilena una de sus voces más singulares y sensibles, y que tendrá su punto más alto a principios de octubre, con el estreno simultáneo de los dos álbumes de larga duración.
Con influencias del rock británico, el proyecto nacional nos adelanta su álbum debut a través de una nueva entrega que apuesta por la reflexión y por un mensaje de crecimiento personal.
Niel Raion es el nombre artístico de Paolo Daniel Navarrete Albornoz, músico y compositor chileno que se inició en la música a los 14 años, cantando y componiendo en una iglesia. Tras varios años alejado de la composición, retomó esta actividad en 2014, motivado por el nacimiento de su primera hija. Desde entonces, ha creado canciones inspiradas en sus experiencias personales y su entorno, con influencias del hip-hop, pop y rock clásico y alternativo. Todo esto converge en su disco debut, cuyo sexto adelanto es su reciente sencillo “Sanar”.
Con melancólicos acordes de piano inicia “Sanar”, una balada folk íntima y reflexiva que aborda la reconstrucción emocional y el proceso de encontrar luz en momentos de pausa e incertidumbre. “Sanar para confiar”, canta Niel en el coro de este sencillo, cuyos arreglos y carácter evocan el tono nostálgico de Coldplay, particularmente de su canción “What If”.
En palabras del propio artista, “Sanar” busca “encontrar respuestas para el presente, cambiar formas de pensar y actuar, soltar y alejarse de personas que no aportan al nuevo espíritu que quiero construir”. Un mensaje que conecta con la audiencia a través de una atmósfera sonora donde destaca una fusión impecable y sólida de piano y guitarra. “Sanar es vencer miedos y atreverse a hacer lo que amas con todas tus fuerzas. Es confiar en la vida para amar más y de otra forma a quienes están cerca de nosotros”, agrega el músico.
Junto con su estreno en plataformas, también se liberó el video oficial de “Sanar”, grabado en El Canelo, Algarrobo, por Humana Alquimia Audiovisual, productora de Paolo Navarrete y Lidia Dapueto. El clip recorre bosques y paisajes del balneario costero, destacando imágenes del océano y sus playas. “Tengo una conexión profunda con el mar. Frente a su inmensidad me siento libre, parte de algo mucho más grande que yo, pero también desafiado a permanecer atento a lo que sucede segundo a segundo”, comenta Niel.
La realización del videoclip estuvo marcada por una búsqueda de mayor libertad creativa. A diferencia de sus trabajos anteriores, Niel Raion asumió directamente el registro audiovisual, lo que le permitió explorar el entorno de manera espontánea y construir nuevas imágenes frente al mar. “En esta producción decidí confiar más que nunca en mi instinto. Tener la libertad y el tiempo para observar, esperar y dejar que la cámara siguiera aquello que quería contar fue parte del proceso de aprender a escucharme, soltar el control y dejarme guiar por lo que nace desde dentro”, explica el artista.
«Sanar» fue grabada por Niel Raion y por el productor musical Gerson Linco, quien también estuvo a cargo de la mezcla y masterización. En la canción además colabora Tomás Olguín en guitarras acústicas y eléctricas.
El single, ya disponible en plataformas digitales, corresponde al sexto adelanto del disco debut de Niel, el cual llevará por nombre «Destellos de Libertad». Cabe destacar que este es un trabajo que el artista está llevando a cabo a sus 47 años de edad, momento de su vida en que ha decidido ir detrás de sus sueños que anteriormente fueron postergados por diferentes circunstancias. Esto además es una invitación para todos aquellos que están en una situación similar, aún con sueños por cumplir. Nunca es tarde para lanzarse a la aventura musical.
El proyecto de 8 canciones reúne a Selena Gomez, Becky G, Myke Towers, Mora, The Marías, BB Trickz, Neton Vega y Ivy on the Drums.
benny blanco lleva más de una década escribiendo y produciendo algunas de las canciones más reconocibles de la música contemporánea. Con Hermoso, su más reciente álbum de estudio, el artista y productor 12 veces nominado al GRAMMY lleva toda esa experiencia a un proyecto arraigado en su admiración por la música latina, reuniendo a un grupo de artistas cuyo trabajo lo ha inspirado y dando a cada colaboración el espacio para llevar la música hacia lugares inesperados.
En esencia, Hermoso es la celebración de benny de la música que continúa inspirándolo. A lo largo del álbum convergen influencias de cumbia, reggaeton, pop y electrónica, mientras cada canción adquiere su propia identidad alrededor de los artistas que la protagonizan. El álbum de 8 canciones cuenta con Selena Gomez, Becky G, Myke Towers, Mora, The Marías, Bb trickz y Neton Vega, junto al reconocido productor Ovy On The Drums. En conjunto, los colaboradores representan distintas facetas de la música hacia la que benny se ha sentido atraído, dando forma a un proyecto tan amplio como su propia curiosidad musical.
“Un Poco Perdido” junto a Neton Vega da inicio al álbum, seguido de “Te Olvido (La La)” con Selena Gomez y Becky G, donde un contundente ritmo de cumbia se encuentra con el instinto de benny para crear melodías pop irresistibles. “Joven Y Salvaje” junto a Bb trickz toma un rumbo diferente, combinando una estructura melódica sencilla y envolvente con texturas nostálgicas y un pulso electrónico.
El álbum continúa con The Marías en “Memoria De Paz”, mientras “Ay Bendito” reúne a Mora y Ovy On The Drums. “DEGENERE” junto a Myke Towers se ha convertido en un himno que encabeza las listas, construido alrededor del inconfundible hook vocal del clásico de 1987 de Suzanne Vega, “Tom’s Diner”, y acompañado por una sofisticada base de pop latino y reggaeton. “Te Amo” y “Cinco” completan el proyecto, dando forma a una colección que, más que quedarse a un solo sonido, sigue el instinto de benny hacia donde la música lo lleva.
Con una trayectoria de más de una década detrás de algunos de los grandes éxitos globales de la música, Hermoso ofrece una mirada más cercana a benny blanco como creador. Es un espacio propio de benny, moldeado por los artistas que admira, la música que lo entusiasma y la libertad de dejar que cada canción encuentre su lugar dentro del álbum. Con Hermoso, benny blanco dirige su oído hacia un nuevo territorio e invita a los oyentes a descubrirlo por sí mismos.
Julieta Rafaela regresa con un nuevo sonido delicado, acústico y minimalista. Con su nuevo single “Buscando Luz” abre una nueva etapa musical en la cual el ukelele y su voz son los protagonistas.
Éste es el primer adelanto de su primer trabajo discográfico de larga duración. Grabado en la cabaña-estudio del sello Grito Rosa en la montaña, transmite toda la paz e interioridad de una cantautora conectada con los ritmos de la naturaleza y el autoconocimiento. Con una sonoridad acústica que da espacio a los silencios, el ukelele y la voz de la artista realzan la poesía de su lírica, aportando luz y calidez en un ambiente de calma.
“Estaba haciendo un ejercicio de composición musical que me dio mi amiga y cantautora Daniela Shejade, en el que debía enviarle una canción grabada con el celular cada miércoles. Buscando Luz surgió de un paseo en invierno por el bosque, en que estaba literalmente buscando espacios de luz que en esta época del año es tan escasa y un bien preciado. Y al encontrar un claro con luz dorada del atardecer, me di cuenta de la semejanza de este acto literal con la acción del autoconocimiento, de estar buscando momentos de claridad cuando en ese acto aparece la propia sombra. La sonoridad del disco trata de mantener y retratar la intimidad que dio origen a estas canciones, de composición al alba, sola con mi ukelele en mi pieza”.
Julieta Rafaela es el proyecto musical de Camila Correa (1992, Santiago). Comenzó el 2020 con el lanzamiento de su primer single «Las piedras», producida por Benjamín Saiz. En 2021 firmó con el sello Malo Records con quienes produjo su primer EP «Animales extraños», canciones que la llevaron a presentarse en la sala SCD de Plaza Egaña en noviembre del 2022 y marzo del 2023. El 2025 lanzó su segundo EP “Ternura” bajo el sello Grito Rosa, producido por 4 productores nacionales independientes.
En marzo del 2026 grabó su primer disco de larga duración en los estudios de Grito Rosa, trabajo con el que busca una sonoridad cálida y experimental, con el ukelele y la voz como instrumentos principales.
La banda santiaguina María Delitos vuelve a la escena con «Bots», su más reciente sencillo, ya disponible en Spotify y el resto de plataformas.
Con este nuevo lanzamiento, la banda reflexiona sobre un fenómeno que atraviesa nuestra vida cotidiana: el consumo constante de contenido y aplicaciones, y la incertidumbre de no saber con certeza qué —o quién— hay detrás de cada imagen. «Acá estamos, usando herramientas que supuestamente sirven para hacer conocer nuestro nuevo single y en cierta forma de eso se trata la canción», comenta la banda. «Consumimos contenido, usamos apps y no podemos estar seguros si detrás de imágenes hay algo análogo.»
El título mismo funciona como un guiño musical: Bots, butts, boots — un juego de palabras entrelazadas que atraviesa el sonido incendiario de la canción.
«Bots» incorpora además un fragmento de la icónica composición de Lee Hazlewood, inmortalizada por Nancy Sinatra, reinterpretada aquí con un toque más orgánico y personal.
De esta forma la banda santiaguina vuelve a poner en circulación una propuesta que cruza irreverencia, experimentación y observación de la cultura digital, convirtiendo la incertidumbre de la era de los algoritmos en materia sonora.
