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  • Cantautor chileno David regresa a la escena músical con “Odio que nos Duela” una obra nacida desde la independencia creativa

    Cantautor chileno David regresa a la escena músical con “Odio que nos Duela” una obra nacida desde la independencia creativa

    Tras su participación en The Voice Chile en 2022 y luego de casi tres años sin publicar música, el cantante y compositor David presenta Odio que nos duela, un sencillo Pop Rock acompañado de un videoclip oficial que marca el inicio de una nueva etapa artística construida desde la independencia creativa y una identidad completamente renovada.

    Lejos de significar una pausa, estos años fueron un período de búsqueda y aprendizaje. David decidió detener los lanzamientos para desarrollar con calma una propuesta que representara fielmente quién quería ser como artista. Durante ese proceso comenzó a producir su propia música, exploró nuevas herramientas creativas y dio forma a un proyecto donde el sonido, la imagen y la narrativa nacen de una misma visión.

    “No quería volver solo con una canción. Quería volver con un proyecto que realmente me representara.”

    La historia de Odio que nos duela comenzó hace tres años, cuando escribió la canción inspirado en una experiencia profundamente personal. La primera maqueta fue creada desde su propio teléfono celular y, posteriormente, trabajó junto al productor Mario Gómez para desarrollar la producción musical. La grabación de voces, mezcla y mastering estuvieron a cargo de Esteban Rojas.

    El compromiso creativo de David fue mucho más allá de la composición. Diseñó el vestuario del videoclip, escogió personalmente la locación de grabación y lideró la dirección creativa del proyecto, mientras que la realización audiovisual —dirección, cámara, edición y colorización— fue desarrollada por Laura Rodríguez.

    Más que una canción sobre una ruptura, Odio que nos duela retrata uno de los momentos más complejos del amor: comprender que los sentimientos siguen existiendo, pero que permanecer juntos ya no es posible. Desde esa contradicción nace una obra íntima y honesta que busca conectar con quienes han tenido que aprender a dejar ir incluso cuando el amor permanece.

    Musicalmente, este lanzamiento representa un punto de inflexión para David. Es la primera vez que participa activamente en la construcción de la producción musical de una de sus obras, permitiéndole plasmar con mayor fidelidad la identidad sonora que había imaginado durante años.

    Influenciado por artistas como Cami, Aurora y Reik, David define su propuesta artística con una frase sencilla: “Intensidad emocional pura”. Esa búsqueda se refleja tanto en la música como en una estética visual cuidadosamente desarrollada, donde cada elemento fue pensado para reforzar el relato de la canción.

    Con Odio que nos duela, David no solo marca su regreso a la escena musical, sino también el comienzo de una etapa en la que apuesta por construir un universo artístico propio, donde cada lanzamiento forme parte de una misma narrativa.

    El sencillo y su videoclip ya se encuentran disponibles en Spotify, YouTube y las principales plataformas digitales.

  • «FOKIN MAXHINE»: Cetáceos enciende los motores de una nueva etapa con un explosivo adelanto de su próximo disco

    «FOKIN MAXHINE»: Cetáceos enciende los motores de una nueva etapa con un explosivo adelanto de su próximo disco

    La banda penquista presenta un sencillo que combina la intensidad del rock alternativo con nuevos elementos electrónicos y pop, abriendo el camino hacia su esperado tercer álbum de estudio.

    La banda chilena Cetáceos estrena «FOKIN MAXHINE», un nuevo sencillo disponible en todas las plataformas digitales que marca el inicio de una renovada etapa artística. Con una propuesta enérgica, guitarras afiladas y una producción que incorpora texturas electrónicas sin abandonar la esencia del rock alternativo, la agrupación da un nuevo paso en una evolución sonora que anticipa el universo de su próximo trabajo discográfico.

    Integrada por Nicolás Díaz, Daniel Miranda, Felipe Sanhueza y Jostin Roa, la banda penquista construye en «FOKIN MAXHINE» una canción de alto impacto, donde la potencia instrumental convive con melodías memorables y una identidad que mira hacia el futuro sin perder la honestidad emocional que ha caracterizado su trayectoria. El sencillo representa una búsqueda por expandir los límites creativos del grupo, incorporando nuevos recursos sonoros y una producción más ambiciosa.

    Desde su formación, Cetáceos ha consolidado un recorrido dentro de la escena independiente chilena gracias a los álbumes «Tocan la puerta» (2018) y «Milenial» (2021), además de presentaciones en escenarios como Festival REC 2020 y Festival Fluvial 2021, junto a dos giras nacionales que los llevaron por ciudades como Santiago, Chillán, Temuco y Valdivia. Esa experiencia se refleja en una banda que hoy exhibe mayor madurez artística y una propuesta sonora cada vez más sólida.

    «FOKIN MAXHINE» es el tercer adelanto de su tercer álbum de estudio, un trabajo previsto para 2026 que profundizará la fusión entre rock, pop y electrónica, reafirmando el permanente interés de Cetáceos por explorar nuevos territorios musicales. Con este lanzamiento, la agrupación confirma que su evolución no responde a una ruptura con el pasado, sino a la consolidación de una identidad en constante movimiento, preparada para abrir un nuevo capítulo en su historia.

  • Saiko y De Saloon presentan «Frente a Frente», una colaboración que une dos referentes del rock chileno

    Saiko y De Saloon presentan «Frente a Frente», una colaboración que une dos referentes del rock chileno

    El nuevo sencillo reúne a ambas bandas en una canción marcada por guitarras, melodías y una energía que promete convertirse en uno de los momentos destacados de sus próximos conciertos.

    Saiko y De Saloon concretan una esperada colaboración con el lanzamiento de «Frente a Frente», un nuevo sencillo que reúne a dos de las bandas más reconocidas del rock y pop chileno contemporáneo. La canción ya está disponible en plataformas digitales y marca el primer trabajo conjunto entre ambas agrupaciones.

    En la antesala del estreno, Saiko adelantó que se trata de «una colaboración cargada de guitarras, voces inigualables y esa energía única que solo estas dos bandas pueden entregar», anticipando el espíritu de una canción que fusiona las identidades musicales de ambos proyectos.

    El lanzamiento llega en un momento especialmente activo para Saiko, que durante las próximas semanas iniciará una nueva gira nacional, llevando su repertorio por distintas ciudades del país. Además de repasar los grandes clásicos de su catálogo, la banda presentará por primera vez en vivo «Frente a Frente», incorporando esta colaboración a su renovado espectáculo.

    Uno de los principales hitos de esta etapa será su participación en Primavera Amor, el próximo 25 de septiembre en Gran Arena Monticello, donde compartirá escenario precisamente con De Saloon y con Claudio Valenzuela, emblemática voz de Lucybell. El encuentro reunirá a destacados exponentes del rock y pop chileno y posteriormente continuará con una gira por distintas ciudades del país.

    «Frente a Frente» ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming.

  • Reseña álbum «Corazones» de Los Prisioneros

    Reseña álbum «Corazones» de Los Prisioneros

    Por Carlos Brigo.

    Hay discos que parecen escritos para una época. Corazones da la impresión de haber sido escrito para cualquier persona que alguna vez confundió el amor con la necesidad de ser querido.

    Treinta y cinco años después, sigue siendo una rareza dentro del catálogo chileno. No solo porque marcó el giro definitivo de Los Prisioneros hacia el pop electrónico, sino porque Jorge González decidió reemplazar el discurso colectivo por uno completamente íntimo. El enemigo ya no estaba afuera; ahora habitaba en la culpa, el deseo, los celos y la incapacidad de sostener una relación.

    Lo más sorprendente es que el disco nunca busca esconder esa fragilidad. Al contrario. Cada sintetizador, cada caja de ritmos y cada arreglo parecen construidos para amplificarla. La producción de Gustavo Santaolalla evita el exceso y entiende que las canciones respiran mejor cuando hay espacio entre ellas. Esa contención es precisamente lo que permite que sigan sonando actuales.

    Tren al Sur suele quedarse con los aplausos, pero sería injusto reducir Corazones a su canción más conocida. Estrechez de corazón transforma la frustración en una explosión pop impecable; Con suavidad encuentra belleza en la incertidumbre; Amiga mía duele porque nunca intenta exagerar su tristeza, y Corazones rojos sigue incomodando con la misma ironía y lucidez con la que fue escrita.

    Hay algo profundamente humano en este álbum. González no escribe desde la superioridad ni desde la resignación. Escribe desde alguien que entiende que querer también implica equivocarse. Sus personajes son contradictorios, egoístas, sensibles y, precisamente por eso, reales.

    Con el paso de los años, muchos discos quedan atrapados en la nostalgia. Corazones hace lo contrario. Cada nueva escucha revela una frase que antes pasó desapercibida, un arreglo escondido o una emoción distinta según el momento en que uno llegue a él.

    Quizás esa sea la razón por la que sigue siendo un disco tan importante. No porque haya cambiado la música chilena —que lo hizo—, sino porque pocas veces un álbum nacional ha sido capaz de convertir la vulnerabilidad en su principal lenguaje sin perder elegancia, profundidad ni canciones memorables.

  • Mashine Kid dispara contra la complacencia con “Champagne Killah”

    Mashine Kid dispara contra la complacencia con “Champagne Killah”

    El artista explora el boombap con una propuesta de tono competitivo y una mirada crítica sobre el panorama musical actual.

    Mashine Kid presenta “Champagne Killah”. En esta ocasión, el músico se sumerge en el universo del boombap para dar vida a una canción de espíritu competitivo, donde las rimas densas y una producción de esencia clásica se combinan con energía.

    Con este lanzamiento, el autodenominado «Champagne Killah« busca ampliar el discurso de su proyecto, ofreciendo una perspectiva más crítica sobre el estado actual de la escena musical y alejándose de los lugares comunes que predominan en ella.

    Más que un cambio de estilo, “Champagne Killah” reafirma la identidad creativa de Mashine Kid. Comprender su universo implica mirar más allá de lo estrictamente musical. Aunque cada lanzamiento transita por géneros distintos, todos responden al mismo impulso: una necesidad inagotable de crear música.

    El lanzamiento de “Champagne Killah” llega acompañado de un videoclip grabado en el centro de Santiago, donde la estética urbana y el entorno de la ciudad refuerzan el carácter directo de la canción. Con una propuesta visual que dialoga con el espíritu clásico del boombap y la actitud desafiante del sencillo, el video reafirma el mensaje de Mashine Kid y complementa una obra que busca posicionarse como una declaración crítica frente al panorama musical actual.

    Escucha “Champagne Killah” de Mashine Kid en tu plataforma  preferida.

  • Boreal presenta “Agua Fuego”, un intenso viaje entre la pasión y la desilusión

    Boreal presenta “Agua Fuego”, un intenso viaje entre la pasión y la desilusión

    La banda chilena estrena un nuevo sencillo acompañado de un videoclip que transforma la incompatibilidad emocional en una poderosa experiencia musical y visual.

    Boreal continúa expandiendo su propuesta musical con el lanzamiento de «Agua Fuego«, su nuevo sencillo, una canción que explora las contradicciones de las relaciones humanas a través de una metáfora tan simple como contundente: el agua y el fuego. El estreno llega acompañado de un videoclip, reforzando así la narrativa emocional de esta nueva etapa creativa.

    «Agua Fuego» aborda las incompatibilidades entre personas que creen ser las indicadas para compartir un mismo proyecto de vida, un futuro o un sueño en común. La canción retrata ese impulso inicial por construir algo juntos y cómo, de manera inesperada, la desilusión o el desgaste emocional pueden extinguir incluso las intenciones más profundas, del mismo modo en que el agua apaga el fuego.

    El sencillo fue producido por Boreal junto al músico y productor Franco Gabelo, consolidando una colaboración iniciada durante 2026 que ha impulsado una nueva etapa de exploración para la banda.

    Formada en Santiago de Chile en 2015, Boreal nació de la unión de cuatro amigos con la intención de combinar la fuerza del rock alternativo de los años 90 y los 2000 con melodías memorables y letras cargadas de emoción. 

    Escucha «Agua Fuego« que ya esta disponible en todas las plataformas y sigue a la banda en sus redes sociales.

  • Amey presenta «La Verdad», una balada que invita a abrazar la autenticidad y seguir soñando

    Amey presenta «La Verdad», una balada que invita a abrazar la autenticidad y seguir soñando

    El dúo chileno de folk fusión estrena un sencillo de inspiración vintage que combina folk latinoamericano y soft rock para acompañar a quienes enfrentan el cansancio, la incertidumbre y la búsqueda de su propio camino.

    El dúo chileno Amey presenta «La Verdad«, su nuevo sencillo, una balada de estética vintage que fusiona el folk latinoamericano con el soft rock para ofrecer una reflexión íntima sobre la vulnerabilidad, la identidad y la necesidad de mantenerse fiel a uno mismo, gracias al financiamiento del Fondo de la Música, línea Producción de Registro Fonográfico.

    A través de una lírica cercana, la canción aborda el conflicto entre las exigencias de la vida cotidiana y un mundo interior que se resiste a dejar de soñar. Más que retratar el agotamiento o la desmotivación, «La Verdad»reivindica la sensibilidad, la imaginación y la autenticidad como formas legítimas de habitar el mundo.

    Compuesta en 2019 a partir de una experiencia personal marcada por la incertidumbre y la búsqueda de un camino en la música, la obra habla de aceptar que no todas las personas viven la realidad de la misma manera. El insomnio, las dudas y la sensación de no encajar aparecen como parte de un proceso que también da origen a la creatividad, los sueños y las canciones.

    El sencillo recoge influencias de referentes como Los Tres, Mon Laferte, Natalia Lafourcade y Bloque Depresivo, construyendo una atmósfera cálida y nostálgica mediante guitarras acústicas y eléctricas, bajo, batería y armonías vocales que evocan la tradición de la balada latinoamericana con un enfoque contemporáneo.

    Escucha ya “La Verdad” en tu plataforma preferida.

  • Inundaremos lleva «tanquemante»a siete ciudades en su primera gira nacional

    Inundaremos lleva «tanquemante»a siete ciudades en su primera gira nacional

    Uno de los discos más destacados del circuito alternativo chileno del 2026 llegará a escenarios de Concepción, Temuco, Valparaíso, La Serena, Castro y Valdivia durante el mes de agosto, en un esperado tour que tendrá su broche de oro el 8 de octubre en Matucana 100, Santiago.

    Con un ímpetu más rockero y visceral, Inundaremos renovó sus votos con la música y entregó uno de los álbumes más comentados y aplaudidos de este primer semestre. Hoy, ese trabajo que consolidó la identidad sonora de la banda cobra una nueva dimensión al salir a la carretera en una primera gira nacional que, entre agosto y octubre, los llevará a presentarse enLa Serena, Valparaíso, Concepción, Temuco, Valdivia, Castro y Santiago.

    «Este nuevo disco tiene canciones mucho más enérgicas, que nos han llevado a estructurar un show que invita a saltar, gritar, bailar y llorar. Vamos a tocar todas las canciones de ‘tanquemante’, lo que representa un desafío porque están revestidas de numerosas capas sonoras, pero queremos llevar cada uno de esos elementos al escenario para ofrecer una experiencia a la altura del disco», señala el sexteto.

    Iniciando el 14 de agosto en Concepción, la gira seguirá el 15 del mismo mes en Temuco, el 21 en Valparaíso, el 22 en La Serena, el 26 en Castro y el 29 en Valdivia, para cerrar el 8 de octubre con un concierto especial en Matucana 100, en Santiago. En cada una de las ciudades, Inundaremos compartirá escenario con artistas locales y trabajará junto a sellos y colectivos que impulsan el desarrollo de la música independiente desde sus respectivos territorios.

    «Esperamos conocer más profundamente y conectar con nuestro público de distintas regiones, descubrir quiénes son y qué los identifica con nuestra música. También quisimos que esta gira se construyera junto a organizaciones que promueven el desarrollo de la escena musical en sus ciudades, como Wakala Music, Sello Leviatán, Humedales Secos, Colectivo Doble Cara, Sello Todo lo Contrario, Sello Peligroso y Festival Isla Sonora. Gracias a ese trabajo colaborativo podremos compartir escenario con artistas locales y vivir cada concierto en sintonía con la escena de cada ciudad. Estamos muy emocionados», detallan.

    La importancia de lo colectivo, de generar lazos, de encontrarnos y acompañarnos en la pena, en la ilusión, en la rabia y en el amor. Es que la calidez del hogar puede ser hermosa y reconfortante, pero el fuego que nace del diálogo inquieto, del baile con otros y de la búsqueda de respuestas en comunidad es el combustible que tenemos hoy para quemar el individualismo y las angustias que nos genera; y es también el motor de Inundaremos para encontrarle un sentido a todo esto. 

    Estrenado el 30 de abril, «tanquemante», con su combinación de indie rock, pop y neopsicodelia para abordar el derrumbe, abrió una nueva etapa para Inundaremos, permitiéndoles conectar con una audiencia mucho más extensa, tanto en Chile como en Perú, México, Argentina y España. Ese camino, construido a punta de crudeza, sensibilidad impostergable y una profunda búsqueda colectiva, se corona hoy ahora con esta primera gira nacional, que ya cuenta con los tickets disponibles a través de las redes de la banda. En el caso del concierto en Santiago, las entradas estarán disponibles próximamente a través de TicketPlus.

    «Este disco nos permitió llegar a personas con las que hoy sentimos un vínculo que va mucho más allá de la relación entre público y escenario. Esta gira es la oportunidad de encontrarnos con ellas y seguir construyendo esa comunidad», concluye la banda, confirmando que el verdadero destino de «tanquemante» nunca fue el estudio, sino el encuentro con quienes hoy hacen suyo el disco en cualquier lugar del mundo, buscando un poco de compañía. 

    ENTRADAS

  • 4 Eyed Bears consolida su identidad con «Sandworm», el nuevo sencillo inspirado en el universo de Dune

    4 Eyed Bears consolida su identidad con «Sandworm», el nuevo sencillo inspirado en el universo de Dune

    El dúo integrado por el chileno Benjamín Lechuga y el colombiano Martín González, ambos radicados en Estados Unidos, presenta el cuarto adelanto de su próximo EP, una composición que reafirma el lenguaje musical desarrollado por ambos durante el último año y marca un nuevo punto en la evolución del proyecto.

    Tras los lanzamientos de Fret Not, 4 Krazy, I Think It’s Time y Frostbite, 4 Eyed Bears presenta Sandworm, una obra que sintetiza los elementos que han definido su identidad: el uso de la guitarra eléctrica fretless como eje creativo, una escritura de fuerte desarrollo melódico y una interpretación de alta exigencia técnica puesta siempre al servicio de la composición.

    Inspirada en el universo de Dune, Sandworm no busca describir la historia de la saga, sino trasladar a la música la sensación de inmensidad, tensión y fuerza que caracteriza ese imaginario. El resultado es la composición más intensa del catálogo de 4 Eyed Bears hasta la fecha, con una estructura dinámica que alterna pasajes de gran precisión rítmica con secciones de mayor amplitud melódica, manteniendo un desarrollo continuo desde el inicio hasta el cierre.

    En esta oportunidad, el dúo suma además la colaboración de músicos provenientes de distintos ámbitos de la escena internacional. La batería estuvo a cargo de Cristóbal Orozco, reconocido por su trabajo tanto en el rock y metal progresivo como junto a artistas de alcance internacional. La cantante Aliice participa aportando una intervención vocal que amplía el desarrollo y la intensidad de la canción, mientras que Josh Plotner incorpora el sonido del duduk, instrumento tradicional de origen armenio que ha llevado a escenarios de todo el mundo como integrante de la gira Hans Zimmer Live. Estas colaboraciones se integran de forma natural a la escritura de la obra, reforzando su carácter cinematográfico sin alterar la identidad que 4 Eyed Bears ha construido desde sus primeros lanzamientos.

    Más que explorar las posibilidades de la guitarra fretless, el sencillo confirma una forma de escribir música que comienza a ser reconocible dentro del rock y metal progresivo instrumental. En ese proceso, Benjamín Lechuga y Martín González han construido una identidad basada en el diálogo instrumental, con precisión interpretativa y prolijidad en la producción, alejándose de la idea del virtuosismo como un fin en sí mismo.

    Mientras Lechuga desarrolla un trabajo expresivo poco habitual en la guitarra sin trastes, González aporta una visión complementaria desde una orientación más actualizada y moderna al resultado musical. Esa colaboración se ha convertido en uno de los principales sellos de 4 Eyed Bears y encuentra en Sandworm una de sus expresiones más completas.

    El sencillo forma parte del próximo EP del dúo, una obra concebida como un conjunto de composiciones conectadas entre sí, donde cada lanzamiento representa un capítulo de una misma línea creativa. En ese contexto, Sandworm consolida el carácter del proyecto y anticipa el cierre de un trabajo que continúa definiendo la identidad artística de 4 Eyed Bears.

    Con Sandworm, 4 Eyed Bears deja de presentar únicamente nuevos sencillos y comienza a revelar el alcance de una obra concebida como un conjunto. Cada lanzamiento aporta una nueva dimensión a un lenguaje que hoy se percibe definido y coherente, consolidando una identidad propia y fortaleciendo el posicionamiento del dúo dentro del circuito internacional del rock y metal progresivo instrumental.

  • Alicia y Las Hormigas inicia un nuevo ciclo con el sencillo «La tentación»

    Alicia y Las Hormigas inicia un nuevo ciclo con el sencillo «La tentación»

    La banda porteña presenta el primer adelanto de su próximo álbum, una canción que retoma la fuerza de la interpretación en vivo y transforma una experiencia de desamor en un relato sobre la posibilidad de seguir adelante.

    Después de un año dedicado a los escenarios, la composición y el desarrollo de un nuevo espectáculo en vivo, Alicia y Las Hormigas regresa con «La tentación», el primer adelanto de un proyecto que marcará el inicio de su segundo álbum de estudio. Más que un regreso, el sencillo presenta una evolución natural en la identidad de la banda: una propuesta que recupera la fuerza de la interpretación colectiva y la organicidad de sus primeros años desde la experiencia acumulada en el camino.

    Ese nuevo equilibrio también se escucha en la canción. Mientras las estrofas avanzan con un tono íntimo y narrativo, los coros liberan toda la energía del grupo a través de guitarras, bronces y un pulso funk que dialoga con el pop contemporáneo. Sin renunciar a la exploración sonora de sus lanzamientos recientes, Alicia y Las Hormigas vuelve a poner el acento en los músicos tocando juntos, privilegiando la emoción de la interpretación por sobre la producción digital.

    Más que un nuevo lanzamiento, «La tentación» también inaugura una forma distinta de crear para la banda. Durante el último año, Alicia y Las Hormigas decidió priorizar los escenarios por sobre el estudio, consolidando su propuesta en vivo con presentaciones en Rockódromo, el ciclo Fabricante de Canciones, que reunió a proyectos como Denver y Tunacola, y su primera visita a México en 2026. Esa experiencia terminó influyendo directamente en el proceso creativo: las salas de ensayo y el estudio de grabación volvieron a ocupar un lugar central, privilegiando el trabajo colectivo y la interpretación en vivo como punto de partida para las nuevas canciones.

    «Sentíamos que era el momento de volver al estudio desde otro lugar. Queríamos tocar más, ensayar más y dejar que las canciones crecieran entre los músicos. Los bronces vuelven a tener un lugar importante y esa búsqueda probablemente marcará todo lo que viene en este nuevo disco», comenta Vicente Bronstein.

    «La tentación» nace de una experiencia real de infidelidad. Sin embargo, lejos de instalarse en el dolor, transforma esa vivencia en un relato sobre la posibilidad de sanar. La canción atraviesa la incertidumbre, la rabia y la tristeza antes de desembocar en un coro liberador que invita a dejar atrás la culpa y recuperar el disfrute.

    «Hace unos años viví una infidelidad y esa experiencia terminó convirtiéndose en el punto de partida de esta canción. Sabemos que es algo que le puede pasar a cualquiera, pero también queríamos transmitir que, por doloroso que sea, siempre existe la posibilidad de seguir adelante, volver a disfrutar y entender que uno no tiene la culpa de las decisiones de otras personas. Ese recorrido emocional es el corazón de ‘La tentación’», agrega Bronstein.

    Compuesta por Vicente Bronstein y escrita por Alicia Bronstein, «La tentación» fue producida por Escesounds, Sebastián Cancino y Alicia y Las Hormigas; la mezcla estuvo a cargo de Sebastián Cancino y la masterización de Francisco Holzmann. Las guitarras fueron interpretadas por Sergio Cortés, mientras que la sección de bronces estuvo integrada por Francisco Quilaqueo, Christian Dorner y Elías Febres.

    Formada en Valparaíso, Alicia y Las Hormigas ha construido una identidad que cruza pop, funk y música bailable, consolidando una propuesta donde la energía del escenario y la interpretación colectiva ocupan un lugar central. Tras la publicación de CLAN! y del EP Arresto Discotecario, la banda comienza ahora el camino hacia un segundo álbum previsto para 2027, del que «La tentación» representa su primer adelanto.

    Disponible en plataformas digitales. Sigue a Alicia y las Hormigas en Instagram.