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  • ÓXIDO: El single que trae de vuelta a Las Fuerzas Básicas

    ÓXIDO: El single que trae de vuelta a Las Fuerzas Básicas

    Luego de una pausa de poco más de un año, Las Fuerzas Básicas regresan con “ÓXIDO”, el primer adelanto de “La Voluntad de las Cosas”  lo que será su tercer disco de larga duración que será lanzado durante los primeros días de agosto.

    Este nuevo lanzamiento marca el inicio de una etapa renovada para la banda, consolidando la evolución que han construido desde sus anteriores álbumes, “Paisajes” (2020) y “Todas Mis Posesiones Por Un Poco Más De Tiempo” (2022). 

    “Volver después de más de un año tiene algo de cerrar un ciclo y empezar otro. Durante este tiempo las canciones siguieron creciendo y nosotros también. Más que retomar el proyecto significa volver con un disco que sentimos más honesto y una forma de hacer música que refleja mejor quiénes queremos ser. que un regreso, sentimos que es el comienzo de una nueva etapa para Las Fuerzas Básicas” comenta uno de sus integrantes.

    La Banda conformada por Felipe Rivera (voz y guitarra), Joaquín Cárcamo (guitarra), Tomás Bustos (batería) y Mario Mayer (bajo), presenta una faceta más madura tanto en lo musical como en lo lírico. A través de “ÓXIDO”, la banda explora reflexiones sobre el amor propio, las contradicciones personales y las dificultades que surgen en el camino hacia la aceptación, incorporando nuevas sonoridades sin alejarse de las raíces indie rock que han caracterizado su propuesta desde sus inicios.

    Felipe Rivera comenta una de las razones detrás de la elección de este adelanto para presentar el nuevo disco: “ÓXIDO resume muy bien el espíritu del disco. Habla de una idea que atraviesa todo La Voluntad de las Cosas: aceptarse con las contradicciones, con las heridas y con el desgaste. Musicalmente también marca el camino de esta nueva etapa. Es una canción más directa, más cruda y menos preocupada de adornarse, y eso representa muy bien hacia dónde quisimos llevar el sonido de la banda.”

    Grabada principalmente en Estudios Vinilo de Santiago de Chile durante el invierno de 2024  acompañados por Benjamín Torres en las labores de mezcla y producción y bajo el alero Beast Records, este nuevo single funciona como una puerta de entrada a esta nueva etapa creativa, anticipando el sonido y las temáticas que darán forma a su próximo álbum “La Voluntad de las Cosas”

    Junto con este lanzamiento, Las Fuerzas Básicas se preparan con entusiasmo para volver a los escenarios, presentando en vivo tanto las nuevas composiciones como aquellas canciones que se han transformado en favoritas de su público. Este regreso marca además el comienzo de una nueva era para la banda, que busca fortalecer su presencia dentro de la escena independiente chilena y continuar expandiendo los alcances de un proyecto que ha sabido evolucionar disco tras disco.

  • Nuevas rutas para canciones necesarias: Soy Irracional estrena «SOYI»,su tercer álbum de estudio

    Nuevas rutas para canciones necesarias: Soy Irracional estrena «SOYI»,su tercer álbum de estudio

    Compuesto entre ciudades, mudanzas, pérdidas y nuevos comienzos, y producido entre Santiago, Buenos Aires y los estudios Abbey Road y Studio 13 de Londres, el nuevo LP de la agrupación chilena es también su trabajo más autobiográfico. En siete canciones de pop rock alternativo maduro y emocional, «SOYI» retrata el desafío de seguir avanzando cuando el camino conocido deja de tener sentido.

    En un mundo como este, continuar haciendo lo que amamos es un acto de valentía. Cuando los integrantes de Soy Irracional –Felipe, Cuco, Jimmy y Clemente– comenzaron a vivir en ciudades distintas, formar familias y enfrentar los desafíos propios de la adultez, la continuidad de la banda tal como la habían experimentado desde los 15 años dejó de ser una certeza. Lejos de dar un paso al costado, el cuarteto decidió convertir esa experiencia en el motor creativo de un disco que encuentra su corazón en la persistencia, la honestidad y la transformación. 

    «SOYI» llega como el tercer álbum de estudio de Soy Irracional, y también «como el más homónimo», aseguran, poniendo sobre la mesa el cambio de enfoque que hay entre este trabajo y sus antecesores, «Climas» (2017) y «Modérnica» (2021). «A diferencia de los discos anteriores, que buscaban algo más conceptual, este es muy testimonial. Hay poca fantasía en estas canciones. Aquí abrazamos sin complejos lo que somos, y eso se refleja también en una búsqueda mucho más explícita y genuina por el pop«, detallan sobre la placa compuesta, grabada y producida entre Santiago, Buenos Aires y los míticos estudios Abbey Road y Studio13, en Londres.

    El camino recorrido durante dos décadas de amistad y música compartida se siente en las siete canciones que integran el LP. La sensibilidad y el carácter introspectivo del rock alternativo se respira en las letras, la producción analógica y el giro hacia las guitarras, esta vez junto a melodías luminosas y arreglos de vocación pop que profundizan en la nueva dirección sonora del proyecto; una idea que también atraviesa la portada del álbum, donde un automóvil en medio del campo representa la decisión de insistir en el viaje aun cuando el paisaje y la ruta han cambiado tanto.

    «Hicimos este disco a pesar de la distancia y de todos los cambios que estamos viviendo, cada uno y como banda. Lo más fácil habría sido decir ‘hasta acá llegamos, fue lindo’, pero creemos que es mucho más valiente seguir. Nos gusta demasiado hacer música, y con ‘SOYI’ entendimos que podemos integrarla a nuestra vida adulta, y que la crónica de estas transiciones y movimientos también es valiosa. Surfear la adultez tiene una poética tan válida como la épica del proyecto que quiere pegar», explican.

    La voz testimonial de «SOYI» es sensible, honesta y rebelde. Elegir la vida que queremos, mezclar caminos que parecían imposibles y hacer las cosas a nuestro propio ritmo es el aire fresco que la banda nos regala en una obra que, yendo a contracorriente de las tendencias actuales, renuncia a las fantasías de la fama para abrazar la vulnerabilidad y las pequeñas victorias de la vida cotidiana.

    En esa búsqueda por encontrar una poesía directa para nombrar aquello que ocurre por dentro fue clave el trabajo junto a Franco Saglietti, líder del proyecto argentino Francisca y Los Exploradores, a quien conocieron durante las sesiones de grabación en Buenos Aires junto al productor Nicolás Btesh. 

    «En Argentina hay una tradición de canciones mucho más directas y veníamos sintiendo que este disco necesitaba ese espíritu, mucho más despojado a la hora de decir las cosas, sin tantos tapujos. Franco y Nico nos ayudaron mucho con esa parte», cuentan sobre el vínculo creativo que terminó materializándose en «La Gracia», el focus track y la única colaboración de «SOYI». 

    Con un equipo de primera categoría comandado por Cuco Errázuriz en la producción, junto a Nicolás Btesh, la mezcla de Ezequiel Kronenberg y la masterización de Francisco Holzmann, la tercera entrega de Soy Irracional se alza como un manifiesto sonoro maduro y sincero; un retrato de un momento bisagra que confirma que la ruta para hacer lo que amamos puede cambiar, pero no las ganas de seguir recorriéndola con nuestros amigos.

  • Emery – The Weak’s End: el disco que me enseñó que las canciones siempre pueden dar algo más

    Emery – The Weak’s End: el disco que me enseñó que las canciones siempre pueden dar algo más

    Descubrí a Emery cuando iba en la media. En esos años escuchaba de todo: metal, rock alternativo, indie, post-hardcore, emo, y cualquier banda nueva que llegara a mis manos. De Emery no tenía idea. Fue un amigo muy cercano quien me los mostró y, desde la primera escucha, sentí que había algo diferente.

    Lo que más me llamó la atención de The Weak’s End fue que las canciones nunca se quedaban en una sola idea. Cuando pensabas que un tema ya había dicho todo lo que tenía que decir, aparecía un nuevo arreglo, un cambio de ritmo, otra melodía o una armonía vocal que llevaba la canción a otro lugar.

    Eso es precisamente lo que más me gusta de este disco: la mayoría de las canciones no son lineales. Están en constante progresión. Se construyen poco a poco, se transforman y siempre te mantienen atento.

    Las armonías vocales entre Toby Morrell y Devin Shelton son una verdadera joya. Hay canciones donde el guitarrista toma más protagonismo y otras donde el vocalista principal lleva la conducción. Ese intercambio de voces le da al disco una identidad muy propia y hace que cada canción tenga momentos memorables.

    Los gritos, por su parte, están muy ligados a esa corriente screamo y emo de principios de los dos mil. Más que buscar la agresividad por sí sola, transmiten una sensación de urgencia y emoción que termina siendo fundamental en el sonido de la banda.

    Si tuviera que destacar dos canciones, me quedo con «The Ponytail Parades» y «Bloodless».

    «The Ponytail Parades» siempre me ha parecido una de las canciones más bonitas del disco. Tiene un aire más romántico y melancólico, y demuestra la capacidad que tenía Emery para escribir canciones emocionales sin caer en lo obvio. Es una de esas canciones que se quedan contigo mucho después de que terminan.

    Por otro lado, «Bloodless» es pura energía. Una canción intensa, llena de cambios, con una dinámica impecable y unas armonías vocales extraordinariamente bien logradas. Representa perfectamente todo lo que hace especial a Emery: fuerza, melodía y emoción conviviendo en un mismo espacio.

    Con los años he escuchado discos más complejos y producciones más grandes, pero The Weak’s End sigue ocupando un lugar especial para mí. Quizás porque me recuerda esa época en la que descubrir una banda nueva podía cambiarte la semana, o quizás porque este disco me enseñó algo que sigo valorando hasta hoy:

    las mejores canciones son las que siempre tienen algo más que entregar.

  • Carmely Lakerry convierte el caos emocional en himnos para las chicxs intensas

    Carmely Lakerry convierte el caos emocional en himnos para las chicxs intensas

    Entre guitarras, electrónica y emociones al límite: así suena Carmely Lakerry

    Originaria de Mexicali, Baja California, la artista alternativa, compositora y multiinstrumentista comenzó a tocar guitarra desde los 7 años, creciendo en una familia de músicos donde la necesidad de crear y expresar música siempre estuvo presente. Así nace su proyecto solista: una propuesta que mezcla sensibilidad, estética y una identidad profundamente emocional.

    A través de su concepto visual y su esencia auténtica, Carmely Lakerry ha logrado conectar con una generación que vive todo al límite. Su presencia en redes sociales crece constantemente gracias a una comunidad que encuentra refugio en sus canciones y en esa intensidad emocional que define su universo artístico.

    Este junio presenta “Adolescencia Gris”, un sencillo que retrata uno de los momentos más vulnerables de su vida. Inspirada por experiencias de traición, dolor emocional y pérdida de estabilidad, la canción habla sobre lo difícil que es crecer y aceptar que, a veces, madurar también significa alejarse de aquello que más amas.

    Porque sí: la traición de un amigo también rompe el corazón.

    Con una mezcla de pop rock, texturas electrónicas y una energía melancólica perfecta para bailar encerradx en tu cuarto, “Adolescencia Gris” consolida el sonido de Carmely Lakerry: íntimo, intenso y emocionalmente explosivo.

  • Perra Brava convierte la resistencia en “PPV”, adelanto de su próximo álbum

    Perra Brava convierte la resistencia en “PPV”, adelanto de su próximo álbum

    Entre riffs filosos, baterías contundentes y una actitud que nunca pide permiso, Perra Brava se ha consolidado como una de las propuestas más auténticas del circuito independiente mexicano.

    El dúo conformado por Fernanda Navarrete (batería y voz) y Néstor Fajardo (guitarra y voz) continúa construyendo un universo donde el garage rock, el punk y la crítica social conviven sin filtros, apostando siempre por una fórmula directa, cruda y honesta.

    A casi un año del lanzamiento de su EP debut «Silabo Tatequeda«, y el posicionamiento dentro de la escena independiente nacional, Perra Brava anuncia el primer sencillo del año; «PPV«, canción que se desprende de su próximo álbum de larga duración «Tenga pa’ que se entretenga«.

    Las siglas de “PPV” significan Pinche Perro Verguero, una expresión que aquí toma forma de personaje y filosofía de vida. La canción retrata a esa persona que, pese a tener todo en contra o a favor, siempre encuentra la manera de salir adelante; alguien que enfrenta los problemas de frente, resuelve y sigue avanzando, alguien que toma el toro por los cuernos, alguien con buena estrella. Más que una figura individual, el tema funciona como una extensión de la propia esencia de Perra Brava: desafiante, resiliente y combativa.

    Con el humor ácido y el sarcasmo que caracterizan sus composiciones, “PPV” también se convierte en una invitación colectiva a resistir una realidad cada vez más hostil. Lejos de caer en discursos solemnes, la banda transforma la frustración cotidiana en energía compartida, encontrando en la música una forma de confrontar el desencanto sin perder la capacidad de burlarse de él.

    Compuesta nuevamente a distancia y coproducida entre Fábrica Estudio yBlack Bedroom Records, la canción marca el inicio de una nueva etapa para el proyecto. “PPV” es el primer adelanto de «Tenga pa’ que se entretenga«, el esperado álbum debut de larga duración de Perra Brava, y la primera de varias canciones que verán la luz durante este año.

    Con cada lanzamiento, el dúo reafirma que el rock sigue siendo un espacio para cuestionar, incomodar y reírse del absurdo. “PPV” no solo es un nuevo sencillo: es una declaración de principios para quienes siguen peleando la batalla diaria con actitud, ingenio y volumen al máximo.

  • ALLAN! transforma la vulnerabilidad en un acto de valentía con su nuevo sencillo «DURO»

    ALLAN! transforma la vulnerabilidad en un acto de valentía con su nuevo sencillo «DURO»

    El artista presenta una canción de electro pop-punk que aborda el desafío de volver a confiar después de una decepción, en una producción nacida desde la intimidad de su habitación.

    ALLAN! estrena «DURO», un sencillo que pone el foco en uno de los momentos más complejos de cualquier relación: la decisión de volver a confiar después de haber sido herido. A través de una propuesta que combina la energía del pop-punk con la estética del electro pop, el artista continúa consolidando una identidad sonora donde conviven guitarras, sintetizadores y una producción que equilibra lo orgánico con lo digital.

    Su vínculo con la música comenzó desde muy temprana edad gracias a la guitarra. El pop en inglés marcó sus primeros aprendizajes y, con el tiempo, se convirtió en la base desde la cual desarrolló una propuesta propia. Entre las influencias que han acompañado su camino creativo destacan Babasónicos, Nathy Peluso y Joan Jett, artistas que han inspirado su búsqueda de un sonido auténtico y contemporáneo.

    La historia de «DURO» nació durante la reescritura del repertorio que daría forma a su EP. Aunque el título existía desde el inicio, la canción atravesó un intenso proceso creativo que incluyó cuatro versiones completamente distintas antes de llegar a su resultado definitivo. Esa búsqueda permitió que la composición encontrara la profundidad emocional que ALLAN! buscaba transmitir.

    Más que una canción de amor, «DURO» habla del valor que implica volver a abrirse emocionalmente cuando las heridas del pasado aún permanecen presentes. Es una reflexión sobre la vulnerabilidad como una decisión consciente y valiente, más que como una señal de debilidad.

    La producción fue realizada íntegramente por el propio ALLAN! desde una laptop en la habitación de la casa de sus padres. Las voces y guitarras fueron registradas con un micrófono Snowball que incluso presentó fallas en su cable durante las sesiones de grabación. Posteriormente, Christians Alvarado y Frank Wild, del sello Saviours Music, estuvieron a cargo de la mezcla, potenciando el sonido sin perder la esencia íntima con la que nació la canción.

    Con este lanzamiento, ALLAN! reafirma su intención de crear música capaz de acompañar emocionalmente a quienes la escuchan, ofreciendo canciones en las que sea posible reconocerse y encontrar palabras para sentimientos difíciles de expresar.

    «DURO» ya está disponible en todas las plataformas digitales.

  • Nuevo pop chileno: Perro de Caza estrena clip para su nuevo single ‘Emergencia’

    Nuevo pop chileno: Perro de Caza estrena clip para su nuevo single ‘Emergencia’

     Finalista del concurso «Busca Tu Banda» estrena material gracias al Fondo para el Fomento de la Música Nacional del MINCAP.

    La banda del compositor y productor chileno de indie alternativo Bastián Gálvez (27), lanza ‘Emergencia‘, una descripción personal que profundiza en los traumas personales y sociales de la era digital, explorando el impacto de las redes sociales, los moralismos contemporáneos y la salud mental.

    Su propuesta combina una producción envolvente con letras introspectivas que abordan la ansiedad, el sobre pensamiento y el desarrollo personal. Para su grabación, tanto la pista como la obra completa, está financiada por el Fondo para el fomento de la Música Nacional (convocatoria 2025) del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

    La obra aborda la experiencia de vivir bajo tratamiento con antidepresivos y las complejidades emocionales que pueden surgir durante ese proceso: “retrata la sensación de enfrentar una situación difícil; sentirse mal al no tomar la medicación, pero también percibir una desconexión emocional al hacerlo […] una declaración de cansancio e impotencia frente a la sensación de depender constantemente de algo externo para alcanzar bienestar físico o emocional”.

    La canción fue producida por el mismo Gálvez (finalista «Busca Tu Banda» Vitacura 2025) junto a Benjamín Flores Monreal, quién también se encargó del mastering. Además, fue mezclada por Carlos Reyes en el estudio Bisonte Producciones, y cuenta con un videoclip dirigido y realizado por Benjamín Acosta, con asistencia de Alberto Villarroel y dirección de iluminación a cargo de Fernando Estrada.

    Conoce la propuesta de Perro de Caza a continuación.

  • Delisse estrena su nuevo sencillo «Sin Renunciar»

    Delisse estrena su nuevo sencillo «Sin Renunciar»

    Como parte de la antesala de un próximo álbum o EP de estudio y en el marco de las celebraciones por las dos décadas de historia de su obra cumbre, «El Peso del Dolor», el dúo chileno, formado por Magdalena Atria («Maida») y Cristián Moya («Pit»), estrena este 10 de Junio de 2026 su nuevo single titulado «Sin Renunciar». El tema corresponde al rescate de una composición inédita, nacida originalmente como un demo en 2010, un track que captura su sonido más crudo y orgánico. Esta obra inédita fue grabada en una sola toma simultánea en el estudio y la canción rescata la magia y el espíritu de un demo perfecto. 

    Maida & Pit deciden lanzarla en 2026 en formato Demo, como una forma de honrar ese proceso de creación y de hacer la resistencia a una industria cada vez más dominada por la IA, en que ya no se sabe qué es real y qué no y se ha ido perdiendo el valor de lo orgánico. La canción fue producida por Delisse y Andrés Silva, connotado baterista chileno, radicado actualmente en Nashville, USA.

    En “Sin Renunciar”, la factura del sonido, el carácter musical, la fuerza y la intensidad en la interpretación vocal, están tan bien plasmados, que una re-grabación habría sido “engolosinarse”, entendiendo que muchas veces “lo perfecto, es enemigo de lo bueno”. 

    Su letra es una declaración de principios, su propio “statement”, que 16 años después de haberla compuesto y escrito, hoy cobra más fuerza que nunca para la propia dupla, con un poderoso mensaje de resiliencia y permanencia, que habla sobre perseguir los ideales y sueños que mueven la existencia humana, sin dejarse llevar por la corriente, luchando por ser consecuentes con un ideal y no renunciando aunque todo esté en contra, con mil puertas cerradas y aunque sólo escuches “ya no lo intentes, no vas a poder”.

    Por su lírica y potencia, la canción puede fácilmente convertirse en un himno para muchos. Es energía pura, que busca mantener vivo el carácter y espíritu del rock orgánico y real, con una letra que impulsa fuertemente a seguir luchando por ese sueño, por esa causa y por ese ideal, sin renunciar.

  • Kassmusik estrena “Desire”, un grito de rabia entre belleza y dolor

    Kassmusik estrena “Desire”, un grito de rabia entre belleza y dolor

    La cantautora de Puente Alto presenta el primer adelanto de su próximo álbum junto a Spiralis, con un sonido metal intenso, visceral y emocional.

    Kassmusik lanza su nuevo sencillo “Desire”, una canción que explora la rabia, la ruptura y la decepción desde una propuesta sonora marcada por la fuerza del metal y la sensibilidad de una voz íntima.

    Inspirada en referentes como Evanescence, Violent Vira y Wisp, “Desire” retrata a una persona que, en su obsesión por ser deseada, termina perdiendo aquello que realmente importa: la estabilidad, el amor verdadero y su propia identidad. La canción también plantea una crítica a la sexualización de la mujer y al desgaste emocional de sentir que nunca se es suficiente.

    El single es la primera muestra del álbum que Kassmusik está grabando junto a Spiralis Records, un trabajo que profundiza en las zonas más viscerales e íntimas de la experiencia humana. A través de guitarras intensas, atmósferas densas y contrastes entre melodías suaves y explosiones instrumentales, la artista construye una verdadera sinfonía de dolor.

    La portada de “Desire” acompaña este universo con una estética inspirada en el Renacimiento y lo visceral, reflejando la dualidad entre una belleza aparente y la ira que permanece oculta bajo ella.

    “Quiero que las personas se pierdan en la música, que sientan la dualidad entre lo fuerte y lo suave, y que puedan hacer propia esa rabia”, señala Kassmusik.

    escucha ya “Desire”  en tu plataforma preferida.

  • Conii estrena «Desarmarnos», un álbum que transforma los diarios de la adolescencia en Pop Cinematográfico

    Conii estrena «Desarmarnos», un álbum que transforma los diarios de la adolescencia en Pop Cinematográfico

    La artista chilena presentará en vivo su primer disco el próximo 17 de julio en un concierto gratuito en la Sala Aldo Francia del Palacio Rioja, en Viña del Mar.

    ¿Qué ocurre cuando las canciones que escribiste entre los 16 y 19 años sobreviven al paso del tiempo? Para la artista de Quilpué Conii, la respuesta es Desarmarnos: un álbum debut que convierte la confusión, el desamor, la ansiedad y la búsqueda de identidad propias del fin de la adolescencia en un relato sonoro íntimo, honesto y profundamente generacional.

    El disco será presentado en vivo el próximo 17 de julio en la Sala Aldo Francia del Palacio Rioja de Viña del Mar, en un concierto gratuito que marcará el inicio oficial de esta nueva etapa artística.

    Con influencias que transitan entre el pop alternativo británico de London Grammary Arthur Beatrice, junto con referentes latinoamericanos como Gustavo Cerati, Conii construye una propuesta que combina texturas ambientales, guitarras, sintetizadores y una sensibilidad cinematográfica que ya ha comenzado a visibilizarse a través de los singles previamente estrenados.

    «Desarmarnos» no es un álbum conceptual tradicional. Es una colección de canciones escritas en tiempo real durante uno de los períodos más decisivos de la vida: el tránsito entre la adolescencia y la adultez. Cada composición captura emociones sin filtro, desde el primer amor hasta la traición, desde la ansiedad hasta el descubrimiento de la propia voz.

    La canción que da nombre al disco, «Desarmarnos», emerge como uno de los momentos más intensos del álbum. A través del electropop y múltiples capas vocales, Conii retrata la experiencia de sentirse observada, juzgada y fuera de lugar. La canción aborda la desadaptación adolescente, una primera relación tóxica y el peso de una sociedad que muchas veces se organiza para señalar a quien considera diferente. «¿Quién será dicen todos?», pregunta el coro, como un eco de quienes han sentido alguna vez que todos miran hacia ellos.

    El recorrido continúa con «Luz y Sombras», una pieza pop rock influenciada por Cerati y Camila Moreno, donde persiste la duda sobre si aferrarse o dejar ir un amor que sigue habitando la memoria. En «Si pudiera», el electropop ambiental y minimalista acompaña un diálogo interno marcado por la culpa y la pregunta insistente sobre si las cosas podrían haber sido distintas.

    La amistad también encuentra espacio en el disco a través de «Culpable», canción que aborda la decepción y la invisibilidad que puede surgir en vínculos donde el afecto y la entrega no son recíprocos.

    Uno de los puntos de inflexión aparece con «Quemar», tema donde la artista toca fondo para luego reconstruirse. «Ya no me voy a quemar», canta Conii, marcando el comienzo de una esperanza renovada y el surgimiento de una identidad más fuerte y consciente.

    La salud mental atraviesa el álbum de manera explícita en «Hombre de Negro», composición que transforma la ansiedad, las parálisis del sueño y la sensación de vacío emocional en una figura simbólica que concentra los miedos y conflictos propios del final de la adolescencia.

    El cierre del viaje abre paso a nuevas posibilidades. «Sin rumbo» explora la independencia, el amor propio y la claridad que llega después de atravesar la incertidumbre, mientras que «Salidas» cuestiona los caminos tradicionales que la sociedad propone como únicas formas de construir un proyecto de vida, invitando a imaginar futuros más auténticos y libres.

    A lo largo de ocho canciones, Conii propone una experiencia donde lo personal dialoga con lo universal, instalando una voz sensible y lúcida dentro del pop alternativo chileno actual para recordar que crecer también implica romperse, cuestionarse y volver a construir la propia identidad.