El artista veracruzano SAVIOR presenta “AFTERMATH”, su primer proyecto de larga duración, un álbum de 10 canciones construido desde la crudeza del Hip-Hop, la introspección y la necesidad de narrar las complejidades de la vida cotidiana desde la mirada de un chico del sur de México.
Durante su paso por el underground y por el crew del que formó parte, SAVIOR fue testigo de realidades crudas, dinámicas complejas y situaciones que chocaban con sus ideales. Lo que en un principio nació del deseo de crear música, ser escuchado y conectar con personas desde la cultura Hip-Hop, terminó convirtiéndose en un proceso emocionalmente difícil.
El álbum toma su nombre de esa experiencia.
“AFTERMATH” significa “secuelas”, y en este proyecto representa todo aquello que queda después de vivir situaciones intensas, aprender del barrio, cargar con tensiones internas y tratar de recuperar el propio rumbo.
A través de sus 10 canciones, el proyecto busca transmitir el peso del barrio, el costo de las lecciones aprendidas y las complejidades internas que muchas personas enfrentan al intentar sobrevivir al día a día.
“AFTERMATH” ya se encuentra disponible en plataformas digitales.
La artista camerunesa-chilena presenta el último capítulo visual de su álbum debut, una pieza que transforma el amor propio, la independencia y la identidad multicultural en una celebración llena de ritmo.
Zenah presenta el visualizer de «SOLA«, el capítulo final del universo visual de MANGO, su primer álbum de estudio. La canción marca el desenlace más luminoso y expansivo del proyecto, cerrando un recorrido emocional que transita por la apatía, el deseo, la desilusión, el dolor y la vulnerabilidad para desembocar en un lugar de libertad, plenitud y reconciliación con una misma.
«SOLA» reúne algunos de los elementos que mejor definen la identidad artística de Zenah. La canción fusiona afrobeat, dancehall, salsa y pop urbano, integrando percusiones africanas, guitarras rítmicas, trompetas y una energía festiva que invita al movimiento. El resultado es una propuesta donde conviven de manera natural sus raíces entre Camerún y Chile, así como el francés, el español y el inglés, reflejando una identidad multicultural que atraviesa toda su obra.
La letra retrata a una mujer que disfruta de su propia compañía, que baila sola por elección y no por falta de opciones. Es una declaración sobre la independencia, el amor propio y la posibilidad de construir una vida plena desde la autenticidad, celebrando el encuentro con una misma después de atravesar distintos procesos emocionales.
Zenah ha construido una propuesta que fusiona pop urbano, influencias afro, R&B y ritmos globales. A través de composiciones en español, francés e inglés, desarrolla un universo artístico donde el cuerpo, el ritmo y la honestidad emocional ocupan un lugar central.
Durante todo el mes de julio, el trío chileno LAIA ha recorrido distintos escenarios de Europa presentando “Voy”, su más reciente álbum de estudio, consolidando una gira que las ha llevado por Madrid, Valencia, Toulouse, Montpellier, París y que culminará este 16 de julio en Barcelona, una ciudad que ya las había recibido anteriormente y con la que mantienen un vínculo especial.
Lanzado hace apenas dos meses, Voy marca una nueva etapa para LAIA. El disco refleja una evolución artística hacia un sonido más cercano al pop, sin dejar de lado la identidad que ha acompañado al proyecto desde sus inicios: las armonías vocales de las hermanasSofía, Laura y Manuela Squella, sello que continúa sorprendiendo y cautivando a públicos de distintas latitudes.
A lo largo de esta gira, el grupo no solo ha presentado las nuevas canciones de Voy, sino también parte del repertorio que ha construido durante su trayectoria con repertorio latinoamericano. En cada ciudad, el recibimiento del público ha superado las expectativas, con salas llenas de nuevas audiencias que se han acercado a conocer más sobre la banda, adquirir sus discos y compartir su entusiasmo tras cada presentación.
«Ha sido un sueño recorrer estas hermosas ciudades, viajar y conocer gracias a nuestra música. Y aún más emocionante ha sido que el recibimiento de la gente sea tan acogedor. En cada concierto se nos acerca gente para felicitarnos, preguntarnos más sobre nosotras, nos compran discos, nos dejan sus comentarios y se van felices. ¿Qué mejor?», comenta Sofía Squella, la mayor de las tres hermanas e intérprete de las voces más agudas del trío.
Con el cierre de esta exitosa gira europea, LAIA regresará a Chile para preparar uno de los hitos más importantes de esta nueva etapa: el re lanzamiento en vivo de Voy, que se realizará el sábado 3 de octubre en el Centro Cultural GAM, un concierto que reunirá el nuevo repertorio del álbum junto a las canciones que han marcado el camino de la agrupación durante los últimos años.
Tras una gira que reafirma el creciente interés internacional por su propuesta, LAIA continúa expandiendo su alcance, llevando la música chilena a nuevos escenarios y consolidando una identidad artística que hoy encuentra en Voy un nuevo punto de partida.
Alexisonfire para mí no es una banda que se pueda reducir solo a discos. Es una experiencia completa entre lo emocional, lo técnico y lo físico. Y eso lo entendí con el tiempo: primero escuchándolos desde el primer disco, después viendo cómo evolucionaban en Watch Out! y Crisis, y finalmente cuando los vi en vivo en Chile, en ese Lollapalooza donde el sonido fue crudo, directo, sin adornos… casi como si la banda no necesitara explicarse, solo impactar.
Ahí entendí algo que después se me hizo más claro al volver a sus discos: Alexisonfire no busca equilibrio perfecto, busca tensión constante.
El primer disco es la banda en estado más salvaje. Todo es más punk, más hardcore, más desbordado. No hay tanto control, pero sí mucha identidad en construcción. Es el sonido de una banda que todavía no sabe hasta dónde puede llegar, pero ya está empujando fuerte.
Después viene Watch Out!, que para mí siempre fue el punto donde empiezan a ordenar ese caos. Es un disco mucho más pensado en dinámica. Ahí Dallas Green empieza a ser clave no solo como contraste, sino como estructura emocional del álbum. Su voz no es solo “la parte bonita”, es el eje que equilibra todo lo demás. Por eso este disco suena más accesible, más redondo, y probablemente también es el que los empieza a posicionar con más fuerza fuera del circuito más duro del post-hardcore.
Pero Crisis es otra historia. Ese es el disco donde ya no están buscando cómo sonar. Ya lo saben. Ya encontraron su forma.
Desde lo técnico, es impresionante cómo logran sostener tres identidades vocales completamente distintas sin que el disco se rompa. George Pettit no es solo grito: en Crisis empieza a tener un enfoque más narrativo, casi hablado en algunos momentos, como si estuviera describiendo escenas desde la rabia. Wade MacNeil es el filo punk más sucio, el golpe directo, el lado más crudo y sin filtro. Y Dallas Green es la apertura total: la dimensión melódica, emocional y atmosférica que le da profundidad al resto.
Lo interesante es que en Crisis ya no se sienten como tres vocalistas separados, sino como un solo sistema emocional dividido en tres expresiones.
Y ahí aparecen los singles que para mí definen el salto de la banda.
“This Could Be Anywhere in the World” es el punto donde Alexisonfire se masifica sin perder identidad. Es probablemente la canción más “accesible” del disco, pero no en el sentido de suavidad, sino en el sentido de estructura: tiene un riff claro, un coro memorable dentro del caos, y una energía que conecta más allá del nicho. Es el tema que los abre a un público más grande.
“Boiled Frogs” es lo contrario: es el impacto físico, la descarga directa, la versión más agresiva del disco en formato canción. Es Alexisonfire en modo frontal, sin espacio para interpretación emocional compleja: es golpe.
Y “Rough Hands” es el cierre total. Ahí Dallas toma el control emocional absoluto del disco y lo desarma. Es íntimo, lento, casi frágil comparado con todo lo anterior. Y justamente por eso funciona: después de tanta tensión, te deja en silencio.
Desde lo técnico-musical, Crisis también se siente más rockero de lo que su etiqueta de post-hardcore sugiere. Hay estructuras más claras, dinámicas más limpias, incluso momentos que podrían convivir con el rock alternativo, pero siempre filtrados por distorsión, crudeza y una sensación constante de colapso contenido. Es un disco que suena a punto de romperse, pero nunca se rompe.
Y eso conecta directamente con lo que viví en vivo. Porque cuando los vi en Lollapalooza, entendí que Alexisonfire no es una banda de perfección, es una banda de presencia. El sonido era directo, sin maquillaje, casi agresivo en su forma de ocupar el espacio. No era un show “bonito”, era un show físico. Y eso hace que después escucharlos en estudio cambie completamente la percepción: ya no los escuchas como canciones, los escuchas como descarga.
Hoy, con todo lo que significa Crisis en su historia, y con esta gira de aniversario donde lo están tocando completo, la sensación es aún más fuerte. Porque no es solo nostalgia. Es ver a una banda revisitando el punto exacto donde se consolidaron, donde dejaron de ser una promesa y pasaron a ser referencia.
Y ahí es donde nace esa mezcla rara entre emoción y admiración técnica: Crisis no es el disco más “bonito” ni el más fácil de escuchar, pero sí es el más coherente con lo que Alexisonfire es en vivo. Es tensión constante, es contraste, es impacto.
Para mí, Alexisonfire no es solo una banda que escucho. Es una banda que se siente. Y Crisis es el disco donde esa sensación se vuelve identidad completa.
El artista chileno Simon Collyer, conocido artísticamente como Saimon Bass, se prepara para estrenar “Otra Noche Juntos” el próximo 10 de julio, un sencillo que reafirma una de las características más distintivas de su propuesta: la capacidad de transitar entre distintos estilos musicales sin perder una identidad propia, emotiva y profundamente conectada con el ritmo.
“Otra Noche Juntos” nace desde una experiencia personal, una fuente creativa recurrente dentro del universo compositivo de Saimon Bass.
Para el artista, la inspiración aparece a partir de las emociones y de aquellas historias cotidianas capaces de convertirse en canciones honestas y cercanas.
La producción se desarrolló en Siembra Estudio, espacio donde actualmente trabaja y desarrolla gran parte de su música. A diferencia de otros procesos creativos, esta canción comenzó desde una base rítmica, una dinámica poco habitual dentro de su forma de componer.
Más allá de la pista de baile, Saimon Bass apuesta por crear música auténtica, honesta y llena de groove, canciones que nacen desde la experiencia propia y que encuentran su fuerza en aquello que todos, de una u otra forma, hemos vivido.
“Canciones con groove pa’l alma”, como él mismo las define.
El cantautor chileno Tiann continúa dando a conocer su proyecto artístico con “Astronauta”, su primer sencillo, una canción que nace desde uno de los temores más universales: enfrentarse a la incertidumbre y encontrar el valor para avanzar incluso cuando no existen todas las respuestas.
Su relación con la música comenzó a los 14 años, cuando empezó a escribir sus primeras canciones. Durante mucho tiempo, esas composiciones permanecieron en el ámbito privado, convirtiéndose en un espacio íntimo donde podía ordenar sus pensamientos, comprender sus emociones y encontrar una forma de mirar hacia adentro.
Con el paso de los años, comprendió que escribir canciones también era una manera de resistirse a una vida vivida en automático y volver a aquello que considera esencial: la ternura, la honestidad, la vulnerabilidad y el amor.
La decisión de compartir su música llegó tras mudarse a Concepción junto a su esposa. Fue en esa ciudad donde encontró una comunidad de músicos, colaboradores y personas que le hicieron comprender que sus canciones también podían resonar en otros.
Más que un impulso personal, ese proceso terminó convirtiéndose en el inicio de un proyecto artístico construido desde la colaboración, la cercanía humana y la convicción de que la música también puede convertirse en un espacio de encuentro.
Musicalmente, Tiann desarrolla una propuesta que transita entre la canción de autor y el folk-pop acústico, influenciado por artistas como Jorge Drexler, Ismael Serrano, Benjamín Walker y Tata Barahona, referentes que le demostraron que una canción puede ser sencilla en su forma, pero profundamente significativa en su emoción y narrativa.
Hoy define su propuesta como una introspección cálida: canciones honestas sobre la vida adulta, la nostalgia, la ansiedad y la importancia de detenerse a sentir en medio del ruido cotidiano. Sobre el escenario, complementa cada interpretación narrando historias, compartiendo reflexiones o incluso declamando poesía, convencido de que una canción termina de abrirse cuando el público conoce la emoción que le dio origen.
La nueva colaboración fue grabada en Notable Productions, Watertown, Massachusetts, bajo la producción de Daniel Cantor.
El cantautor chileno Nicolás Emden lanza este viernes 26 de junio «Volantín», su nueva colaboración junto al músico chileno Nano Stern. La canción fue grabada en Notable Productions, en Watertown, Massachusetts, bajo la producción de Daniel Cantor, productor con más de 35 años de trayectoria y profesor asociado en Berklee College of Music.
«Volantín» toma su nombre de la palabra usada en Chile para referirse a un volantín o cometa. La canción habla de un volantín que vuela libre por los cielos del mundo durante años, sin estar conectado a nadie ni a nada en el suelo.
«Volantín es una canción para todas esas cosas que mantienen nuestras esperanzas vivas en los momentos más difíciles, aun cuando a veces no podemos alcanzarlas», cuenta Emden.
«Trabajar con Nano para mí fue un tremendo aprendizaje, no solo por su tremendo talento y aporte a nuestra canción, sino, por sobre todo, por su calidad humana y visión de este oficio maravilloso que tenemos de ser artistas».
Nano Stern y Nicolás Emden ya han compartido escenario anteriormente, incluyendo una presentación en Club Passim, Cambridge, en febrero de 2025. Esta colaboración marca su primer trabajo juntos en estudio.
«Volantín» ya esta disponible en todas las plataformas.
El trabajo reúne distintos momentos de una misma historia: la de una mujer que aprende a validarse a sí misma, transforma la incertidumbre en fortaleza y entiende que la confianza también se construye.
Después de una serie de lanzamientos que han consolidado su línea musical, Fran Mazu presenta PRIME, una apuesta que marca una declaración de principios y da el puntapié inicial de la nueva etapa creativa que desembocará en su próximo álbum.
En lugar de lanzar sencillos aislados, la artista reunió cuatro canciones que dialogaban entre sí para construir un relato propio. Así nació PRIME, un EP pensado como una pieza conceptual que presenta el universo creativo de la nueva etapa de Fran Mazu.
Más que un concepto estético, esta grabación nace como una necesidad personal. En medio de cambios importantes –independizarse, dejar su trabajo fuera de la música y negociar con un sello–, la cantautora encontró en estas canciones una forma de reencontrarse con su identidad.
Estaba conociéndome, equivocándome y disfrutando el proceso. Estas canciones nacieron justamente de eso: de entender que incluso en los momentos más desordenados uno puede encontrarse a sí misma». (Fran Mazu)
Dicho proceso también significó volver a las referencias que marcaron su infancia y adolescencia, recuperando una versión más genuina de sí misma para construir el siguiente capítulo de su carrera. En lo sonoro, esa búsqueda se traduce en influencias del sonido dosmilero y el pop latino que acompañaron esos años.
Cada canción del EP representa una faceta distinta de ese proceso. «En Mi Prime» funciona como una manifestación de la versión de sí misma que busca alcanzar; «Si a Todo» captura la intensidad de vivir sin frenos y entregarse por completo a las experiencias; «Amor Virtual» nace desde la curiosidad de explorar nuevas formas de conocer personas en la era digital; mientras que «Estoy Ocupada» se convierte en un himno de independencia, inspirado en la decisión de poner límites frente a una relación que dejó de hacer sentido.
«Hoy me siento muy segura de lo que estoy haciendo. Tengo claro quién soy, hacia dónde quiero llevar mi proyecto y espero que este EP también pueda acompañar a quienes estén comenzando una nueva etapa o buscando su mejor versión». (Fran Mazu)
PRIME muestra esa construcción de identidad artística, donde las experiencias personales, la exploración sonora y la búsqueda constante de crecimiento se transforman en canciones capaces de conectar con quienes atraviesan procesos similares.
La nueva obra, dividida en tres movimientos, adelanta el universo conceptual de Autoinmune, el sexto álbum del músico y productor chileno.
El guitarrista, cantante, compositor y productor musical chileno Jerry Reckless estrena «Tragaluz«, una de las piezas centrales de su próximo álbum Autoinmune. Con una estructura de larga duración inspirada en las grandes composiciones del rock progresivo de los años setenta, la obra propone un recorrido emocional por las distintas etapas del duelo, transitando desde el sufrimiento hasta la aceptación.
Dividida en tres movimientos, I: Rendido a la razón, II: Recepción Final y III: Ausencia, «Tragaluz» desarrolla una narrativa musical que combina pasajes contemplativos, momentos de alta intensidad y cambios de atmósfera característicos del rock progresivo y el math rock, construyendo una experiencia inmersiva y profundamente introspectiva.
La inspiración detrás de la composición nace de un tragaluz en la casa del artista. Antes de que el segundo piso fuera retirado para dar paso a la nueva estructura, ese reducido e incómodo rincón se transformó en un refugio creativo donde Jerry Reckless encontró el silencio necesario para meditar, ordenar sus pensamientos y dar forma a la obra.
Grabada en Kipirk Audio Engineering Studios y producida por el propio JerryReckless, «Tragaluz» forma parte de Autoinmune, el sexto álbum de estudio del artista y su primer trabajo inédito tras su regreso a la música en 2025. Un retorno que fue anticipado por el documental Rev25 y el recopilatorio Variables Complejas – Lo mejor de Jerry Reckless, lanzamientos que marcaron el inicio de una nueva etapa creativa. Desde finales de 2025, el músico ha llevado este nuevo repertorio a los escenarios con la Inmunoglobulinas Tour 2025/2026, reafirmando su regreso frente al público.
«Tragaluz» ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales.
Con un inédito disco en su haber, la agrupación iniciará la gira más ambiciosa de su corta trayectoria. El recorrido incluirá el estreno en Chile de un renovado espectáculo de gran formato, el regreso a México y, por primera vez, su llegada a Argentina.
Tras consolidarse como una de las propuestas más destacadas de la música popular chilena, Catalina y Las Bordonas de Oro abre un nuevo capítulo en su carrera: La alegría de los que lloran, el nombre de su próximo disco y también de la gira que la banda anuncia para el último trimestre de este año.
Su paso por México marcará un reencuentro con el público que ha acompañado el crecimiento internacional del proyecto, mientras que Argentina recibirá por primera vez al grupo. Posteriormente, la gira aterrizará en diferentes ciudades de Chile, donde la banda estrenará una nueva propuesta escénica, la más grande hasta la fecha.
Catalina y Las Bordonas de Oro aterrizará en puntos estratégicos de nuestro país con un formato inédito: un espectáculo concebido especialmente para teatros con un show de larga duración y una puesta en escena completamente renovada. Luces, vestuarios, arreglos musicales y narrativas conceptuales atravesarán cada concierto de principio a fin; será un despliegue artístico que representa un importante salto en la historia de la banda.
«Estamos preparando por primera vez un concierto pensado para espacios donde la gente va a ver y escuchar el espectáculo. Pensamos en una experiencia para emocionarse hasta las lágrimas y terminar bailando. Cada canción tiene un sentido dentro del concierto”. (Catalina Plaza).
El repertorio combinará canciones de este próximo trabajo discográfico con los boleros y clásicos de la música popular latinoamericana que han definido la identidad de Catalina y Las Bordonas de Oro. Se ofrecerá un concierto pensado tanto para quienes han seguido su trayectoria como para quienes se acercan por primera vez a su propuesta.
La gira también reafirma uno de los principales compromisos del proyecto: llevar la música más allá de Santiago, acercando un gran formato donde habitualmente existen menos instancias para estas producciones. A través de este recorrido, el conjunto pasará por Valparaíso, La Serena, Concepción, Temuco, Rancagua y Punta Arenas.
«Hace un año no imaginábamos poder realizar una gira de estas características. Mover un equipo de esta dimensión por distintas regiones es un desafío enorme, pero también es el anhelo de llevar un hermoso espectáculo a todos los lugares posibles”. (Catalina Plaza).
Con estos conciertos enmarcados en el próximo lanzamiento de «La alegría de los que lloran»,Catalina y Las Bordonas de Oro proyecta un crecimiento exponencial y se sitúa como uno de los proyectos de mayor desarrollo de los últimos años.
