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  • Hela San enciende una nueva etapa artística con su álbum «Casa en Llamas»

    Hela San enciende una nueva etapa artística con su álbum «Casa en Llamas»

    Una obra intensa, cinematográfica y profundamente humana que reafirma a la artista mexicana como una de las voces más sensibles y sólidas de la escena alternativa actual.

    Trás dos discos de estudio, un álbum en vivo y colaboraciones junto a artistas como Caloncho, David Aguilar, Leiden y Jazmín Solar, Hela San regresa con el material más íntimo de su carrera. A través de 10 canciones autobiográficas, «Casa en Llamas»funciona como un diario emocional donde la artista explora el paso del tiempo, los duelos silenciosos que acompañan el crecimiento, las expectativas impuestas sobre lo femenino y la necesidad de desprenderse de aquello que limita la posibilidad de habitarse con honestidad.

    Musicalmente, el disco construye un paisaje que fusiona pop alternativo, electrónica y folk con una sensibilidad atmosférica que recuerda a proyectos vinculados al sello 4AD. La intensidad interpretativa de Hela San y la fuerza expresiva de su voz —comparada con artistas como Florence + The Machine y Sinéad O’Connor— atraviesan cada canción con una carga emocional que transforma la fragilidad en potencia. 

    Lejos de buscar respuestas fáciles, «Casa en Llamas» abraza la incertidumbre, el duelo y la transformación como parte esencial de la experiencia humana contemporánea. El resultado es un álbum honesto y sofisticado que conecta desde la emoción, pero también desde una propuesta estética cuidadosamente construida.

    El lanzamiento del disco estará acompañado por un concierto performático multidisciplinario e inmersivo desarrollado en colaboración con la performer y bailarina Begoña Malo. El espectáculo combina música en vivo, lenguaje corporal, proyecciones, textos y diseño audiovisual para crear una experiencia sensorial donde la frontera entre escenario y audiencia desaparece.

    El álbum cuenta además con la participación de músicos invitados de gran trayectoria: Ricardo Sahagún, integrante de Ray Coyote, en las guitarras, y Marco Rentería, bajista de Caifanes, quienes aportan su talento en la canción que da nombre al disco, “Casa en Llamas”.

    Concebido para espacios íntimos y no convencionales, «Casa en Llamas» no sólo se escucha: se atraviesa. La experiencia en vivo se estrenará en julio de 2026 en Guadalajara y posteriormente llegará a la Ciudad de México, consolidando esta nueva etapa artística de Hela San como una de las propuestas más ambiciosas y emocionalmente poderosas de su carrera.

  • Karol G abraza el poder de sentirlo todo en su nuevo álbum «No me arrepiento de sentir tanto»

    Karol G abraza el poder de sentirlo todo en su nuevo álbum «No me arrepiento de sentir tanto»

    El álbum de 14 canciones, con colaboraciones de Bruno Mars, Drake, Greg Gonzalez, Judeline y Rusowsky, representa el trabajo más ambicioso y emocionalmente complejo de KAROL G hasta la fecha.

    KAROL G presenta su séptimo álbum de estudio, “NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO”, con el que abre un nuevo capítulo en su evolución artística. La artista ganadora del GRAMMY® y de 8 Latin GRAMMY® presenta un proyecto de 14 canciones que recorre el amor, el desamor, el dolor, la nostalgia, la esperanza y la sanación; no como etapas de una misma historia, sino como experiencias emocionales que nos unen a todos. Con colaboraciones de Bruno Mars, Drake, Greg Gonzalez, Judeline y Rusowsky, “NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO» ya está disponible en todas las plataformas digitales.

    «NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO» no pide permiso. No es un álbum sobre seguir adelante. Es un álbum sobre permitirse sentir plenamente y descubrir la libertad que llega cuando dejamos de huir de lo que sentimos. Inspirado en el camino personal de KAROL G y en las incontables historias que sus fans han compartido con ella a lo largo de los años, el álbum refleja una verdad sencilla pero poderosa: aunque cada historia es distinta, muchas veces las emociones que llevamos dentro son las mismas que nos conectan.

    El álbum está pensado para escucharse de principio a fin. Cada canción fue concebida como parte de un mismo recorrido emocional, donde el orden importa tanto como cada emoción que lo atraviesa. Más que una colección de canciones, “NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO” nació para que quien lo escuche pueda reconocerse en la música y encontrar en ella el consuelo de saber que nunca está solo en lo que siente.

    Musicalmente, «NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO» amplía el universo creativo de KAROL G sin perder de vista la honestidad emocional que caracteriza su música. Con una propuesta que mezcla pop alternativo, influencias latinas, producción envolvente e instrumentación orgánica, el álbum transita con naturalidad entre lo íntimo y lo expansivo. «Still», junto a Bruno Mars, marca la primera canción completamente en inglés de KAROL G.

    Para dar forma a este álbum, KAROL G reunió a un grupo de productores, compositores y artistas que, desde sus propios lenguajes musicales, aportaron a una misma visión creativa. Con producción de Cashmere Cat, Edgar Barrera, Greg Gonzalez, Oklou, Omar Fedi, Ovy On The Drums, Sky Rompiendo, Taiko, Tainy, Thomas LaRosa y Tyler Spry, y composiciones de Bruno Mars, Drake, Edgar Barrera, Isabel LaRosa, Judeline, KAROL G, Keityn, Pete Astudillo, Rios y Rusowsky, el álbum nace de un proceso profundamente colaborativo, donde cada aporte acompañó la emoción que cada canción buscaba transmitir.

    Durante las últimas semanas, KAROL G fue revelando poco a poco el universo de “NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO”. Desde las primeras pistas visuales hasta la llegada de «MATADORA«, el anuncio oficial del álbum durante el VIAJANDO POR EL MUNDO TROPITOUR, la presentación de la portada y el tráiler cinematográfico, y la revelación del tracklist un día antes del lanzamiento, cada momento fue acercando al público al universo emocional del proyecto.

    Mientras VIAJANDO POR EL MUNDO TROPITOUR continúa recorriendo estadios alrededor del mundo, “NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO” comienza una nueva vida más allá del estudio. Noche tras noche, estas canciones pasarán de acompañar momentos profundamente personales a ser cantadas por miles de personas, recordándonos que la música siempre ha sido una de las formas más poderosas de reconocernos unos a otros.

  • SAVIOR presenta “AFTERMATH”, álbum sobre las secuelas, la supervivencia y la realidad de un chico del sur de México

    SAVIOR presenta “AFTERMATH”, álbum sobre las secuelas, la supervivencia y la realidad de un chico del sur de México

    El artista veracruzano SAVIOR presenta “AFTERMATH”, su primer proyecto de larga duración, un álbum de 10 canciones construido desde la crudeza del Hip-Hop, la introspección y la necesidad de narrar las complejidades de la vida cotidiana desde la mirada de un chico del sur de México.

    Durante su paso por el underground y por el crew del que formó parte, SAVIOR fue testigo de realidades crudas, dinámicas complejas y situaciones que chocaban con sus ideales. Lo que en un principio nació del deseo de crear música, ser escuchado y conectar con personas desde la cultura Hip-Hop, terminó convirtiéndose en un proceso emocionalmente difícil.

    El álbum toma su nombre de esa experiencia.

    “AFTERMATH” significa “secuelas”, y en este proyecto representa todo aquello que queda después de vivir situaciones intensas, aprender del barrio, cargar con tensiones internas y tratar de recuperar el propio rumbo.

    A través de sus 10 canciones, el proyecto busca transmitir el peso del barrio, el costo de las lecciones aprendidas y las complejidades internas que muchas personas enfrentan al intentar sobrevivir al día a día.

    “AFTERMATH” ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

  • CUPIDO reúne a DrefQuila y a destacados artistas de habla hispana en su nuevo álbum “Amor Compartido”

    CUPIDO reúne a DrefQuila y a destacados artistas de habla hispana en su nuevo álbum “Amor Compartido”

    “Amor Compartido” es el nuevo álbum de Cupido, el que funciona como un espacio de encuentro entre distintas escenas, acentos y tradiciones musicales de ambos lados del Atlántico. México, Chile, Argentina, Puerto Rico, Guatemala, Estados Unidos y España aparecen aquí unidos por una misma obsesión: intentar entender qué ocurre cuando una relación termina, se transforma o simplemente deja de parecerse a lo que prometía ser.

    Por eso el disco funciona casi como un pequeño mapa de la música popular latinoamericana contemporánea desde los lenguajes urbanos y alternativos que han conectado a una generación entera a través de internet. Hay bolero, dream pop, indie rock mexicano, ecos de trap rioplatense, baladas de dormitorio y surf pop romántico. Son estilos muy distintos, pero todos orbitan alrededor de una misma emoción, y también desde el ímpetu panhispano que ha sacudido el espíritu de Pimp Flaco en este último lanzamiento.

    Por eso mismo, el desamor aparece aquí bajo formas muy distintas: los celos de “Maldito Cupido”, junto a Cuco, encuentran refugio en un bolero suspendido sobre acordes de piano cristalinos;  “Ouch :_(” junto a Usted Señalemelo,, transforma la resaca emocional en una carretera nocturna de guitarras atmosféricas y baterías luminosas; mientras que “Troleo”, junto a Lorna, convierte la tensión romántica en una discusión interminable donde el meme y la provocación superan cualquier otro sentimiento profundo.

    La geografía sonora del disco resulta igual de diversa. “Parada del Bus”, junto a Little Jesus, recupera el optimismo digital del tropipop latinoamericano mediante sintetizadores vaporwave y una estética Frutiger Aero que parece extraída de un internet más ingenuo.  “404”, con DrefQuila, introduce una de las instrumentales más rock del álbum, construida sobre guitarras expansivas y promesas románticas tan exageradas que terminan adquiriendo una extraña ternura. “Calle de la Pena”, junto a Kinder Malo, conecta con los primeros imaginarios de Pimp Flaco (mucho antes de que Cupido se formase) desde una sensibilidad mucho más latina: rumba catalana, verbena popular y ecos del pop español de principios de los dos mil conviven en una misma calle. 

    Sin embargo, en otros momentos, el disco busca una escala más íntima. “Dolor de Muelas”, junto a Bruses, recupera aquella sensibilidad que surgió cuando el trap comenzó a encontrarse con el piano, las baladas y los instrumentos orgánicos a finales de la década pasada. “LMMJVS”, junto a Bhavi, desarrolla una pequeña teoría sentimental sobre los días de la semana (su friday i’m in love particular) mediante una guitarra dream pop minimalista cuyos patrones de fingerpicking recuerdan por momentos al lenguaje del bluegrass.

    En “Más valen cien pájaros volando que uno en mano”, Zoe Gotusso aporta una delicadeza cercana a la bossa nova para acompañar una de esas rimas que solo parecen existir dentro del universo lírico de Pimp Flaco: “hacerme un nido cerca de tu cuarto, y picar con el pico, todas las mañanas para que me des un pico y después salir volando hasta las tres y pico”. Y “Bolsa de Doritos”, junto a Jesse Báez, parte de una observación heredera de American Beauty para desplazarse entre improvisaciones cercanas al fiddle pop, pequeños gestos de avant-pop británico y un corazón inequívocamente surf pop.

    Al final, “Amor Compartido” termina pareciéndose bastante a las relaciones que describe: demasiadas personas involucradas, expectativas difíciles de gestionar y una enorme cantidad de mensajes cruzados. La diferencia es que aquí, contra todo pronóstico, la cosa funciona.

  • And The Glass Handed Kites: la complejidad invisible

    And The Glass Handed Kites: la complejidad invisible

    Por Carlos Brigo

    La primera vez que escuché este disco me gustó. La décima vez empecé a entender lo que estaba pasando. Y veinte años después todavía sigo descubriendo cosas nuevas.

    Lo he escuchado muchas veces y sigo encontrando detalles nuevos. Y quizás eso es lo que más me impresiona: la capacidad que tiene este álbum para esconder su complejidad.

    Porque técnicamente es un disco muy elaborado.Hay cambios de tempo, transiciones constantes, arreglos que aparecen y desaparecen, capas de sintetizadores, guitarras procesadas, líneas de bajo muy creativas y una batería que en varios momentos hace cosas realmente notables. Sin embargo, nada de eso parece estar ahí para demostrar virtuosismo.

    Todo está al servicio de la canción y  eso es extremadamente difícil de lograr. Muchas bandas cuando intentan ser complejas terminan sonando complejas. El oyente nota el esfuerzo. Aquí ocurre lo contrario. Los cambios suceden de manera tan natural que muchas veces pasan desapercibidos. La canción simplemente sigue avanzando y recién después de varias escuchas te das cuenta de todo lo que estaba ocurriendo debajo de la superficie.

    Es como observar una pintura de lejos y descubrir, al acercarte, que está llena de detalles ocultos.

    La interacción entre batería, bajo y guitarra es una de las cosas que más disfruto del disco. Hay momentos donde pareciera que cada instrumento está recorriendo su propio camino, pero de alguna manera todo converge exactamente donde debe hacerlo.

    Y cuando encima aparecen esas capas de sintetizadores y ambientes, el resultado adquiere una profundidad enorme sin perder claridad. Nunca se siente saturado.Nunca se siente excesivo.Todo tiene espacio.

    Pero si hay algo que termina de darle identidad a Mew es la voz de Jonas Bjerre.Sinceramente, me cuesta imaginar a otro cantante interpretando estas canciones.Su voz tiene algo frágil y etéreo, casi infantil por momentos, pero al mismo tiempo transmite una melancolía muy particular. Es el elemento que une todas las piezas del rompecabezas. Con otro vocalista, probablemente seguirían siendo buenas canciones, pero no serían Mew.La voz encaja de forma perfecta con el universo sonoro que construye la banda.Y eso no es algo que ocurra todos los días.

    Lo que más valoro de And The Glass Handed Kites es que nunca sacrifica emoción por técnica ni técnica por emoción.Logra ambas cosas al mismo tiempo.

    Es un disco que puede sorprender a un músico por la calidad de sus arreglos, pero también puede emocionar al público general y  justamente, ahí está su verdadera grandeza.

    Dos décadas después sigue sonando fresco, personal y distinto a casi todo lo que apareció en aquella época.No porque busque ser raro, sino porque se atreve a construir su propio lenguaje.

    Lamentablemente la banda anunció hace un par de meses su Farewell tour, donde se despedía con varios conciertos alrededor del mundo. No pasó por sudamérica, pero de todas maneras su música ha quedado inmortalizada y se puede disfrutar cuando se quiera. 

    Estoy convencido de que este disco crea un ecosistema único: técnica, sensibilidad e imaginación sonora. Cada vez que vuelvo a escucharlo, me convenzo de que Mew es una banda con un lenguaje muy propio.