La canción aborda la división social como mecanismo de distracción y marca una nueva etapa creativa para el artista chileno radicado en Los Ángeles.
Kiltro Attack presenta “Santiago”, un sencillo que nace desde la observación crítica y la incomodidad. Lejos del discurso partidista, la canción reflexiona sobre cómo las divisiones políticas, deportivas y sociales terminan desviando la atención de problemas más profundos que afectan a la sociedad.
“‘Santiago’ nació de una rabia tranquila. No de la que grita, sino de la que observa”, explica el artista. “La canción habla de ese mecanismo que nos mantiene enfrentados mientras lo que realmente importa ocurre fuera de nuestro campo de visión”.
El lanzamiento marca un momento clave en la trayectoria de Kiltro Attack: es la primera vez que publica una canción íntegramente en español. Para el músico, el idioma era indispensable para transmitir el peso emocional y cultural del mensaje. “Hay cosas que en otro idioma no pesan igual. ‘Santiago’ es una ciudad, pero también un símbolo. Un lugar que genera orgullo y dolor al mismo tiempo”.
Radicado actualmente en Los Ángeles, California, Kiltro Attacknació en Santiago de Chile y ha construido una propuesta propia en la intersección entre el nu metal y el metal industrial. Con “Santiago”, el artista reafirma su compromiso con una música que no busca entregar respuestas, sino provocar reflexión, conversación y cuestionamiento.
La agrupación chilena radicada en Montreal lanzó este viernes su segundo álbum de estudio, una obra que cruza ska, rock mestizo, ritmos latinoamericanos y relatos de migración para construir un manifiesto musical sobre identidad, memoria y encuentro cultural.
Desde Montreal, una de las ciudades más multiculturales del mundo, la banda chilena Kon-Fusión presentó este viernes “Arriba de su muro”, un disco que transforma la experiencia migrante en música, reflexión y celebración colectiva. Se trata del segundo trabajo de estudio de la agrupación, una obra donde conviven la memoria de Chile, las influencias latinoamericanas, las culturas que habitan Canadá y una mirada crítica sobre los muros —físicos y simbólicos— que siguen dividiendo a la sociedad.
Editado bajo el sello MTL Sauce Piquante, “Arriba de su muro” reúne composiciones de Pablo Morales, Luciano Toro, Marilou Bouchard, Nicolas Lafortune, Dauphin Mbuyi, Tommy Poirier, Jonathan Misone Castillo, Samuel Heppel Dion y Mathieu Lacroix. Musicalmente, el álbum dialoga con referentes tan diversos como La Floripondio, Chico Trujillo, Santiago Rebelde, La Polla Records, la música caribeña y los sonidos andinos, construyendo una identidad propia que desafía etiquetas y fronteras.
Las canciones nacen principalmente de las letras escritas por Pablo Morales, quien vuelca en ellas experiencias personales y colectivas, observaciones sobre la realidad contemporánea y referencias a la cultura popular chilena. Desde expresiones cotidianas hasta fenómenos virales como el recordado “Di la verdad Rosa”, el disco propone una mirada cercana, crítica y profundamente conectada con las raíces.
“Lo particular es que nosotros no nos hemos olvidado de donde venimos, de lo que pasó, de lo que ha pasado, de lo que está pasando. Mantenemos contacto con Chile y nos hacemos parte del día a día, tanto de los triunfos como de las derrotas de nuestro pueblo. Entonces lo vamos contando en nuestras letras”, explica Morales.
Sin duda, la experiencia migrante atraviesa todo el proyecto. Integrada por músicos provenientes de distintos territorios y culturas, la banda ha convertido esa diversidad en una de sus principales fortalezas creativas. Un bajista originario del Congo, músicos de Quebec, artistas europeos y colaboradores latinoamericanos confluyen en un sonido que refleja la complejidad del mundo actual.
“Todo eso va haciendo que el sonido inevitablemente sea diferente a lo que se ha escuchado en Chile y también es diferente a lo que se ha escuchado acá porque estamos en una circunstancia particular. Somos una entidad con muchas personalidades y esa mezcla se siente en la música”, señala el músico.
Hilo presenta su EP debut: una mezcla hipnótica de dream pop, shoegaze e indie desde la Ciudad de México
Desde la Ciudad de México, Hilo emerge como una propuesta que transforma la nostalgia noventera en paisajes sonoros envolventes. Entre guitarras etéreas, atmósferas difusas y una sensibilidad profundamente cinematográfica, el proyecto construye un universo donde el dream pop, el shoegaze y el indie lo-fi convergen de manera íntima y emocional.
Inspirados por artistas como Mazzy Star, Yo La Tengo y Cigarettes After Sex, Hilodesarrolla un sonido que se mueve entre viajes nocturnos, recuerdos borrosos y emociones suspendidas en el tiempo. Sus canciones exploran la delgada línea entre la conexión y la distancia, el caos y la calma, creando una experiencia tan melancólica como reconfortante.
El proyecto funciona como una colaboración internacional basada en la Ciudad de México, donde distintas influencias culturales y musicales se unen bajo una misma visión artística. La esencia cálida del indie de la Costa Oeste, las texturas atmosféricas del underground británico y la intensidad vibrante de la capital mexicana se reflejan en composiciones que combinan vulnerabilidad emocional con arreglos expansivos y envolventes.
El pasado 22 de mayo de 2026, Hilo lanzó oficialmente su EP debut homónimo, celebrado con una presentación de banda completa en la Ciudad de México. El material representa una introducción al universo sonoro del proyecto: íntimo, nostálgico y profundamente humano.
Entre los temas destacados del EP se encuentra “Belladonna”, una pieza de shoegaze ydream pop construida sobre guitarras texturizadas y voces hipnóticas que envuelven al oyente en una atmósfera contemplativa. Por otro lado, “Arroz Rojo” captura la energía de un viaje nocturno a través de una base rítmica impulsiva y voces en español que elevan la intensidad emocional de la canción.
Con una identidad sonora que evoca la calidez desgastada de una fotografía Polaroid y la sensación de estar frente a lo desconocido acompañado por la persona correcta, Hilo se posiciona como una de las propuestas emergentes más interesantes de la escena alternativa actual.
Promesa chilena de metal melódico debuta discografía bajo la dirección de Cristian Olivares (Lefutray).
La escena del metal iberoamericano se prepara para recibir uno de los lanzamientos más dinámicos y auténticos de la temporada. El power trío chileno In-Ad HomineM ha anunciado oficialmente el lanzamiento de su álbum de larga duración titulado «Entre Fuego y Sombras» (Independiente, 2026), una producción que promete sacudir los cimientos del género con una propuesta que equilibra la melancolía melódica y la potencia más cruda.
El material fue registrado a finales de 2025 en el reconocido estudio AudioCustom (Brujería, Lock Up), bajo la experta dirección de Cristian Olivares (guitarrista y líder de la emblemática banda Lefutray), asegurando un estándar de producción de nivel internacional.
La propuesta ya ha comenzado a levantar cejas entre la crítica especializada por su capacidad de conectar mundos musicales. El sonido del trío destaca por un trabajo de guitarras que evoca la sofisticación y el drama de referentes del power/heavy metal como Savatage o Iced Earth, pero inyectado con una “poderosa actitud latina” que desborda autenticidad y entusiasmo (Skylight.gr, Grecia).
«Entre Fuego y Sombras» se define como una experiencia auditiva atractiva y dinámica: Un claro ejemplo de esta dualidad es el track ‘Ecos de Ausencia‘, pieza que cuenta con la participación especial de la cantante Gigliola Moglia Figueroa, cuyas voces conducen una estructura que desemboca en un final de alta potencia.
Además el trío liberó su primer video oficial junto al álbum. Al respecto, la formación cuenta que el “clip dirigido por el destacado productor audiovisual Matías Tapia, tradujo la fuerza y la rabia contenida de la canción, en un golpe audiovisual de caos devastador”, advierten.
El cuidado por el concepto trasciende lo musical. La portada del disco es una obra de arte por derecho propio, creada por la destacada pintora Nicole Rojas Castro, quien confeccionó la carátula utilizando la técnica de pintura acrílica, otorgándole un carácter orgánico y único que complementa la atmósfera mística del álbum ya disponible en la totalidad de las plataformas de streaming musical.
Estuvimos presentes en la jornada de clausura de los Premios Pulsar 2026, realizada este domingo en los estudios de TVN, una ceremonia que volvió a reunir a buena parte de la industria musical chilena para celebrar a los artistas, discos y canciones más destacados del último año.
La noche contó con la presencia de figuras como FranciscaValenzuela, AnaTijoux, Javiera Mena, PrincesaAlba y Don Rorro, entre otros representantes de una escena diversa que, más allá de los premios, aprovechó el espacio para expresar su preocupación por el presente de la cultura en Chile. Los mensajes en defensa del financiamiento artístico y en rechazo a los recortes presupuestarios marcaron buena parte de la ceremonia, transformando el evento en una instancia de reconocimiento, pero también de reflexión sobre el futuro del sector.
En materia de galardones, la gran vencedora de la noche fue la banda Candelabro. Su álbum Deseo, carne y voluntad obtuvo el premio a Mejor Álbum Rock y posteriormente se quedó con el reconocimiento más importante de la ceremonia: Álbum del Año. Un resultado que confirma el gran momento creativo de una agrupación que ha logrado consolidar una propuesta artística sólida y arriesgada dentro de la música chilena contemporánea.
Mon Laferte sumó un nuevo reconocimiento gracias a Femme Fatale, ganador en la categoría Mejor Álbum Pop, mientras que Ana Tijoux y Hordatoj triunfaron con Serpiente de Madera en Rap, Reggae y R&B. Por su parte, Drefquila se quedó con el premio a Mejor Álbum Urbano por Después del Sol.
Sin embargo, no todo fue celebración. Una de las decisiones más comentadas de la noche fue la elección de KiddVoodoo como encargado de presentar el premio a Mejor Álbum Rock. Si bien nadie puede discutir el enorme impacto comercial y popular que vive actualmente el artista, la designación generó cierta extrañeza considerando el peso histórico y simbólico de la categoría.
En una ceremonia donde gran parte de los premios fueron entregados por músicos, productores o figuras estrechamente vinculadas a cada género, llamó la atención que una de las categorías más emblemáticas de la música chilena no contara con la participación de algún referente de la escena rock nacional. Más aún considerando que el propio género atraviesa un momento particularmente complejo en términos de visibilidad mediática y espacios de difusión.
No se trata de cuestionar la trayectoria o el éxito de KiddVoodoo, sino de una decisión que parece evidenciar una tendencia cada vez más frecuente dentro de la industria: privilegiar el alcance mediático por sobre la representación simbólica de las distintas escenas musicales. En un país con referentes activos como integrantes de Los Tres, Lucybell, Kuervosdel Sur, Weichafe, Fiskales Ad-Hok, Chancho en Piedra o tantas otras agrupaciones que han contribuido al desarrollo del rock chileno, la elección dejó una sensación difícil de ignorar.
La ceremonia también dejó espacio para uno de los momentos más desconcertantes de la jornada. Tras recibir el premio a Mejor Álbum de Música Tropical por Purgatorio Carnaval, los integrantes de Banda Conmoción recibieron tras bambalinas un ejemplar en vinilo de La Brea, de HesseKassel, acompañado de una promoción comercial con descuento para una tienda asociada. La acción fue tan inesperada como confusa y generó comentarios entre artistas, asistentes y prensa acreditada, quienes intentaban entender la relación entre el reconocimiento obtenido y el particular «obsequio» promocional.
Más allá de estos episodios, los Premios Pulsar continúan siendo la principal vitrina de reconocimiento para la música chilena. Una instancia necesaria para celebrar la diversidad artística del país, aunque también una oportunidad para revisar ciertas decisiones que, en ocasiones, parecen alejarse del espíritu de representación y valoración que dio origen a estos galardones.
Ganadores destacados de los Premios Pulsar 2026
Mejor Álbum de Música Tropical
Banda Conmoción – Purgatorio Carnaval
Mejor Álbum Rap, Reggae y R&B
Ana Tijoux & Hordatoj – Serpiente de Madera
Mejor Álbum de Música Electrónica
Chicarica – Invierno en la Playa
Mejor Álbum Pop
Mon Laferte – Femme Fatale
Mejor Álbum de Música Tradicional Folclórica Chilena
La banda chilena Rayova presenta su primer EP “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor”, un trabajo que reúne tres canciones que exploran distintas dimensiones de la experiencia humana: el desamor, la autocrítica y la necesidad de aceptar aquello que no podemos controlar. A través de una propuesta sonora en constante movimiento, el grupo construye un universo donde la energía musical convive con la reflexión emocional.
Rayova apuesta por una creación auténtica, honesta y en constante evolución, alejándose de lo estrictamente mainstream. Y en su nuevo EP, en cuya grabación participaron Nicolás Barruetos (guitarra), Javier Loezar (batería), Matías Guzmán (bajo) y Juan Pablo Arancibia (voz y guitarra rítmica), eso queda claro. “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor” reúne tres composiciones que funcionan como distintos capítulos de una misma búsqueda personal.
«Lunas Llenas» abre el recorrido abordando la tristeza, la confusión y la vulnerabilidad que deja un amor no correspondido. Inspirada en el quiebre emocional y la búsqueda de respuestas, la canción propone transformar el dolor en aprendizaje. Musicalmente, combina ritmos percusivos cargados de energía con melodías vocales decididas y momentos de psicodelia inspirados en referentes como Stereolab, construyendo una atmósfera nostálgica y cinematográfica.
Por su parte, «Control» explora la tensión entre la necesidad de planificarlo todo y la realidad impredecible de la vida. A partir de experiencias ligadas al movimiento, los viajes y la incertidumbre, la canción reflexiona sobre la lealtad, la aceptación, la madurez emocional y la importancia de disfrutar el presente. En lo musical, destaca por incorporar elementos del ska y el roots reggae, sumando grooves contagiosos, guitarras en contratiempo y pasajes psicodélicos que amplían el espectro sonoro de la banda.
En «Una Reflexión», la banda se sumerge en un proceso de autoanálisis marcado por la nostalgia, la curiosidad y la rabia. La canción retrata una conversación interna que transcurre en escenarios íntimos y bohemios, donde el personaje revisa su pasado, cuestiona sus pensamientos y busca nuevas formas de relacionarse con el presente. Todo bajo el sonido de guitarras suaves y dinámicas que alternan momentos de calma con explosiones de intensidad emocional.
Con “Actividades Recreativas para No Morir de Calor o Desamor” Rayova inicia una nueva etapa creativa marcada por la exploración sonora, la apertura estilística y la consolidación de una identidad más definida.
El EP ya se encuentra disponible en plataformas digitales.
Con el recuerdo de lo que fue la potente presentación del grupo Solteronas En Escabeche siguen los lanzamientos del compilado “En Vivo en Woodstaco 2018”, disco que agrupa los registros sonoros de lo que fue aquel legendario festival que celebró en aquel año su décimo aniversario en La Montaña de Teno.
En dicha ocasión, el alucinante trío capitalino aterrizó en la precordillera del Maule listo para volar las más de cuatro mil cabezas que se congregaron en medio de la naturaleza, donde entregaron lo mejor de su feroz psicodelia progresiva con guitarra de palo.
De ese show se rescató “Compraventa”, canción del disco “Puro Circo Vol. 1” con un ritmo urgente y aumentado por la alta energía que caracteriza a Solteronas En Escabeche en vivo. Un momento inolvidable que ahora se puede revivir con este compilado, salido de los archivos de Woodstaco.
Sobre esta presentación, desde la producción del festival recordaron que “un momento muy esperado fue el turno de Solteronas en el Escenario Rock. Ellos ya habían anticipado un concierto especial para el décimo cumpleaños del festival y no decepcionaron, dando espacios para la contemplación y la liberación furiosa en el mosh que solo ellos saben combinar, en un torbellino sonoro que el público gozó con todo”.
Esta versión de “Compraventa”, al igual que el resto de los singles del histórico archivo sonoro que integran el compilado “En Vivo En Woodstaco 2018”, ya puede escucharse en todas las plataformas de streaming.
Mientras Bad Bunny continúa arrasando con su gira mundial DeBÍ TiRaR MáS FoToS World Tour y agota entradas en cada ciudad que visita, una inesperada polémica legal podría convertirse en uno de los temas más comentados de esta nueva etapa de su carrera.
La emblemática «Casita» que forma parte central de la escenografía de sus conciertos y que se ha transformado en uno de los símbolos más reconocibles del espectáculo enfrenta ahora un complejo conflicto judicial. Roman Carrasco Delgado, un puertorriqueño de 84 años y propietario de la vivienda real que inspiró la estructura utilizada por el artista, presentó una demanda contra Bad Bunny reclamando una indemnización de 6 millones de dólares por el supuesto uso no autorizado de la imagen de su propiedad.
La denominada «Casita» no solo es uno de los elementos visuales más llamativos de la gira, sino también uno de los espacios más exclusivos del show. Durante cada presentación, un reducido grupo de invitados seleccionados directamente por el equipo del cantante tiene acceso a este lugar privilegiado, convirtiéndolo en una experiencia altamente codiciada tanto por fanáticos como por celebridades.
Sin embargo, detrás de la colorida construcción existe una historia mucho más profunda. La casa original se encuentra en Humacao, Puerto Rico, y representa la arquitectura tradicional de los barrios puertorriqueños. Su imagen fue utilizada por Bad Bunny durante la promoción y lanzamiento de DeBÍ TiRaR MáS FoToS, un trabajo que ha destacado precisamente por su fuerte vínculo con la identidad cultural de la isla.
Según los antecedentes del caso, Carrasco habría autorizado inicialmente el uso de la vivienda para una pieza audiovisual específica vinculada al lanzamiento del álbum. No obstante, el propietario sostiene que dicho acuerdo no contemplaba la explotación comercial de la imagen en conciertos, giras internacionales ni otras actividades asociadas a la generación de ingresos.
La demanda argumenta que la reproducción de la casa como elemento central de una producción global excede los límites del permiso originalmente concedido. Por ello, el propietario busca una compensación económica millonaria por el presunto incumplimiento de las condiciones pactadas.
Hasta ahora, ni Bad Bunny ni su equipo han emitido declaraciones oficiales respecto al proceso judicial. Mientras tanto, la controversia sigue creciendo en medio del enorme éxito de una gira que ha logrado convertir una sencilla casa puertorriqueña en uno de los símbolos más reconocibles de la música latina actual.
De prosperar la acción legal, el caso podría abrir un interesante debate sobre los derechos de imagen de propiedades privadas y el uso comercial de elementos culturales y patrimoniales dentro de grandes producciones musicales internacionales.
La rapera se presentará en Valdivia y Osorno junto a DJ Web.
Tras un exitoso paso por Concepción, Temuco y Villarrica, la rapera y actriz chilena Irina Doom dio inicio a la Gira Soberana, su primera circulación por el sur de Chile, un recorrido que la llevará a presentarse también en Valdivia y Osorno junto a DJ Web. Esta gira se enmarca en la difusión de su más reciente proyecto musical, Soberana, consolidando una propuesta artística que cruza hip hop, performance y una potente puesta en escena.
Con más de una década de trayectoria en la escena independiente, Irina Doom ha desarrollado un lenguaje propio que integra música, actuación y teatralidad. Su trabajo se caracteriza por una lírica directa, una estética contundente y una mirada crítica en torno al cuerpo, la identidad, la resistencia y el lugar de las mujeres dentro de la cultura urbana.
La Gira Soberana contempla una serie de presentaciones que acercarán al público del sur una experiencia escénica intensa, donde la música se entrelaza con elementos performáticos y una narrativa visual coherente con el universo de la artista. Cada show, de aproximadamente una hora de duración, incluirá canciones de Soberana junto a parte de su repertorio anterior, dando cuenta de la evolución de su propuesta.
Soberana profundiza en la búsqueda artística de Irina Doom, transitando entre la fuerza, la vulnerabilidad y la afirmación personal. A través de este trabajo, la artista instala una voz singular dentro del rap chileno contemporáneo, posicionándose como una figura capaz de transformar el escenario en un espacio de expresión, confrontación y belleza.
Más allá de lo musical, la Gira Soberana busca fortalecer la circulación de propuestas independientes en regiones, generar vínculos con escenas locales y abrir nuevos espacios para proyectos liderados por mujeres dentro del hip hop nacional. La iniciativa se plantea como una instancia de encuentro con públicos, medios, espacios culturales y comunidades creativas del sur de Chile.
“Esta gira representa un paso muy importante en el camino de Irina Doom. Es la posibilidad de llevar Soberana a nuevos territorios, encontrarse con públicos del sur y fortalecer una red de circulación independiente para una propuesta que viene creciendo con mucha fuerza”, señala la producción de la gira.
La circulación contará con el trabajo colaborativo de gestores, espacios y equipos locales en cada ciudad, reforzando una lógica de descentralización cultural y articulación territorial.
Sobre Irina Doom
Irina Doom es una rapera y actriz chilena con una extensa trayectoria en la escena independiente. Su propuesta cruza hip hop, performance y teatralidad, construyendo un universo artístico donde la palabra, el cuerpo y la puesta en escena son fundamentales. Con Soberana, la artista consolida una etapa creativa marcada por la fuerza escénica, la autonomía y una voz femenina potente dentro del rap chileno.
Nota por Mattias Churruca.Reportera Amanda Fuenzalida.Fotografías por Sebastián lopez.
Una vez más estuvimos presentes en los PremiosPulsar, la ceremonia más importante de la música chilena, que dio inicio a su edición 2026 con una destacada Gala Inaugural realizada la noche del jueves 4 de junio en la Sala SCD Plaza Egaña.
La jornada reunió a artistas, compositores, productores, medios de comunicación y representantes de la industria en una ceremonia que destacó por su impecable organización y un evidente crecimiento en términos de producción respecto a años anteriores. Cada detalle estuvo cuidadosamente coordinado, dando forma a una velada elegante, dinámica y a la altura de la relevancia que hoy tiene este reconocimiento para la música nacional.
La actividad comenzó cerca de las 19:30 horas con una concurrida alfombra roja que convocó a decenas de medios acreditados y figuras de la escena local como Princesa Alba, Manuel García y HesseKassel, entre muchos otros artistas que llegaron para ser parte de la primera jornada de premiación.
Uno de los momentos más destacados de la noche estuvo a cargo de una emotiva e impecable conjunción de guitarras liderada por HoracioSalinas junto a RomilioOrellana, MartínSilva y MiguelMolina. Los músicos presentaron una pieza especialmente creada para la ocasión, inspirada en el legado de La Nueva Canción Chilena, a esto se sumó las presentaciones de Decessus y Papanegro.
La conducción estuvo a cargo de Ignacio Franzani, acompañado por distintos invitados encargados de anunciar las categorías y ganadores de la noche. Entre los primeros reconocimientos destacaron Claudio como Mejor Álbum Jazz; Chola y Gitano en la categoría Mejor Álbum de Fusión y Raíz Latinoamericana; Martín Letelier como Mejor Compositor de Música Clásica; y Dindi Jane, quien obtuvo el premio a Mejor Álbum Balada o Música Romántica por Debut & Despedida.
Por su parte, Mon Laferte fue reconocida como Intérprete Vocal del Año, mientras que el Premio a la Difusión de la Música de los Pueblos Originarios recayó en Carmen Curical, Manuel Huichao y Freddy Chávez. En el ámbito audiovisual, Pablo Ilabaca y Martín Benavides fueron distinguidos como Mejores Compositores de Música Incidental para Audiovisuales por su trabajo en la película 31 Minutos: Calurosa Navidad.
La ceremonia también reconoció a Francisco Victoria como Mejor Productor Musical, mientras que Ilusiones Ópticasde Mapocho Orquesta obtuvo el premio a Grabación del Año gracias al trabajo realizado por Juan Pablo Quezada. En tanto, Antonio Villamandos se quedó con el galardón a Mejor Videoclip por Tímida de Chini.png, y Jorge Leiva fue premiado en la categoría Mejor Publicación Musical Literaria por su libro Víctor Jara. 150 Canciones y Un Poema. Grabaciones 1957-1973.
Más allá de los premios, la Gala Inaugural volvió a demostrar la importancia de generar espacios que reconozcan y proyecten el trabajo de músicos, compositores y profesionales que forman parte del ecosistema musical chileno. Una primera jornada que dejó una excelente impresión y que confirma el positivo momento que atraviesa la principal celebración de la música nacional.
