Con el recuerdo de lo que fue la potente presentación del grupo Solteronas En Escabeche siguen los lanzamientos del compilado “En Vivo en Woodstaco 2018”, disco que agrupa los registros sonoros de lo que fue aquel legendario festival que celebró en aquel año su décimo aniversario en La Montaña de Teno.
En dicha ocasión, el alucinante trío capitalino aterrizó en la precordillera del Maule listo para volar las más de cuatro mil cabezas que se congregaron en medio de la naturaleza, donde entregaron lo mejor de su feroz psicodelia progresiva con guitarra de palo.
De ese show se rescató “Compraventa”, canción del disco “Puro Circo Vol. 1” con un ritmo urgente y aumentado por la alta energía que caracteriza a Solteronas En Escabeche en vivo. Un momento inolvidable que ahora se puede revivir con este compilado, salido de los archivos de Woodstaco.
Sobre esta presentación, desde la producción del festival recordaron que “un momento muy esperado fue el turno de Solteronas en el Escenario Rock. Ellos ya habían anticipado un concierto especial para el décimo cumpleaños del festival y no decepcionaron, dando espacios para la contemplación y la liberación furiosa en el mosh que solo ellos saben combinar, en un torbellino sonoro que el público gozó con todo”.
Esta versión de “Compraventa”, al igual que el resto de los singles del histórico archivo sonoro que integran el compilado “En Vivo En Woodstaco 2018”, ya puede escucharse en todas las plataformas de streaming.
Mientras Bad Bunny continúa arrasando con su gira mundial DeBÍ TiRaR MáS FoToS World Tour y agota entradas en cada ciudad que visita, una inesperada polémica legal podría convertirse en uno de los temas más comentados de esta nueva etapa de su carrera.
La emblemática «Casita» que forma parte central de la escenografía de sus conciertos y que se ha transformado en uno de los símbolos más reconocibles del espectáculo enfrenta ahora un complejo conflicto judicial. Roman Carrasco Delgado, un puertorriqueño de 84 años y propietario de la vivienda real que inspiró la estructura utilizada por el artista, presentó una demanda contra Bad Bunny reclamando una indemnización de 6 millones de dólares por el supuesto uso no autorizado de la imagen de su propiedad.
La denominada «Casita» no solo es uno de los elementos visuales más llamativos de la gira, sino también uno de los espacios más exclusivos del show. Durante cada presentación, un reducido grupo de invitados seleccionados directamente por el equipo del cantante tiene acceso a este lugar privilegiado, convirtiéndolo en una experiencia altamente codiciada tanto por fanáticos como por celebridades.
Sin embargo, detrás de la colorida construcción existe una historia mucho más profunda. La casa original se encuentra en Humacao, Puerto Rico, y representa la arquitectura tradicional de los barrios puertorriqueños. Su imagen fue utilizada por Bad Bunny durante la promoción y lanzamiento de DeBÍ TiRaR MáS FoToS, un trabajo que ha destacado precisamente por su fuerte vínculo con la identidad cultural de la isla.
Según los antecedentes del caso, Carrasco habría autorizado inicialmente el uso de la vivienda para una pieza audiovisual específica vinculada al lanzamiento del álbum. No obstante, el propietario sostiene que dicho acuerdo no contemplaba la explotación comercial de la imagen en conciertos, giras internacionales ni otras actividades asociadas a la generación de ingresos.
La demanda argumenta que la reproducción de la casa como elemento central de una producción global excede los límites del permiso originalmente concedido. Por ello, el propietario busca una compensación económica millonaria por el presunto incumplimiento de las condiciones pactadas.
Hasta ahora, ni Bad Bunny ni su equipo han emitido declaraciones oficiales respecto al proceso judicial. Mientras tanto, la controversia sigue creciendo en medio del enorme éxito de una gira que ha logrado convertir una sencilla casa puertorriqueña en uno de los símbolos más reconocibles de la música latina actual.
De prosperar la acción legal, el caso podría abrir un interesante debate sobre los derechos de imagen de propiedades privadas y el uso comercial de elementos culturales y patrimoniales dentro de grandes producciones musicales internacionales.
La rapera se presentará en Valdivia y Osorno junto a DJ Web.
Tras un exitoso paso por Concepción, Temuco y Villarrica, la rapera y actriz chilena Irina Doom dio inicio a la Gira Soberana, su primera circulación por el sur de Chile, un recorrido que la llevará a presentarse también en Valdivia y Osorno junto a DJ Web. Esta gira se enmarca en la difusión de su más reciente proyecto musical, Soberana, consolidando una propuesta artística que cruza hip hop, performance y una potente puesta en escena.
Con más de una década de trayectoria en la escena independiente, Irina Doom ha desarrollado un lenguaje propio que integra música, actuación y teatralidad. Su trabajo se caracteriza por una lírica directa, una estética contundente y una mirada crítica en torno al cuerpo, la identidad, la resistencia y el lugar de las mujeres dentro de la cultura urbana.
La Gira Soberana contempla una serie de presentaciones que acercarán al público del sur una experiencia escénica intensa, donde la música se entrelaza con elementos performáticos y una narrativa visual coherente con el universo de la artista. Cada show, de aproximadamente una hora de duración, incluirá canciones de Soberana junto a parte de su repertorio anterior, dando cuenta de la evolución de su propuesta.
Soberana profundiza en la búsqueda artística de Irina Doom, transitando entre la fuerza, la vulnerabilidad y la afirmación personal. A través de este trabajo, la artista instala una voz singular dentro del rap chileno contemporáneo, posicionándose como una figura capaz de transformar el escenario en un espacio de expresión, confrontación y belleza.
Más allá de lo musical, la Gira Soberana busca fortalecer la circulación de propuestas independientes en regiones, generar vínculos con escenas locales y abrir nuevos espacios para proyectos liderados por mujeres dentro del hip hop nacional. La iniciativa se plantea como una instancia de encuentro con públicos, medios, espacios culturales y comunidades creativas del sur de Chile.
“Esta gira representa un paso muy importante en el camino de Irina Doom. Es la posibilidad de llevar Soberana a nuevos territorios, encontrarse con públicos del sur y fortalecer una red de circulación independiente para una propuesta que viene creciendo con mucha fuerza”, señala la producción de la gira.
La circulación contará con el trabajo colaborativo de gestores, espacios y equipos locales en cada ciudad, reforzando una lógica de descentralización cultural y articulación territorial.
Sobre Irina Doom
Irina Doom es una rapera y actriz chilena con una extensa trayectoria en la escena independiente. Su propuesta cruza hip hop, performance y teatralidad, construyendo un universo artístico donde la palabra, el cuerpo y la puesta en escena son fundamentales. Con Soberana, la artista consolida una etapa creativa marcada por la fuerza escénica, la autonomía y una voz femenina potente dentro del rap chileno.
Nota por Mattias Churruca.Reportera Amanda Fuenzalida.Fotografías por Sebastián lopez.
Una vez más estuvimos presentes en los PremiosPulsar, la ceremonia más importante de la música chilena, que dio inicio a su edición 2026 con una destacada Gala Inaugural realizada la noche del jueves 4 de junio en la Sala SCD Plaza Egaña.
La jornada reunió a artistas, compositores, productores, medios de comunicación y representantes de la industria en una ceremonia que destacó por su impecable organización y un evidente crecimiento en términos de producción respecto a años anteriores. Cada detalle estuvo cuidadosamente coordinado, dando forma a una velada elegante, dinámica y a la altura de la relevancia que hoy tiene este reconocimiento para la música nacional.
La actividad comenzó cerca de las 19:30 horas con una concurrida alfombra roja que convocó a decenas de medios acreditados y figuras de la escena local como Princesa Alba, Manuel García y HesseKassel, entre muchos otros artistas que llegaron para ser parte de la primera jornada de premiación.
Uno de los momentos más destacados de la noche estuvo a cargo de una emotiva e impecable conjunción de guitarras liderada por HoracioSalinas junto a RomilioOrellana, MartínSilva y MiguelMolina. Los músicos presentaron una pieza especialmente creada para la ocasión, inspirada en el legado de La Nueva Canción Chilena, a esto se sumó las presentaciones de Decessus y Papanegro.
La conducción estuvo a cargo de Ignacio Franzani, acompañado por distintos invitados encargados de anunciar las categorías y ganadores de la noche. Entre los primeros reconocimientos destacaron Claudio como Mejor Álbum Jazz; Chola y Gitano en la categoría Mejor Álbum de Fusión y Raíz Latinoamericana; Martín Letelier como Mejor Compositor de Música Clásica; y Dindi Jane, quien obtuvo el premio a Mejor Álbum Balada o Música Romántica por Debut & Despedida.
Por su parte, Mon Laferte fue reconocida como Intérprete Vocal del Año, mientras que el Premio a la Difusión de la Música de los Pueblos Originarios recayó en Carmen Curical, Manuel Huichao y Freddy Chávez. En el ámbito audiovisual, Pablo Ilabaca y Martín Benavides fueron distinguidos como Mejores Compositores de Música Incidental para Audiovisuales por su trabajo en la película 31 Minutos: Calurosa Navidad.
La ceremonia también reconoció a Francisco Victoria como Mejor Productor Musical, mientras que Ilusiones Ópticasde Mapocho Orquesta obtuvo el premio a Grabación del Año gracias al trabajo realizado por Juan Pablo Quezada. En tanto, Antonio Villamandos se quedó con el galardón a Mejor Videoclip por Tímida de Chini.png, y Jorge Leiva fue premiado en la categoría Mejor Publicación Musical Literaria por su libro Víctor Jara. 150 Canciones y Un Poema. Grabaciones 1957-1973.
Más allá de los premios, la Gala Inaugural volvió a demostrar la importancia de generar espacios que reconozcan y proyecten el trabajo de músicos, compositores y profesionales que forman parte del ecosistema musical chileno. Una primera jornada que dejó una excelente impresión y que confirma el positivo momento que atraviesa la principal celebración de la música nacional.
La primera vez que escuché este disco me gustó. La décima vez empecé a entender lo que estaba pasando. Y veinte años después todavía sigo descubriendo cosas nuevas.
Lo he escuchado muchas veces y sigo encontrando detalles nuevos. Y quizás eso es lo que más me impresiona: la capacidad que tiene este álbum para esconder su complejidad.
Porque técnicamente es un disco muy elaborado.Hay cambios de tempo, transiciones constantes, arreglos que aparecen y desaparecen, capas de sintetizadores, guitarras procesadas, líneas de bajo muy creativas y una batería que en varios momentos hace cosas realmente notables. Sin embargo, nada de eso parece estar ahí para demostrar virtuosismo.
Todo está al servicio de la canción y eso es extremadamente difícil de lograr. Muchas bandas cuando intentan ser complejas terminan sonando complejas. El oyente nota el esfuerzo. Aquí ocurre lo contrario. Los cambios suceden de manera tan natural que muchas veces pasan desapercibidos. La canción simplemente sigue avanzando y recién después de varias escuchas te das cuenta de todo lo que estaba ocurriendo debajo de la superficie.
Es como observar una pintura de lejos y descubrir, al acercarte, que está llena de detalles ocultos.
La interacción entre batería, bajo y guitarra es una de las cosas que más disfruto del disco. Hay momentos donde pareciera que cada instrumento está recorriendo su propio camino, pero de alguna manera todo converge exactamente donde debe hacerlo.
Y cuando encima aparecen esas capas de sintetizadores y ambientes, el resultado adquiere una profundidad enorme sin perder claridad. Nunca se siente saturado.Nunca se siente excesivo.Todo tiene espacio.
Pero si hay algo que termina de darle identidad a Mew es la voz de Jonas Bjerre.Sinceramente, me cuesta imaginar a otro cantante interpretando estas canciones.Su voz tiene algo frágil y etéreo, casi infantil por momentos, pero al mismo tiempo transmite una melancolía muy particular. Es el elemento que une todas las piezas del rompecabezas. Con otro vocalista, probablemente seguirían siendo buenas canciones, pero no serían Mew.La voz encaja de forma perfecta con el universo sonoro que construye la banda.Y eso no es algo que ocurra todos los días.
Lo que más valoro de And The Glass Handed Kites es que nunca sacrifica emoción por técnica ni técnica por emoción.Logra ambas cosas al mismo tiempo.
Es un disco que puede sorprender a un músico por la calidad de sus arreglos, pero también puede emocionar al público general y justamente, ahí está su verdadera grandeza.
Dos décadas después sigue sonando fresco, personal y distinto a casi todo lo que apareció en aquella época.No porque busque ser raro, sino porque se atreve a construir su propio lenguaje.
Lamentablemente la banda anunció hace un par de meses su Farewell tour, donde se despedía con varios conciertos alrededor del mundo. No pasó por sudamérica, pero de todas maneras su música ha quedado inmortalizada y se puede disfrutar cuando se quiera.
Estoy convencido de que este disco crea un ecosistema único: técnica, sensibilidad e imaginación sonora. Cada vez que vuelvo a escucharlo, me convenzo de que Mew es una banda con un lenguaje muy propio.
Em’sFlowrs encuentra una forma de convertir el caos cotidiano en canciones. El proyecto liderado por Emanuel Flores nace desde la experiencia de atravesar el Estado de México y la CDMX entre tráfico, cansancio y una necesidad urgente de desahogo, construyendo un universo donde el rock alternativo y la sensibilidad conviven sin filtros.
Historiador de profesión y músico por necesidad emocional, Emanuel lleva años formando parte de la escena emergente, tocando en distintas bandas hasta llegar a este nuevo capítulo como cantante principal. Su música funciona como una especie de archivo íntimo: canciones que capturan la memoria de los días difíciles, la ansiedad urbana y las emociones que se acumulan hasta explotar.
Em’sFlowrs marca oficialmente el inicio de una nueva etapa con “La Ausencia” este 5 de junio de 2026, un sencillo que retrata el vacío emocional que permanece incluso cuando aparentemente no falta nada.
«Un día mientras ensayaba, escuché fuera de casa una carcajada y luego un llanto, lo impredecible del hecho me conmocionó y vomite esta letra de una sentada. A diferencia de muchas otras canciones que he escrito, a “La Ausencia” no le he modificado ni una palabra desde ese día hasta su versión final.»- Emanuel Flores
«La Ausencia” se conforma de guitarras distorsionadas y melodías melancólicas que conviven con una interpretación cruda e íntima. Hay ecos de proyectos como Natalia y La Forquetina, Café Tacvba y La Vida Boheme, aunque Em’sFlowrs logra mantener una identidad propia marcada por el desorden emocional y la urgencia sonora.
Su música convierte experiencias profundamente personales en relatos capaces de conectar con cualquiera que haya atravesado una pérdida, un desamor o el difícil proceso de reencontrarse consigo mismo. Entre el pop y el folklore mexicano, la artista construye un universo sonoro íntimo, fresco y profundamente poético, donde la emoción siempre ocupa el centro.
Desde temprana edad, Isa entendió la música como un destino inevitable. La conexión con su padre marcó el origen de ese sueño y, tras su fallecimiento, la composición se convirtió también en una forma de memoria y permanencia. Esa dimensión emocional atraviesa por completo “ISABELLA”, su álbum debut.
A lo largo de «ISABELLA», la artista explora el desamor y una ruptura que terminó por transformarla profundamente, convirtiendo el álbum en un homenaje a la fuerza de elegirse a una misma, poner límites y habitar la autenticidad. Entre la tristeza, el enojo, el amor propio y la esperanza de volver a amar, las canciones construyen un retrato emocional íntimo y honesto.
Tras la muerte de su padre, comenzó a escribir diarios para contarle sobre su vida y, con el tiempo, esas experiencias terminaron convirtiéndose en canciones. En cada verso habita su ausencia, pero también el proceso de duelo, autoconocimiento y reconstrucción personal que atravesó a partir de esa pérdida, manteniendo siempre el amor de su padre como una raíz emocional presente en todo el álbum.
El disco abre con “ISABELLA”, una pieza autobiográfica donde relata su historia familiar: haber nacido junto a sus tres hermanos —siendo cuatrillizos—, crecer acompañada por el amor incondicional de su madre y atravesar la pérdida de su padre. El cierre llega con “Flor Silvestre”, una canción que abraza la resiliencia y la capacidad de seguir amando a pesar de las heridas.
Más que un álbum, «ISABELLA» se presenta como una reflexión sobre lo que significa sentir profundamente y entender que, al final, la vida se construye a partir de todo aquello que se vive emocionalmente.
La producción apuesta por la honestidad. Instrumentos acústicos grabados mayormente en vivo, una interpretación emocionalmente cruda le dan al álbum una identidad cercana y humana. Cada canción parece capturar un momento específico, casi como fotografías emocionales que encuentran fuerza en su sencillez.
El proyecto cuenta con la producción de Pepe Navarro, Marco Aurelio y Héctor Filio, además de colaboraciones especiales con Barbie Williams y el propio Héctor Filio, ampliando el universo sonoro del disco sin perder su carácter íntimo. La mezcla estuvo a cargo de Pepe Navarro y el mastering por Pachi Gutiérrez, ambos ganadores del Latin Grammy, aportando profundidad y sensibilidad a una obra que privilegia la emoción por encima de cualquier tendencia.
Con “ISABELLA”, Isa Casale no solo presenta su primer álbum: abre un espacio profundamente honesto donde el duelo, la memoria y la identidad se transforman en canciones capaces de acompañar y resonar en quienes las escuchan.
CUPIDO, una de las bandas más llamativas del nuevo pop español, presenta “Ouch :_(” junto a Usted Señalemelo, el último adelanto de Amor Compartido, su próximo álbum de colaboraciones que verá la luz el lunes 15 de junio y que contará con la participación del artista chileno DrefQuila, además de nombres como Feid, Álvaro Díaz, Cuco, Bhavi y Rai Nao.
Formado en 2018 por Pimp Flaco y la banda canaria Solo Astra, Cupido se ha consolidado como una de las propuestas más reconocidas del pop alternativo español gracias a su combinación de melodías pop, guitarras psicodélicas y letras románticas. Tras dos discos y presentaciones en algunos de los principales festivales de España, el grupo inicia una nueva etapa con Amor Compartido, un álbum construido a partir de colaboraciones con destacados artistas de distintos países de habla hispana.
“Ouch :_(” es esa herida que ha dejado de sangrar, pero todavía pica. Cuando la costra ya está ahí y uno no termina de decidir si dejarla en paz o arrancarla para comprobar qué queda debajo. Junto a Usted Señalemelo, el último adelanto de Amor Compartido se acerca al desamor desde ese momento en el que el golpe ya ha pasado, pero el cuerpo todavía tiene un moratón.
El tema arranca como una vieja balada de surf observada desde la distancia: “sentado en tu portal, un mendigo, no es dinero, son tus besos lo que pido”, canta Pimp Flaco. Las guitarras aparecen cubiertas por una ligera neblina, pero la canción tarda poco en cambiar de dirección. Una batería luminosa empuja el tema hacia delante y transforma la melancolía inicial en algo mucho más dinámico: Cupido siempre han sabido moverse bien en ese territorio donde las heridas conviven con la euforia, y “Ouch :_(” vuelve a demostrarlo.
Flaco frasea las estrofas con una soltura casi conversacional, apoyándose en el ritmo con esa naturalidad que ha definido buena parte de su trayectoria. Frente a él, Usted Señalemelo aportan una dimensión mucho más atmosférica: voces que parecen abrir espacio alrededor de la canción, melodías que flotan por encima de la base y una sensibilidad que lleva años convirtiendo al trío mendocino en una de las referencias fundamentales del nuevo pop latinoamericano.
Por ello, “Ouch :_(” no suena tanto a una colaboración puntual como a una convergencia natural. La canción recuerda por momentos a aquellas primeras producciones de Solo Astra donde las guitarras funcionaban como paisajes y las melodías parecían desplazarse lentamente sobre ellos. Pero también incorpora la amplitud emocional y el gusto por las texturas envolventes que Usted Señalemelo han desarrollado durante los últimos años. Así, como la propia costra que describe, “Ouch :_(” avanza entre la tentación de pasar página y la necesidad de volver a mirar una vez más.
En un mundo de conexiones efímeras, el artista Nikko Riadyllega con una propuesta que reivindica la seguridad afectiva. Su nuevo sencillo, «FALLING IN LOVE», realizado en colaboración con le artista Barbacius, es más que una canción de R&B bilingüe; es un retrato del vértigo y la transparencia que surgen cuando dos personas deciden confiar. Producida por Lia Lara, la pieza fusiona el Latin Pop con texturas de R&B, sirviendo como escenario para una narrativa que transita entre la seducción y la duda.
La canción destaca por una letra que no teme mostrarse segura. Nikko Riady, autor de la letra y melodía, reflexiona sobre el origen de esta confianza: «A lo largo de mi vida amorosa me he dado cuenta que soy una super linda persona, y a veces cuesta que esto se tome de una manera honesta y no como un exceso de confianza o ególatra«, comenta Riady. «Cuando conoces a alguien y sientes que la conexión está ahí, al menos yo, me siento totalmente seguro que puedo aportar algo lindo y ser un punto positivo en la vida del otro«.
Esa luz que proyecta Nikko encuentra un contrapunto fascinante en la interpretación de Barbacius, quien introduce la realidad de las inseguridades modernas. «Escribir sobre las inseguridades a las que te enfrentas cuando conoces a alguien por primera vez es algo por lo que hemos pasado todes«, explica le colaboradore. «Quise darle ese toque de picardía a la canción, porque la ansiedad y la lujuria no son excluyentes«.
Con un estribillo hipnótico («Come with me, ride oh») y una estructura bilingüe que fluye entre el inglés y el español, «FALLING IN LOVE» se posiciona como un lanzamiento clave en la escena Pop Latino Queer. Este sonido está profundamente influenciado por la multiculturalidad de Montreal, una ciudad cuya energía artística y encuentros emblemáticos —desde el Festival de Jazz hasta Fierté Montréal— permean la propuesta del sencillo. La pieza fusiona el R&B Contemporáneo con el Latin Pop, destacando por una instrumentación rica en guitarras y atmósferas envolventes.
La complicidad del tema es real: el videoclip oficial, que se estrena hoy 4 de junio en YouTube, fue filmado hace casi un año en la Ciudad de México. Locación que fue testigo del primer encuentro en persona de ambos artistas, donde la química y la magia visual se dieron de forma completamente natural. Esta colaboración junto a su coterranie Barbacius marca una nueva etapa creativa para Nikko Riady desde Canadá, uniendo raíces y horizontes.
El artista magallánico adelanta el cierre de su álbum debut con una balada pop de tintes ochenteros que aborda con madurez los amores secretos dentro de la comunidad LGBTQ+.
El cantautor de Pop originario de Punta Arenas, Alexideral, acaba de liberar su single “Queriéndote desde lejos”, el último adelanto antes del lanzamiento oficial de su esperado álbum debut, programado para julio de este año. El track llega en medio de otra gran noticia: la confirmación al Festival Ruido Austral de la Región de Magallanes que forma parte de la Red Nacional de Festivales Rockódromo 2026.
A diferencia de la rítmica enérgica que caracteriza su catálogo previo, esta entrega baja las revoluciones para adentrarse en una profunda balada Pop, impulsada por sintetizadores y texturas analógicas que evocan la grandilocuencia nostálgica de canciones románticas contemporáneas como “Die With A Smile” de Lady Gaga y Bruno Mars.
La producción musical estuvo a cargo de ICON LAB, estudio de grabación dirigido por Taffy Dönicke, reconocida en la escena chilena por su trabajo como baterista y colaboradora de íconos del Pop local como Javiera Mena y Princesa Alba.
«Trabajar con Taffy le dio a la canción el peso pop y la atmósfera de sintetizadores exactos que buscaba. Aunque la sonoridad es coherente con mis singles pasados, el formato de balada me permitió explorar un rincón vocal y emocional completamente distinto y estoy feliz con el resultado«, comenta Alexideral.
Un secreto guardado por 10 años
La narrativa de “Queriéndote desde lejos” aborda con honestidad y madurez el dolor silencioso de los amores adolescentes platónicos e imposibles dentro de la comunidad LGBTQ+. Lejos del resentimiento, el relato propone una mirada resiliente: entender que, a veces, aprender a amar a alguien desde la distancia es un acto necesario de amor propio cuando la cercanía genera daño.
El estreno audiovisual, hecho en colaboración con el realizador de Puerto NatalesJavier Castro y con el colectivo artìstico r.a.r.a. Plataforma, prescinde de una narrativa lineal con personajes para transformarse en una obra de arte abstracto. La obra se apoya en el uso de símbolos —como un cofre blanco que se va llenando de hojas de otoño, representando el desapego y el acto de soltar un secreto— y se desarrolla a través de la corporalidad. El mismo Alexideral protagoniza el clip ejecutando una coreografía al viento.
El videoclip de “Queriéndote desde lejos” está disponible en el canal de YouTube del artista; mientras que el single se encuentra en el resto de las plataformas de streaming musical, junto a sus trabajos anteriores: “Sombras”, “Atrapado” (2024) y “Paisaje Imaginario” (2025).
