Desde Santiago de Chile, el proyecto de emo rock alternativo inicia su camino con una canción sobre apoyo mutuo, refugio emocional y confianza.
Inframora comienza a dar sus primeros pasos con “Quédate en mi voz”, su primer lanzamiento oficial. El proyecto está integrado por Camila Santana (voz), Jaime Navarro (bajo) y Roberto Fredes (guitarra).
La canción nace desde una necesidad sencilla, pero muy profunda: hacer música para sobrellevar una época marcada por la angustia, la incertidumbre y la oscuridad. En ese contexto, “Quédate en mi voz” adquirió un significado especial para sus integrantes y terminó convirtiéndose en la pieza escogida para presentar la identidad de Inframora.
A través de una propuesta ligada al emo rock alternativo, el tema aborda el apoyo mutuo en tiempos de caos y la importancia de convertirse en refugio y compañía emocional para quienes nos rodean. Sus letras transitan por los miedos compartidos, la aceptación y el esfuerzo por demostrar que es posible ser alguien en quien otro pueda apoyarse y confiar.
Escucha ya «Quédate en mi voz» en tu plataforma preferida y sigue a la banda en sus redes sociales.
La banda santiaguina María Delitos vuelve a la escena con «Bots», su más reciente sencillo, ya disponible en Spotify y el resto de plataformas.
Con este nuevo lanzamiento, la banda reflexiona sobre un fenómeno que atraviesa nuestra vida cotidiana: el consumo constante de contenido y aplicaciones, y la incertidumbre de no saber con certeza qué —o quién— hay detrás de cada imagen. «Acá estamos, usando herramientas que supuestamente sirven para hacer conocer nuestro nuevo single y en cierta forma de eso se trata la canción», comenta la banda. «Consumimos contenido, usamos apps y no podemos estar seguros si detrás de imágenes hay algo análogo.»
El título mismo funciona como un guiño musical: Bots, butts, boots — un juego de palabras entrelazadas que atraviesa el sonido incendiario de la canción.
«Bots» incorpora además un fragmento de la icónica composición de Lee Hazlewood, inmortalizada por Nancy Sinatra, reinterpretada aquí con un toque más orgánico y personal.
De esta forma la banda santiaguina vuelve a poner en circulación una propuesta que cruza irreverencia, experimentación y observación de la cultura digital, convirtiendo la incertidumbre de la era de los algoritmos en materia sonora.
La artista camerunesa-chilena presenta el último capítulo visual de su álbum debut, una pieza que transforma el amor propio, la independencia y la identidad multicultural en una celebración llena de ritmo.
Zenah presenta el visualizer de «SOLA«, el capítulo final del universo visual de MANGO, su primer álbum de estudio. La canción marca el desenlace más luminoso y expansivo del proyecto, cerrando un recorrido emocional que transita por la apatía, el deseo, la desilusión, el dolor y la vulnerabilidad para desembocar en un lugar de libertad, plenitud y reconciliación con una misma.
«SOLA» reúne algunos de los elementos que mejor definen la identidad artística de Zenah. La canción fusiona afrobeat, dancehall, salsa y pop urbano, integrando percusiones africanas, guitarras rítmicas, trompetas y una energía festiva que invita al movimiento. El resultado es una propuesta donde conviven de manera natural sus raíces entre Camerún y Chile, así como el francés, el español y el inglés, reflejando una identidad multicultural que atraviesa toda su obra.
La letra retrata a una mujer que disfruta de su propia compañía, que baila sola por elección y no por falta de opciones. Es una declaración sobre la independencia, el amor propio y la posibilidad de construir una vida plena desde la autenticidad, celebrando el encuentro con una misma después de atravesar distintos procesos emocionales.
Zenah ha construido una propuesta que fusiona pop urbano, influencias afro, R&B y ritmos globales. A través de composiciones en español, francés e inglés, desarrolla un universo artístico donde el cuerpo, el ritmo y la honestidad emocional ocupan un lugar central.
La banda chilena sigue trabajando en su álbum debut estrenando su tercer single, “Pienso En Ti” una canción que mezcla la melancolía del post-punk y la energía del indie rock.
«Pienso en ti», tiene un sabor a pena y melancolía, pero con el impulso de bailar incluso en los momentos más tristes, algo reconocible en la arquitectura del desamor.
Mientras continúa consolidándose en los escenarios de Santiago y distintas ciudades del país, Infinitos Monos se avoca a «Pienso en Ti», un sencillo que profundiza en su lado más sensible, pero sin dejar de ser una pieza bailable y pop, cargada de guitarras llenas de efectos; quizás una de sus canciones más íntimas hasta el momento.
El cuarteto formado por Laura (voz), Carlos (guitarra), Nico (bajo) y Diego (batería) explica que esta entrega muestra su faceta más experimental, sin abandonar ese sello que funde el rock y el post-punk revival con hooks que se quedan en la cabeza, todo bajo un alto nivel de producción. La canción actúa como una amalgama sonora donde los ecos de los 90 y el rock de los 2000 conversan con sintetizadores de estirpe setentera y ochentera, trazando una línea directa hacia influencias como Royel Otis, The Strokes, Turnstile y Wet Leg.
«Buscamos transmitir esa sensación de soledad, de dudas, de no estar contento con la vida que se tiene… ese vacío que uno intenta llenar con alguien más cuando se siente perdido», explican sobre el trasfondo de un tema que aborda la complejidad de «dar vuelta la página».
El sencillo fue registrado entre Estudio El Gran Pez y Estudios del Sur, con la producción y mezcla de Claudio Quiñones, mientras que el mastering estuvo a cargo del reconocido ingeniero Chalo González, responsable del sonido de algunos de los discos más importantes de la música chilena.
«Pienso en Ti» funciona además como una nueva pieza del rompecabezas que dará vida al primer álbum de Infinitos Monos, trabajo que mostrará la amplitud de una propuesta que transita con naturalidad entre la nostalgia noventera, la contundencia del rock de los 2000 y una sensibilidad pop profundamente contemporánea, un camino que se consolida bajo el manejo artístico de Caro Pro Booking & Management, quien ya delinea la proyección internacional de la banda.
Con este lanzamiento, Infinitos Monos, reafirma una búsqueda clara: crear canciones capaces de hacer bailar, cantar y sentir una atmósfera especial, incluso cuando hablan de las emociones más difíciles.
La banda chileno-venezolana presenta una canción directa, bailable y cargada de humor sobre quienes manipulan, mienten y creen que nunca enfrentarán las consecuencias.
QUINTOBAR presenta el videoclip de “MMGVO (Mamaguevo)”, una canción que apunta sin rodeos a ese personaje que todos hemos conocido: alguien que manipula, juega con los demás, se ríe del sufrimiento ajeno y se siente intocable.
Con energía, ironía y una mirada frontal, “MMGVO (Mamaguevo)” funciona como un recordatorio de que las máscaras eventualmente caen y que cada acción tiene consecuencias. Entre grooves de funk, ritmos caribeños, guitarras y una pulsación dance, QUINTOBAR convierte una experiencia cotidiana en una canción intensa, provocadora y hecha para moverse. El tema fue coescrito junto a Enghel, compositor y artista reconocido internacionalmente, ganador y nominado en múltiples ocasiones a los Latin Grammy, además de otros importantes reconocimientos de la industria musical.
El videoclip acompaña esa descarga sonora con una propuesta visual producida por 5to Film Productora Audiovisual, bajo la dirección de Charly Barcero y la dirección de fotografía de Ricardo Yanez.
Con presentaciones en distintos escenarios de Santiago y una propuesta visual y musical en evolución constante, la banda sigue desarrollando un sonido auténtico, cercano y bailable, donde cada lanzamiento se transforma en una invitación a sentir, cantar y dejarse llevar.
Descubre ya lo nuevo de QUINTOBAR disponible en todas las plataformas.
El nuevo sencillo conjunto de los cantautores independientes profundiza en el aislamiento emocional que se vive en estos tiempos de hiperconectividad digital, y viene acompañado de una producción audiovisual pionera grabada a inicios de año,en el nuevo Museo Regional de Atacama.
Mikel Ramone, de Copiapó, y Esteban Hurtado, de La Serena, presentaron oficialmente el videoclip de «Sin Conexión«, una colaboración de autoría compartida que explora la fragilidad de los vínculos afectivos en una época dominada por la comunicación digital.
A través de un diálogo lírico cruzado que transita desde la observación del otro hasta una cruda revelación íntima (“Pienso que el silencio habla por mí / Vacío en la presencia”), “Sin Conexión” retrata la distancia emocional en tiempos de hiperconectividad, reflejando cómo, cuando la complicidad cambia de estación, el silencio se vuelve el lenguaje más elocuente.
Un hito tecnológico para la música independiente del norte
El lanzamiento marca un hito tecnológico para la escena musical del norte del país, al ser mezclado y masterizado en formato inmersivo Dolby Atmos por @estudio_serena. Esta apuesta por el audio tridimensional de última generación posiciona el catálogo de ambos artistas en un estándar internacional de alta fidelidad, siendo un logro de vanguardia inédito y muy poco común entre los proyectos independientes de las regiones de Atacama y Coquimbo.
Por su parte, el apartado visual llega acompañado de un videoclip cinematográfico registrado durante el mes de marzo del presente año, en el nuevo Museo Regional de Atacama, convirtiéndose en la primera producción audiovisual de carácter musical filmada en este imponente espacio arquitectónico. La elección del recinto dialoga directamente con la identidad territorial y el espíritu de ambos creadores, cuyas obras nacen de vivencias personales y reflexiones críticas sobre los entornos que habitan.
“Sin Conexión” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, destacando su experiencia sonora en Apple Music gracias al trabajo desarrollado junto a Estudio Serena.
El artista chileno llevará por primera vez al escenario las canciones de su recién estrenado tercer álbum de estudio. El próximo 7 de julio Tomás González se presentará en Sala Master de Radio Universidad de Chile, con un concierto que reunirá a parte de los músicos que participaron en la grabación de la obra.
Tras el lanzamiento de su nuevo disco “No hay lugar”, el músico, compositor y multinstrumentista chileno Tomás González se prepara para presentar en vivo esta nueva producción.
El concierto marcará el estreno escénico de las diez canciones que componen este tercer trabajo discográfico, una obra que transita entre el pop, la electrónica, la world music y la canción de autor, consolidando una propuesta artística que combina profundidad lírica, sofisticación sonora y una mirada sensible sobre la vida contemporánea.
Disponible desde hace algunas semanas en todas las plataformas digitales, “No hay lugar” aborda la soledad urbana y la pérdida a través de un universo sonoro que cruza ritmos tradicionales, instrumentos acústicos y electrónica. Un disco atravesado por la reflexión sobre las complejas relaciones humanas y por una experiencia íntima de duelo, que logra transformar la melancolía en movimiento.
“Es un trabajo que indaga en la soledad de un habitante de la gran ciudad y en las complejas relaciones humanas de nuestro tiempo. En un plano más íntimo, el álbum también está atravesado por el duelo tras la muerte de mis padres, convirtiéndose en una reflexión sobre la pérdida, la ausencia y la búsqueda de sentido”, explica Tomás González.
Coproducido junto a Vicente Cuadros, el álbum encuentra un equilibrio entre la electrónica, los ritmos tradicionales y los instrumentos acústicos. Coros, bronces, cuerdas, percusiones y texturas electrónicas se entrelazan para construir una experiencia sonora profunda y vibrante, que en el escenario adquirirá una nueva dimensión.
El lanzamiento en vivo de “No hay lugar” permitirá al público recorrer por primera vez el universo completo del disco, incluyendo canciones como “Arder”, “Este es el país”, “En esta casa”, “Hey vous!” y “Bailar”, uno de los temas centrales del álbum, que cuenta con la participación de Mariel Mariel y propone el baile como una forma de resistencia frente al desarraigo y la soledad.
Será un concierto de gran envergadura. Una presentación única en gran formato, con un total de 15 músicos en escena, que busca reflejar fielmente las versiones originales del disco. Entre ellos se encuentran Alfredo Tauber, Javiera Anselmi e Ítalo Viveros en bronces; Ángela Acuña y Daniella Rivera en cuerdas frotadas; Marcela Millie, Mariel Villagra, Trinidad González, Felipe Lagos y Matteo Citarella en coros; Juan Pablo Villanueva en guitarra eléctrica; Jhoamy Lins en percusiones; Víctor León en batería electrónica; además de Vicente Cuadros en los sintetizadores y samplers, y el propio Tomás en guitarras y percusiones.
El músico chileno Carlos Navarrete estrena el primer adelanto de Navarre, un proyecto de folk alternativo gestado durante casi una década.
Carlos Navarrete presenta “Invierno”, el primer sencillo de Navarre, su proyecto solista. La canción abre una nueva etapa creativa marcada por el folk alternativo, la introspección y paisajes sonoros de carácter cinematográfico.
El proyecto comenzó a tomar forma en 2017 y atravesó un proceso de creación de casi diez años. Desde la composición hasta la grabación, producción, mezcla y masterización, cada etapa fue realizada por el propio artista, consolidando una identidad sonora íntima y personal.
Con más de una década de trayectoria musical, gran parte del recorrido de Carlos Navarrete ha estado ligado a la banda chilena Brigo. Sin embargo, Navarre surge desde una búsqueda distinta: crear canciones capaces de sostenerse tanto en una interpretación de banda completa como en su forma más esencial, acompañadas únicamente por guitarra acústica.
“Siempre he tenido una sensibilidad especial por los sonidos más íntimos. Creo que una canción es realmente buena cuando puede sostenerse solo con una guitarra de palo. Eso es lo que más me cautiva de la composición y de la interpretación”, comenta Navarre.
“Invierno” inaugura un universo conceptual inspirado en las estaciones, la memoria y esos momentos de pausa que invitan a la contemplación. Con una propuesta honesta y profundamente emocional, Navarre inicia un camino artístico destinado a conectar con quienes encuentran belleza en la sencillez y en los días grises.
Tras consolidar una propuesta centrada en el rock progresivo instrumental, Ventrial presenta “Maldita Sonrisa”, un lanzamiento que marca un punto singular dentro de la trayectoria de la banda. Disponible en plataformas digitales, la canción será la única de su catálogo (por ahora) en incorporar una voz principal, una decisión artística que convierte al sencillo en una pieza excepcional dentro de su discografía.
Para dar vida a esta nueva composición, el grupo invitó al cantante Raúl “Pincho” Rodríguez, cuya interpretación aporta una dimensión distinta a la identidad que Ventrial ha desarrollado desde sus inicios. Lejos de representar un cambio definitivo en la dirección musical de la banda, la colaboración surge como una exploración puntual que busca aperturar gustos y jugar un poco con el lenguaje progresivo y las atmósferas instrumentales que han caracterizado su trabajo.
“Maldita Sonrisa” fue presentado en la celebración del EP en Mibar el mes pasado, canción que tuvo un gran recibimiento entre los asistentes, ya que se evocó como un elemento sorpresivo, justamente por el cantante invitado. La canción conserva la riqueza compositiva, los contrastes dinámicos y la búsqueda melódica presentes en las producciones anteriores de Ventrial, incorporando esta vez un relato vocal que potencia la carga emocional de la obra. El resultado es una canción que se distingue dentro de su repertorio sin renunciar a los elementos que han definido su sonido.
El lanzamiento constituye un momento especial para la banda, no solo por tratarse de su primera experiencia con una voz invitada, sino también porque, según adelantan sus integrantes, será una experiencia irrepetible dentro de esta etapa creativa. Mientras el resto de su catálogo continúa desarrollándose desde una perspectiva instrumental, “Maldita Sonrisa” surge como una excepción que amplía temporalmente los límites de su propuesta artística.
El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales a partir de este 11 de junio por todas las plataformas de streaming.
El sábado 15 de agosto, el recinto capitalino recibirá un elenco íntegramente nacional, liderados por los históricos Undercroft, estrenando en vivo su disco ‘The Killer Sword’, junto a Nuclear, Necrodemon, Aberración, In Cold Blood, Martillo Ejecutor y Ritual Heim, en una jornada dedicada a los amantes del metal extremo.
Tras siete ediciones realizadas desde su creación, Chargola FuckingFest regresa el sábado 15 de agosto de 2026, en una versión enfocada exclusivamente en bandas nacionales de metal extremo en el teatro Cariola.
La octava edición será encabezada por Undercroft, referentes del death metal nacional formados en Santiago en 1991, quienes volverán a los escenarios con su más reciente trabajo de estudio ‘The Killer Sword’, marcando además el regreso de su vocalista fundador, Tito Melín, después de 29 años.
El cartel también contempla la participación deNuclear, una de las agrupaciones más reconocidas de la actual escena extrema nacional, con una trayectoria que los ha llevado a compartir escenario con nombres como Testament, Anthrax, Destruction y Brujería. La banda llegará presentando material de su más reciente disco, ‘ViolentDNA’ (2024).
La jornada contará además con la presencia de Necrodemon, agrupación formada en 1993 y recientemente responsable del álbum ‘Through Infinite Grief’ (2026), trabajo que contó con portada del artista Dan Seagrave y mezcla y masterización de Fredrik Nordström en Studio Fredman, Suecia. La agrupación regresa a un escenario que ya pisó en la primera edición del festival.
Completan el line up cuatro formaciones del underground nacional. Aberración, agrupación de death/thrash metal fundada en 2013, acumula cinco álbumes de estudio y prepara un sexto trabajo para el sello Sepulcro Records, tras editar en 2025 ‘Sofocado en el Silencio’, grabado en San Francisco, California.In Cold Blood, banda de death metal melódico oriunda de Santiago, desarrolla una trayectoria independiente, con letras centradas en temáticas sociales y ambientales.Martillo Ejecutor, propuesta de death/black metal desde Calama y en actividad desde 2016, se encuentran grabando su primer larga duración, ‘Sangre y Cruz’.Ritual Heim, formación de death/black metal surgida en Santiago, ha publicado los sencillos “Cazador” (2024) y “Extinción” (2025) y trabaja actualmente en su álbum debut, ‘Ecos de la Muerte’.
El festival Chargola FuckingFest recorre distintas generaciones del metal extremo en Chile, desde referentes con más de tres décadas de historia, hasta bandas actuales de la escena.
Las entradas se encuentran disponibles a través de Passline. Los valores sin cargo por servicio:
